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11 de mayo de 2012

TRIBUTO A BOB MARLEY.... 31 AÑOS DE SU MUERTE...


Este tributo es dedicado a uno de los musicos mas influyentes de los últimos tiempos... a los 31 años de su muerte...
Aqui su historia...

BOB MARLEY...
Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe, era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina de 18 años y de Norval Marley; un jamaicano blanco de ascendencia escocesa, capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), de 50 años, que se desentendió de su hijo por miedo a ser desheredado. A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital, donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.

Bob creció en ese ambiente donde conoció a Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición, donde se quemó en un ojo, con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes.

En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño era mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los "Wailing Wailers" (literalmente, "Gritos de protesta"). El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Summer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.

THE WAILERS...
Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en este país, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Bob Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimiento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado "Pied Piper", una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción "Stir It Up", de Bob.

Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.

En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue "Catch A Fire", fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento.

En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los singles más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en "Natty Dread", un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. "Natty Dread" fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacan dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década. Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. "Rastaman Vibrations", el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como "Crazy Baldhead", "Johnny Was", "Who The Cap Fit" y, tal vez la más significativa de todas, "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.

EXITO...En los años 70 Jamaica vivía un empeoramiento de su ya típica violencia política; la situación degeneró en una guerra civil callejera entre pandillas de pistoleros militantes de los dos grandes partidos políticos tradicionales, el Partido Nacional del Pueblo (socialista democrático) y el Partido Laborista de Jamaica (centro-derecha conservador). El Ejército y la Policía de Jamaica tomaron las calles, pero no pudieron contener la violencia entre los dos bandos enfrentados.

Bob Marley era entonces un pacifista no-político en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari. Bob Marley decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Pero sectores del entonces opositor Partido Laborista de Jamaica criticaron el concierto porque pensaban que estaba parcializado y en realidad era un acto de apoyo al Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, Michael Manley (señalado como amigo de Bob Marley); de hecho Michael Manley era el organizador detrás del evento. Después del anuncio del concierto, el gobierno de Manley convocó elecciones para el día 15 de diciembre (en un claro intento de sacar provecho político del mismo en plena campaña electoral). El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica; se piensa que el atentado fue una represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley, aunque algunos creyentes en teorías conspirativas barajan la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada (ya que Michael Manley se había acercado mucho a la Cuba de Fidel Castro). Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo. Dos días después del atentado, Bob se montó en la tarima y cantó. Cuando le preguntaron el porqué, el dijo: “La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Ilumina la oscuridad.” Fue la última presentación de Bob en Jamaica durante los próximos 18 meses. Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, "Exodus", uno de los más importantes de su carrera y del reggae.

Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres singles - "Waiting In Vain", "Exodus" y "Jamming’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos singles: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". En abril de 1978 volvió a Jamaica para el "One Love Peace Concert", cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación nacional. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y los Estados Unidos, de donde se sacó material para el segundo álbum en vivo: "Babylon By Bus". "Survival", el noveno álbum de Bob Marley con Island fue lanzado en el verano de 1979. Incluía "Zimbabwe", un himno para Rodesia, que luego sería liberada, junto con "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". Como indica la portada, que contiene las banderas de las naciones independientes, "Survival" fue un álbum en homenaje a la causa Panafricana. En abril de 1980, el grupo fue invitado oficialmente por el gobierno del recientemente libertado Zimbabwe para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación.

El siguiente disco de la banda, "Uprising", fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo un éxito inmediato con "Could You Be Loved?". El álbum también traía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Los Wailers entretanto se embarcaban en su mayor gira europea, rompiendo records de asistencia en un concierto. La agenda incluía un concierto para 100.000 personas en Milán, el mayor de la historia de la banda. Bob Marley & The Wailers eran la mayor banda en gira de aquel año y "Uprising" estaba en todas las listas de Europa. Era un período de máximo optimismo y estaban haciendo planes para una gira en los Estados Unidos en compañía de Stevie Wonder al final del año.


ULTIMOS AÑOS Y MUERTE...
Al acabar la gira europea Bob Marley y la banda partieron para los Estados Unidos. Bob hizo dos conciertos en el Madison Square Garden, pero cayó gravemente enfermo. Tres años antes, en Londres, se había herido el dedo del pie jugando al fútbol. La herida se volvió en su contra y, a pesar de haber sido tratado en Miami, continuó reproduciéndose. En 1980, el cáncer comenzó a propagarse por el cuerpo de Bob. Controló la enfermedad durante ocho meses, siguiendo tratamiento en la clínica del Dr. Joseph Issels, en Baviera. El tratamiento de Issels levantó mucha polémica porque sólo usaba remedios naturales y no tóxicos y, por algún tiempo, pareció funcionar en Bob. A comienzos de mayo dejó Alemania para volver a Jamaica, pero no completó su viaje.

Bob Marley murió en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981. Un mes antes, Bob había sido condecorado con la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país. El 21 de mayo de 1981, el Honorable Robert Nesta Marley O. M. recibía un funeral oficial del pueblo de Jamaica. Después del funeral (al que asistió tanto el Primer Ministro como el líder de la oposición) el cuerpo de Bob fue llevado a su tierra natal, Nine Miles, en el norte de la isla, donde ahora descansa en un ataúd de bronce, con su mano derecha acariciando su guitarra, y en la izquierda sostiene la biblia abierta en el salmo 23, uno de sus preferidos. En un mausoleo. Bob Marley murió a los 36 años.

Salmo 23, Versículos 1 y 2: "El señor es mi pastor, nada me faltara, en lugares de delicados pastos me hará descansar"

BOB MARLEY, DESPUES DE SU MUERTE...
En 2005, Rita Anderson, viuda de Marley, escribió una biografía en la que criticó durísimamente al que fue su esposo. En No Woman, No Cry, como se titula el libro. Según Rita, la pareja vivía en una choza, Bob sólo tenía un par de calzoncillos, que ella lavaba cada noche. También afirma que la estrella del reggae se marchó a una mansión en Kingston, donde vivía con varias amantes (una de ellas llegó a convertirse en Miss Mundo) e inclusive llegó a criar a algunos de los hijos que Bob tuvo con esas mujeres.

Y es que la lista de descendientes de Bob es inmensa: en 1968 tuvo un hijo llamado Ziggy Marley con Rita Anderson, en 1970, tuvo un hijo llamado Robbie con Lucille Williams, una de sus novias en Trench Town. Janet Hunt, concebió a Rohan Marley (futuro marido de Lauryn Hill). Sus constantes viajes a Londres no fueron tampoco fieles, ya que nació Karen Marley, hija de una inglesa llamada Janet Bowen. Incluso una jamaiquina nacida en Barbados, Lucy Pounder, tuvo con Bob a Julian Marley.

Otra de sus novias, la campeona caribeña de ping pong Anita Bellnavis, se convirtió en la madre de Kymani Marley. En 1975, Cindy Breakspeare, que estaba a punto de convertirse en Miss Mundo, dio a luz a Damian Marley. Otra de las novias era la actriz Esther Anderson, quien ya había tenido romances con Marlon Brando y Chris Blackwell. Por tal razón muchos rastafaris le consideran "El rey del reggae", mas no precisamente un modelo a seguir por haber faltado a la livity (modo de vida) de Haile Selassie I.

Todas estas afirmaciones no sentaron nada bien al gobierno jamaicano, más aún cuando se enteraron de que Anderson anunció que pretendía exhumar los restos de su marido para enterrarlos en Shashemene, Etiopía, donde el emperador Haile Selassie cedió unas tierras a un grupo de rastafaris jamaicanos que residen en esa localidad. La relación entre el gobierno jamaicano y Anderson era crítica, ya que consideran a Bob un ídolo y una fuerte atracción turística para los extranjeros. No hay que olvidar que la casa-museo de Bob es el principal reclamo de los extranjeros que llegan durante todo el año a la isla caribeña. Lejos de apaciguar los ánimos, Anderson recordó al gobierno de su país que, en Jamaica, Bob fue disparado en su casa y sufrió el exilio."Bob hubiera preferido reposar en el continente africano más que en una isla donde sus antecesores fueron llevados como esclavos", llegó a decir la viuda de Bob.

24 de junio de 2011

CARLOS GARDEL...(76 años de su Muerte)


(Charles Romuald Gardès; Toulouse, Francia, 1890-Medellín, Colombia, 1935) Cantante, compositor y actor argentino de origen francés. A finales de la década de 1920, la identificación de Gardel con el tango era ya un fenómeno de ámbito universal.

Carlos Gardel tuvo esa infancia castigada por la adversidad que parece caracterizar a todo héroe arrabalero y triunfador. Su madre, Bèrthe Gardès, nunca llegó a saber con exactitud quién era el padre de aquel hijo nacido el 11 de diciembre de 1890 en el hospital de La Grave (Toulouse) y bautizado con el nombre de Charles Romualdo. Más tarde, en los suburbios de la ciudad de Buenos Aires, adonde huyó en busca de unas migajas de fortuna cuando su hijo aún no había cumplido los tres años, se resignó a ver cómo su vástago correteaba entre las casuchas de Retiro, Montserrat o Los Corrales y se buscaba la vida pateando calles destartaladas y sucias, creciendo con resentimiento, congoja e inseguridad.

Charles se convertirá pronto en Carlitos, un muchacho despierto, simpaticón e irascible cuya única ansia consiste en alcanzar el lujo de los ricos y ganar montañas de dinero. Con dieciocho años desempeña toda clase de pequeños trabajos y ya deja oír su aterciopelada voz en esquinas, reuniones familiares y garitos. Detesta el trabajo duro, rinde culto al coraje, santifica la lealtad a los amigos y se esfuerza por imitar a los adinerados acicalándose con un esmero narcisista y casi femenino.

Por aquel entonces, ese "pensamiento triste que se baila" de incierto origen, llamado tango, comenzaba a hacer furor en París. Sus intérpretes más destacados viajaban al continente y regresaban con los bolsillos a rebosar. Carlos, a quien le gusta el canto casi tanto como la "guita", cambia la s final de su apellido por una l y prueba fortuna en algunos cafés de los barrios periféricos bonaerenses, en los que se presenta con el sobrenombre de "El Morocho"; ante la sorpresa de propios y extraños, manifiesta una aguda sensibilidad y un temperamento artístico completamente original.

Su interés y sus aptitudes lo inclinan hacia el tango canción o tango con letra, escasamente cultivado hasta ese momento. En efecto, el tango estaba por entonces culminando su proceso evolutivo que lo había llevado de ser una música alegre (en compás de dos por cuatro y de origen posiblemente cubano) que se bailaba de forma un tanto procaz en las fiestas de las clases populares de Buenos Aires, a convertirse en un lamento cantado, una música nostálgica y desgarrada que los porteños acomodados habían aprendido a admirar y a bailar y que Gardel estaba destinado a dar a conocer en todo el mundo.

Cuando en 1915 forma pareja con José Razzano, intérprete de tangos que ya goza de alguna fama, ninguno de los dos sospecha que en pocos años van a convertirse en ídolos tanto de los entendidos como de un amplio sector de público. Fue a raíz de una apoteósica actuación en el teatro Esmeralda de Buenos Aires, en 1917, cuando el personal estilo de interpretar el tango de Carlos Gardel caló hondo en el público porteño y dio al dúo Gardel-Razzano una fulminante celebridad.

El tándem se mantendrá hasta 1925, año en que Gardel debió partir solo hacia Europa. José Razzano, aquejado de una enfermedad en la garganta, había decidido abandonar el canto. Esta desgracia de su compañero significará, no obstante, la fama internacional para Gardel. Tres años después de cruzar el Atlántico, escribe a Razzano: "La venta de mis discos en París es fantástica; en tres meses se han vendido setenta mil". Bing Crosby, Charles Chaplin y Enrico Caruso se deleitan con canciones como "Mi noche triste", "Volver" o "No habrá más penas ni olvido".

Si grande había sido el éxito de Gardel en París, no lo fue menos en España. Gardel debutó en solitario en 1925 en el teatro Apolo de Madrid y en el teatro Goya de Barcelona el 5 de noviembre de ese mismo año. Tal fue el recibimiento y cariño que el público le brindó en la capital catalana al "zorzal criollo", como también se lo llamaba, que hizo de ella su centro de operaciones para sus giras europeas, no obstante sus largas estancias en París. En "Che, papusa, oí" canta Gardel: "Trajeada de bacana, bailás con corte / y por raro esnobismo tomás prissé", acaso evocando las fiestas al estilo parisino que ofrecía por esa época la aristocracia barcelonesa, con esmoquin, champán francés y cocaína o plis o plissé, como llamaban a esta droga.

La voz, la estampa y la simpatía de Gardel arrollaban, especialmente entre las mujeres. Reveladora es la entrevista "a la sombra de Gardel", que salió publicada en Tango Moda, en 1929. La sombra era una bella francesa que seguía al ídolo por todas partes después de haberlo visto actuar una vez en el cabaret de Florida de París. "Cuando por la noche me retiro a mi cuarto del hotel, doy por muy bien pagados mis esfuerzos si le he oído cantar tres o cuatro canciones", confesaba esta admiradora incondicional. Sus películas, como Flor de durazno, rodada en Argentina en 1917, Luces de Buenos Aires y Cuesta abajo, en Francia en 1931 y 1934, y Tango Bar, en Estados Unidos en 1935, además de Melodía de arrabal, El tango en Broadway, El día que me quieras y Cazadores de estrellas, entre otras, contribuyeron a incrementar su fama, gracias a su magnífica voz y a su fascinante personalidad.

Su forma de cantar los pequeños dramas existenciales de sus tangos va a significar una revolución. Nadie es capaz de imitar el fraseo de Gardel ni su habilidad para metamorfosearse en los personajes de sus canciones. Además, su figura simpática, mezcla de pícaro y castigador siempre bien vestido y repeinado, se convierte en un modelo para los porteños. Ahora es un triunfador nato, modelo de "el que llegó", un mito rioplatense admirado por los hombres y adorado por las mujeres.

A pesar de esta imagen, Gardel fue en la intimidad un hombre tortuoso, retraído y contemplativo, atenazado por una oscura tristeza y víctima fácil del abatimiento. En cuanto a su vida sentimental, confesaría que nunca se había enamorado de mujer alguna, "porque todas valen la pena de enamorarse y darle la exclusividad a una es hacerle una ofensa a las otras".
En 1934, después de haberse paseado en olor de multitud por escenarios de Europa y Estados Unidos, Carlos Gardel inició una gira por toda Hispanoamérica provocando el delirio. Los teatros se llenaban de un público rendido al cantante argentino, que lo aclamaba y lo continuaría aclamando hasta después de su muerte.

El 24 de junio de 1935, cuando se encontraba en la cúspide de su fama, el cantor murió en un accidente de aviación cuyas causas nunca se han aclarado, al menos no para los millones de apasionados del tango que en todo el mundo entonces lloraron la muerte de su ídolo y aún hoy hablan de él en tiempo presente. Gardel viajaba de Bogotá a Cali en un F-31 de la compañía Saco. Hecha escala en Medellín, el avión recorrió la pista para alzar el vuelo, pero apenas había despegado se precipitó a tierra, chocando con otro avión alemán que esperaba en la cabecera de la pista.

Un velo de misterio rodeó el suceso. Corrieron rumores acerca de un tiroteo entre Gardel y uno de sus acompañantes, con el piloto del aparato como víctima inocente e involuntario causante de la tragedia. Sin embargo, y según el testimonio de los dos únicos pasajeros que lograron salvarse de los veintiuno que viajaban en el vuelo, la verdadera causa del accidente parece haber sido el fuerte viento reinante que hizo que el piloto perdiera el control del trimotor en el momento del despegue.

A la confusión del accidente se sumaría después la leyenda de un cantor encapuchado cuya voz sorprendía por su parecido con la de Gardel; muchos afirmaron que el ídolo se había salvado y seguía cantando, pero no deseaba mostrar su rostro totalmente desfigurado; a ser eso cierto, el cuerpo velado por las multitudes en el estadio del Luna Park no habría sido el suyo. Pero es su espíritu lo que cuenta: un mar de melancólicos lo lloró entonces y siguió lamentando la pérdida de la voz más triste y cálida que el tango ha dado nunca.




22 de junio de 2011

LA MANO DE "D10S"....


La mano de Diós cumple 25 años...

«La mano de Dios» es el nombre con el que se conoce el primer gol anotado por el futbolista Argentino Diego Armando Maradona en el partido entre Argentina e Inglaterra por los cuartos de final del Mundial de México 1986, el 22 de junio de 1986 en el Estadio Azteca de la Ciudad de México. El juego finalizó con victoria de los argentinos 2 goles a 1, gracias al llamado «Gol del Siglo», también marcado por Maradona.

El propio Maradona declaró luego del partido que el gol había sído marcado "un poco con la cabeza de Maradona y un poco con la mano de Dios", y a partir de allí la prensa mundial dio nombre al gol.

Acá el video para recordarla...
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Ese mismo día Maradona tambien combertiria el llamado "GOL DEL SIGLO"...
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AGUANTE DIEGO...

AGUANTE D10S...


24 de mayo de 2011

TRIBUTO A BOB DYLAN... 70 AÑOS


Robert Allen Zimmerman nació el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota y creció hasta convertirse en un de los artistas más influyentes de la cultura norteamericana en el siglo pasado...

Su obra se basa en la música folclórica norteamericana, pero compuesta a partir de su percepción personal y poética. Bob Dylan probó que no era necesario ser un gran cantante en lo técnico o un músico de academia para tener una carrera brillante en la música popular de los Estados Unidos...

Su música ha influido en toda una generación de músicos que va desde los Beatles hasta Stevie Wonder...

Empujado por la música de Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Little Richard; Bob Dylan empezó su carrera musical en la secundaria armando sus propias agrupaciones en la secundaria. En esa época imitaba a Little Richard en el piano. Estando en la Universidad empezó a tocar música folk y country en locales pequeños. Lo hacía bajo el seudónimo de “Bob Dylan”, nombre inspirado en el poeta galés Dylan Thomas...

En 1960, Dylan decide dejar la universidad y se va a Nueva York donde estaba hospitalizado su ídolo, el cantante folclórico Woody Guthrie. Sus visitas al hospital y a los locales en los que se tocaba música folclórica en Greenwich Village le llevaron a definir su estilo musical y a componer a un ritmo rara vez visto...

Un año después una de sus actuaciones apareció reseñada en el New York Times lo que hizo que la disquera Columbia saliera a cazarlo y firmara un contrato con él. En 1962 salió a la venta el disco “Bob Dylan” cuyo ingrediente principal era una voz roca que interpretaba canciones tradicionales y de blues.

Al año siguiente apareción “The Freewheelin’ Bob Dylan” un disco en el que hizo historia con su interpretación poética de la historia norteamericana. El disco incluyó dos canciones que representaban el espíritu de los años sesenta: “Blowin’ in the Wind”, que luego se convertiría en un éxito para Peter Paul and Mary; y “A Hard Rain’s A-Gonna Fall”.

Su tercer LP, “The Times They Are A-Changing’” lo estableció como compositor e ideólogo del movimiento de protesta de los años sesenta. Esa imagen se vio consolidada por su relación de dos años con Joan Baez, uno de los iconos del movimiento. La relación tuvo otros efectos positivos sobre sus carreras debido a que Dylan compuso muchas de las canciones más famosas de Baez y ella, a su vez, lo presentó a las audiencias gigantescas que asistían a sus conciertos.

Para 1964 Bob Dylan se presentaba 200 veces al año y se estaba empezando a cansar de ser “El” cantante folclórico del movimiento de protesta. Eso llevó a “Another Side of Bob Dylan” un LP más introspectivo y menos político. Habiendo entendido que podía hacer variaciones sobre su estilo y contenidos, Dylan graba en 1965 “Bringing It All Back Home”, un disco que escandalizó a la comunidad filk debido al uso de instrumentos eléctricos y al apoyo de 9 músicos. El enojo del público fue tal que el 25 de julio fue abucheado por la asistencia al Festival Folk de Newport cuando empezó a tocar con instrumentos eléctricos.

Ese mismo año salió a la venta “Highway 61 Revisited” disco en el que se incluía el éxito “Like a Rolling Stone”. En 1966 “Blonde on Blonde”, un álbum doble, combinó como nunca la música y la literatura para producir uno de los discos más importantes de su carrera.

En 1966 ocurrió un percance que marcó su vida. Un accidente de motocicleta que casi lo mata le llevó a una pausa de un año prácticamente en confinamiento solitario. Esto le llevó a reinventarse nuevamente y los discos " John Wesley Harding” de 1968 y “Nashville Skyline” de 1969 lo llevaron a ser aún más calmo y relajado.

Sin embargo, “Self Portrait” de 1970 y “Tarántula” de 1971 fueron destruidos por la crítica y las bajas ventas. Su recuperación empezó en 1973 cuando compuso la banda de sonido de la película que protagonizó (“Pat Garret and Billy the Kid”). El disco fue un éxito y produjo el sencillo “Knockin’ on Heaven’s Door”. Este era el empujón que necesitaba para volver a las giras, suspendidas desde su accidente.

La gira arrancó con entradas agotadas y con “La Banda” como grupo de respaldo. Su trabajo con esa agrupación llevó a la grabación del disco “Planet Waves” que se convertiría en el su primer LP en llegar al número uno de la lista de ventas. Ese éxito estuvo seguido de “Blood on the Tracks” y “Desire” ambos de 1976 y ambos número uno. El LP “Desire” contenía la canción “Hurricane” que hacía referencia a la historia del boxeador Rubin “Hurricane” Carter, encarcelado por un crimen que no cometió. Esa canción despertó una ola de protestas que llevaron a un nuevo juicio en el que nuevamente fue condenado. La canción y el rol de Dylan en la historia del boxeador se destacan en la película “Huracán”. En ese mismo álbum viene la canción Sara, un infructuoso intento del cantante por recuperar a su esposa luego de una dolorosa separación.

En 1979 Dylan se vuelve a reinventar, ahora como cristiano. Su disco religioso “Slow Train Coming” fue un éxito comercial y le dio a Dylan su primer Grammy como Mejor Cantante Masculino. Gradualmente, el discurso religioso fue bajando de tono dentro de su obra.

A inicios de los años 80 Dylan empezó nuevamente sus giras de concierto acompañado ocasionalmente por Tom Petty and the Heartbreakers y los Grateful Dead. La inconstancia de sus presentaciones llevó a muchos admiradores a pensar que su carrera se estaba apagando. Su producción musical durante esa época contradecía lo que pasaba en los escenarios y en 1989 “Oh Mercy” se convirtió en el disco mejor recibido en muchos años.

En ese mismo periodo grabó con los Travelin’ Wilburys, una banda integrada por Tom Petty, Jeff Lynne (de ELO) y los desaparecidos George Harrison y Roy Orbison.

En 1989 Dylan entró al salón de la fama del Rock and Roll y en el discurso de la ceremonia Bruce Spingsteen dijo que “Bob liberó la mente de la misma manera en que Elvis liberó el cuerpo... Él inventó una nueva forma de sonido para un cantante pop, rompió las limitantes de lo que un artista puede lograr y cambió el rostro del rock and roll para siempre.”

En 1997 Bob Dylan fue el primer rockero en recibir el reconocimiento del Kennedy Center, la distinción más importante en Estados Unidos en cuanto a las artes.

Ese mismo año, el disco “Time Out Of Mind” lo reestableció como el icono del folclore y como uno de los sabios del rock, además de darle tres Grammys, incluyendo el de disco del año. Sus giras siguieron y ese año se presentó ante el Papa Juan Pablo II e interpretó “Knockin’ On Heaven’s Door”.

En el 2000 grabó “Things have Changed” para la película “Wonder Boys” en la que actúa Michael Douglas. El tema obtuvo el Globo de Oro y el Óscar a la mejor canción.

Bob Dylan está en gira permanentemente y ahora graba menos que antes. Sin embargo, discos como “Time Out of Mind” de 1997 prueban que él aún tiene mucho que decir y lo hace de una manera que nadie puede igualar.




5 de abril de 2011

KURT COBAIN... 17 años despues...

Nombre artístico de Kurt Poupon; EEUU, 1967 - 1994) Compositor y cantante de rock duro estadounidense, creador y principal miembro del grupo Nirvana. El 20 de febrero de 1967 nace Kurt Poupon en la localidad de Aberdeen, en Washington.


Ese niño, que con los años sería conocido como Kurt Cobain, arrastró a lo largo de toda su vida los problemas de su familia que culminaron con la separación de sus padres cuando había cumplido los siete años. Kurt Cobain murió siendo todavía un hombre joven, pero pese a muchos de sus problemas (o quizás gracias a ellos) llegó a convertirse en un ídolo musical mundial.


Kurt Cobain tuvo por primera vez en sus manos una guitarra a los 14 años, cuando se la regaló su tío. A partir de ese momento la música se convirtió en una constante en su vida y fue una herramienta que le resultó especialmente útil para expresar en parte su complicada personalidad. Con el tiempo decide, junto a su amigo Krist Novoselic, formar su primera banda, a la que llaman Fecal Matter. Son sus primeros pasos en el mundo profesional de la música.


Pronto Fecal Matter queda corta para las ansias artísticas de Kurt Cobain. Sigue unido a Novoselic para crear un nuevo grupo al que se incorpora el batería Dale Crover. Corren los años 1985 y 86 y Seattle ve nacer los primeros conciertos del mítico Nirvana.


Pocos pueden sospechar que alrededor de esta formación y de la misma ciudad se originará una corriente musical que hará historia: el grunge. Ritmos de rock primitivo y desencantado se convierten rápidamente en un himno para la juventud de los años 80.


Tanto la música como la estética de Cobain y su grupo influyen decisivamente en la sociedad de entonces. En el año 1988 Dale Crover ha sido sustituido por Chad Channing en Nirvana.


Con el nuevo integrante del grupo se graba su primer trabajo discográfico, Nirvana.


Sus dos canciones, Love Buzz y Big Cheese, consiguen ser rotundos éxitos y dan un gran prestigio a la formación de Cobain.


Con la fuerza que les otorga su buena aceptación empiezan a trabajar en su primer álbum de estudio, Bleach. Los circuitos alternativos de los Estados Unidos empiezan a albergar los conciertos de Kurt Cobain y sus compañeros con temas como About a girl.


En el año 1990 se publica el segundo disco de Nirvana, Nevermind, bajo el sello de la compañía discográfica Geffen. Cobain vuelve a cambiar el batería y es ahora Dave Grohl quien toca en el grupo.


Este álbum se convierte en uno de los más importantes de la historia de la música actual al vender más de quince millones de copias. Su single Smells like teen spirit es un verdadero mito para jóvenes de todo el mundo.


El éxito rotundo llega a la carrera musical de Kurt Cobain aunque él no deja de lado sus problemas de adicción a la heroína y su personalidad depresiva. El 24 de febrero de 1992 Kurt Cobain se casa con otra cantante norteamericana, Courtney Love. Es la líder de Hole (un grupo formado por solo mujeres) y se la conoce por su carácter problemático.


El suyo será un matrimonio conflictivo en el que abundan las drogas y la violencia y del cual nacerá su única hija, Frances Bean. En el mismo 1992 ve la luz otro de los discos de Nirvana: Incesticide. Es una recopilación de temas inéditos que solo se oyen en los conciertos en directo del grupo, como por ejemplo Sliver o Son of a gun y el preludio de su último disco llamado In utero.


Los problemas personales de Kurt Cobain son cada vez más importantes y el cantante intenta suicidarse en dos ocasiones, además de ser internado por una sobredosis en el año 1993.


El 5 de abril de 1994 muere de un disparo en la cabeza aunque su cadáver no se encuentra hasta tres días después. Sólo tiene 27 años y la versión oficial es que se ha suicidado, aunque las especulaciones sobre un posible asesinato nunca han dejado de oírse.


Tras la muerte de Cobain aparecen en el mercado MTV Unplugged, un álbum realizado en 1993, y una recopilación póstuma hecha por los demás miembros del grupo, From the Mudy Banks of the Wishkah.


17 de febrero de 2011

TRIBUTO A BEE GEES...


En la historia de la música pop no debe haber otro grupo que haya tenido tantos altos y bajos en su popularidad o una audiencia tan variada durante cuatro décadas como los Bee Gees.

Empezaron a mediados de los sesenta usando a los Beatles como parámetro, pero rápidamente desarrollaron su propio estilo que traspasaron a la composición de sus canciones, a la vez que llevaban al pop a tonos más progresivos. A mediados de los setenta cuando su popularidad tocó fondo, se reinventaron y aparecieron como el espectáculo de soul blanco más popular en la era disco. Esa misma fama se fue extinguiendo en la medida en que el disco pasaba de moda, pero siempre encontraron la forma de regresar al gusto de la gente.

Más allá de cuánta gente les ha seguido, está el hecho de que a lo largo de su carrera han mantenido un estilo de canto peculiar apoyado en tres voces que se mezclan a tal punto, que grupos reconocidos por su armonía al cantar como los Beatles, los Everly Brothers y Simon & Garfunkel, parecen algo artificiales cuando se los pone lado a lado.

Los Bee Gees están dentro de los grupos vocales más exitosos de la historia del rock and roll. Son el sexto vendedor de discos en la historia con 64 milones de copias, detrás de Elvis Presley, los Beatles, Michael Jackson, Garth Brooks y Paul McCartney.

Los hermanos Gibb nacieron en Inglaterra. Su padre fue líder de un grupo musical y su madre cantante. Barry Gibb nació el 1º de septiembre de 1946, en tanto sus hermanos gemelos Maurice y Robin nacieron el 22 de diciembre de 1949 en la isla de Man. Andy, el menor de los cinco hermanos también seguiría su propia carrera musical.

Los tres empezaron a cantar juntos desde muy niños alentados por su padre, que veía en ellos un grupo con gran potencial para el canto armónico. Sus primeras presentaciones fueron en 1955 durante las pausas de los cines de Manchester. Inicialmente, ellos hacían la mímica mientras de fondo sonaban discos de música popular, pero un día en que un disco se rompió los muchachos mostraron todo su talento y la gente respondió aplaudiendo.

Con el tiempo empezaron a adoptar nombres artísticos y a componer sus propias canciones. Justo en ese proceso la familia se mudó a Brisbane, Australia en 1958.

Allí empezaron a presentarse en cuanto show de talento hubo y pronto los “Brothers Gibb” llamaron la atención de Bill Gates, un programador de radio. Sería él quien les ayudaría a conseguir un contrato en un club nocturno que les abrió todas las puertas hasta llegar a su propio programa de televisión en Brisbane. Entonces decidieron cambiar su nombre de “Hermanos Gibb” a Bee Gees, que es una abreviación del nombre anterior en inglés.

En 1962 consiguieron su primer contrato con una disquera. Festival Records de Australia les hizo debutar con “Three Kisses of Love”. El grupo fue muy bien recibido por la prensa y por la gente, además de una audiencia joven que los seguía adonde fueran. Luego sacaron un LP titulado “The Bee Gees Sing and Play 14 Barry Gibb Songs” con el que no lograron pegar duro en las listas, porque en ese momento la invasión británica llegaba a Australia de la mano de los Beatles cantando rock and roll apoyados en armonías.

A finales de 1966 asumieron que no iban a poder conquistar el mercado australiano y mucho menos conquistar del mundo desde Australia. Por eso regresaron a Inglaterra, que gracias a los Beatles era el centro musical del mundo. Para facilitar su llegada habían mandado la canción “Spicks and Specks” como muestra sobre su trabajo. Un amigo de Brian Epstein, Robert Stinwood, escuchó la cinta y los estaba esperando a la salida del barco con un contrato por cinco años.

Lo anecdótico del caso es que en el barco que les llevaba de regreso a las islas británicas, se enteraron que habían alcanzado el primer lugar en Australia con “Spicks and Specks”.

En 1967 empezaron a renovar su estilo alternando las voces de Barry y Robin como las principales y haciendo coro junto con Maurice. Barry Gibb cargaría con la guitarra y Maurice Gibb sería la voz de respaldo, el complemento de coro, tocaría el bajo y el órgano. El grupo se amplió con la incorporación de Vince Melouney en la guitarra y Coline Petersen en la batería. De esa manera el grupo podría funcionar sin mayores obstáculos.

El primer disco inglés de los Bee Gees fue “New York Mining Disaster 1941” lanzado a mediados del 67. El tema era tan peculiar como el grupo que lo interpretaba por su melodía algo sicodélica y por su letra barroca. La canción entró entre las primeras 20 en Inglaterra y Estados Unidos. Detrás de este sencillo vinieron “Holliday” y “To Love Somebody” que ayudaron a mantener la presencia del grupo en las listas de popularidad.

Robert Stingwood hizo arreglos para que las canciones de los Bee Gees fueran lanzadas en Europa por Polydor, en tanto Atlantic Records lo haría en Estados Unidos. La negociación aprovechó las ventajas que tenía cada sello en su área de influencia.

Atlantic estaba más que deseoso de tener a los hermanos Gibb debido a que no habían logrado prenderse en la invasión británica y ahora tenían la oportunidad de colocar la música de un grupo con un estilo parecido a los Beatles, pero algo más accesible para la gente. Los discos de los Bee Gees tenían melodías grandilocuentes, buenos arreglos, eran románticas y a la vez algo complejas en sus letras.

Mientras negociaba el contrato de los Bee Gees, Stinwood logró que Atlantic lanzara los discos de un trío desconocido llamado “Cream”. En esa época Eric Clapton era más un mito que una estrella, debido a que su nombre no era asociado directamente a los Yardbids. De alguna manera, Atlantic logró un 2X1 descomunal.

Con las bases cubiertas, los Bee Gees tenían todo para lograr el éxito comercial y la fama. La salida de “Massachussetts” lo hizo posible. El número uno en Inglaterra hizo que el álbum se vendiera bien y que la gente conociera la calidad de toda su música producto de los arreglos y composiciones sólidas, su música no se agotaba en dos o tres éxitos.

El LP “Bee Gees 1st” salió a la venta en 1967 y, aunque tenía algunos lunares, ninguna de las pistas del disco podría ser considerada un desperdicio. Detrás vinieron dos álbumes (“Horizontal” e “Idea”) con un estilo todavía más pulido gracias al trabajo del director Bill Shepherd que se encargó de mezclar instrumentos eléctricos e instrumentos de orquesta hasta lograr un sonido de altísima calidad. Además, la producción estaba a cargo de los hermanos Gibb lo que ayudó a que las interpretaciones rayaran la perfección.

De esa época son los éxitos “I Started a Joke” y “I’ve Gotta Get a Message to You” que venían en el álbum Idea de 1968. Su música era reconocible a la legua por el sonido orquestado y los coros de los hermanos Gibb. Eran días en que lo que tocaban se convertía en éxito.

Además de los Beatles, en los Bee Gees se encotraba la influecia del country norteamericano y del soul encarnado por Otis Redding. “To Love Somebody” uno de sus primeros éxitos, fue escrito por Redding quien no vivió lo suficiente para poder grabarlo él mismo. Su estilo estaba apoyado en deconstruir las armonías de la música negra estadounidense y recomponerla dentro de su estilo.

Con un estilo tan consolidado y cuidadosamente construido, solo podía venir un proyecto gigantesco que daría de qué hablar. El doble LP “Odessa” estaba listo para ser lanzado en 1969 y la canción que le daba el nombre a los discos era una obra de arte en la que coros impresionantes e imágenes vanguardistas transportaban al oyente por siete minutos de magia.

Pero el disco no pudo ser. Los hermanos Gibb se enfrascaron en una pelea a la hora de decidir cuál sería el tema que saldría a la venta como sencillo. Robin decidió separarse de sus hermanos y Maurice y Barry se quedaron con el nombre Bee Gees.

Robin lanzó su carrera en solitario con el disco “Robin’s Reign”, en el que hizo de productor, arreglista, compositor y cantante de todos los temas.

Por su parte los Bee Gees terminaron separando. Melouney, el guitarrista, se marchó luego de las peleas por Odessa y Petersen banadonó el barco cuando empezaban a grabar “Cucumber Castle”. El baterista se aseguró una buena indemnización y hasta demandó a los hermanos argumentando que él era el dueño del nombre Bee Gees.

Sin un grupo que pudiera promoverlo en la televisión y a través de las presentaciones, “Odessa” nunca llegó a vender lo que se suponía, incluso con un sencillo como “First of May”.

Por su parte “Cucumber Castle” fue asociado a la invasión británica en un espacial de televisión y se lo consideraba una especie de respuesta de los Bee Gees al “Magic Mystery Tour” de los Beatles. De ese disco salieron algunos sencillos que alcanzaron buenas posiciones en Inglaterra y Alemania.

En 1970, con más experiencia a cuestas y luego de haber probado lo que es trabajar cada cual por su lado, los Bee Gees decidieron rearmar el trío. Ahora se entendían mejor y su música había evolucionado, ahora estaban más cerca del rock progresivo hecho pop, que de la sicodelia.

Regresaron de la mano de “Lonely Days” que fue su primer número uno y disco de oro en Estados Unidos. La otra canción que los volvió a hacer notar fue “Morning of My Life” que apareció en la banda de sonido de la película “Melody” y dio tan en el gusto de sus seguidores que debieron seguirla incluyendo en el repertorio de sus conciertos por varios años.

En 1971 vino “How Can You Mend a Broken Heart” que fue un éxito en todo el mundo. Sin embargo, el álbum “Trafalgar”, que contenía la canción, no tuvo el trabajo ni la claridad conceptual de sus predecesores. Algo similar pasó con “To Whom It May Concern”, que tuvo un paso fugaz por la lista de álbumes.

Ahora había una sensación de haberse quedado atrás, en un momento en que los grupos se concentraban en vender álbumes y no tanto los sencillos. El estilo de los Beatles que había funcionado hasta ahora, parecía no estar en sintonía con la gente. La prueba vino con “Life in a Tin Can” su LP de 1973 que, a pesar de una gran promoción que hizo la nueva disquera RSO y que los Bee Gees se mudaran a Estados Unidos, nunca logró despegar.

Cuando le propusieron a Stigwood su proyecto para el siguiente álbum, su representante lo rechazo de entrada. En ese momento se dieron cuenta de que estaban en medio de una crisis creativa. El inicio de la salida se los dio Eric Clapton cuando les sugirió grabar en Criteria Studios en Miami. Stigwood estuvo de acuerdo y en 1974 los Bee Gees regresaron con “Mr. Natural” debajo del brazo.

La producción de Arif Mardin ayudó a crear un nuevo punto de partida para su música con un sonido más americanizado y con tonos tomados del R&B. El LP no vendió ni parecido a su predecesor, pero recibió muy buenas críticas y les ayudó a encontrar un estilo nuevo que pudieran llamar propio.

Volvieron nuevamente al estudio con Mardin y produjeron “Main Course” un disco más bailable, coros más agudos y más adaptado a los tiempo por el ritmo funk. Detrás del trío estaba Alan Kendall en la guitarra, Dennis Byron en los bolillos, Blue Weaver en las teclas y un Barry Gibb que se atrevió a cantar con un falsete que volvió loca a la audiencia.

“Jive Talkin’” fue su segundo número uno en Estados Unidos. Le siguieron “Nights in Broadway” y el larga duración “Children of the World” de donde se extrajeron “You Should Be Dancing” y “Love So Right”. Aprovechando este momento de éxito lanzaron su primer disco en vivo en el que interpretaban temas viejos y nuevos, una especie e antología de los Bee Gees.

Cuando las cosas no podían ir mejor, se pusieron todavía mejor. En 1977 se les propuso que participaran en la banda de sonido de la película “Fiebre de Sábado por la Noche”. Sus tres canciones "Stayin' Alive", "How Deep Is Your Love" y "Night Fever" fueron número uno y el LP estuvo en la casilla de honor por 24 semanas vendiendo más de 40 millones de unidades, al tiempo en que la película batía todos las marcas de taquilla. Así renacía el disco, que se había estancado luego de haber tenido una gran aceptación dentro de los colectivos homosexuales y negros de Europa y Estados Unidos. Ahora el disco era un fenómeno de masas y los Bee Gees su rostro más visible.

De repente estaban vendiendo más de lo que se habían imaginado, además de ser el referente de popularidad para una generación de jóvenes menos politizados que los de finales de los sesenta e inicios de los setenta. Ahora llenaban estadios, aunque muchos de sus fieles de seguidores se apartaron resintiendo el ritmo disco. Pero las diferencias con su etapa anterior no eran muchas. El falsete de Barry Gibb era el desarrollo natural de un estilo que venía de los sesenta y sus temas bailables no eran tantos como los románticos que seguían produciendo.

Por sugerencia de Arif Mardin cambiaron su estilo de caballeros ingleses, por algo más contemporáneo emulando el soul y el funk, pero en sus propios términos. Tenían el talento, las voces, la banda y las habilidades de composición que los llevaron a sonar a las radios negras en 1977.

Ahora fusionaban todos los estilos que alguna vez les influyeron y habían creado algo irresestible para la gente. Tanto así que en 1979 su álbum “Spirits Having Flown” vendió 30 millones de copias en todo el mundo y colocó a "Tragedy”, "Too Much Heaven" y "Love You Inside Out" en el primer lugar de las listas. Al mismo tiempo, su hermano menor Andy lograba el éxito dentro de la misma línea pero con un estilo más liviano.

Con el final de los años setenta llegó el final del disco de la mano de una fuerte recesión económica y de nuevas tensiones políticas que obligaron a la gente a suspender la fiesta de excesos y a concentrarse en la vida. Al mismo tiempo los Bee Gees fueron víctimas de sus propios excesos que les costaron en popularidad como su participación en el último aletazo del disco: la versión disco del Sargento Pimienta y el Club de los Corazones Solitarios. La película fue un fracaso dentro y fuera de la salas, al punto que el disco prácticamente se regalaba en las tiendas seis meses después de su salida en 1978.

Después de tomarse un tiempo de descanso producto de cuatro años de intenso trabajo, volvieron al estudio en 1981 a grabar “Lying Eyes”, pero no lograron descollar por ningún lado. Con el disco 3 metros bajo tierra y pasados de moda, los Bee Gees se convirtieron en el pato de la fiesta y fueron el centro de todas las críticas sobre los excesos de la época.

Las drogas y el alcohol que se consumieron a raudales en esos años, habían tenido efectos negativos en ellos, pero más aún en su hermano menor Andy que terminó falleciendo por su dependencia a las drogas en 1988.

Durante los años ochenta los Bee Gees pasaron desapercibidos como grupo, incluso cuando participaron en la segunda parte de Fiebre de Sábado por la Noche. Barry Gibb se dedicó a componer para Bárbara Streisand y Diana Ross, entre muchos artistas.

En 1987 con la mente más clara y concientes de su posición como artistas ensayaron un disco de regreso titulado “E.S.P.” que fue un éxito de crítica y ventas en todas partes del mundo excepto en Estados Unidos. Dos años después “One” generó un top ten en Estados Unidos con la canción que le daba el nombre al álbum.

“Tales From the Brothers Gibb” fue un lanzamiento del sello grabador que intentaba mantener la popularidad del grupo fuera de Estados Unidos, pero que incidentalmente lo logró en la unión americana.

Durante los años noventa sus discos les permitieron tener presencia dentro del segmento del adulto contemporáneo, entraron al Salón de la Fama del Rock and Roll y a inicios del 2000 se presentaron por primera vez en diez años en un concierto, en el MGM de Las Vegas.

El grupo se mantuvo activo hasta la desaparición de Maurice Gibb a los 53 años en enero de 2003. Luego de su fallecimiento, Robin y Barry decidieron dejar de actuar como los Bee Gees.
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fuente: radiodos.com

9 de febrero de 2011

TRIBUTO A JULIO JARAMILLO... 33 AÑOS DEL INICIO DE SU INMORTALIDAD...


Nació en Guayaquil el 1 de octubre de 1935. Hijo de Juan Pantaleón Jaramillo Erazo, natural de Machachi, provincia del Pichincha, y de Apolonia Laurido Cáceres, guayaquileña. Huérfano de padre a temprana edad, creció en el barrio de las calles Brasil y Coronel, y desde muy pequeño mostró especiales condiciones para la música. Dotado de una voz privilegiada, al igual que su hermano Pepe, siendo adolescente obtuvo los primeros triunfos, cantando con su guitarra en concursos para aficionados en Radio Cóndor, Radio América y Radio Ortiz.

Su primera grabación la realiza en 1952 con el respaldo del trío Los Soberanos en un gingle político solicitado por el líder del CFP, Dr. Carlos Guevara Moreno. En 1955, a dúo con Fresia Saavedra, graba el yaraví ''Pobre mi madre querida'', de Alberto Guillen Navarro y al otro lado del sencillo, el pasillo "Mi corazón", de Gonzalo Vera Santos, con el acompañamien­to de Rosalino Quintero. Unos meses después grabó con su maestro Carlos Rubira Infante, el pasillo "Esposa", para el sello Ónix de J.D. Feraud Guzmán,

Corría el año 1956, cuando Francisco Feraud Aroca le propuso grabar el vals "Fatalidad" de Laureano Martínez Smart, que en Colombia interpretaba con gran éxito nuestro afamado cantor Olimpo Cárdenas. Julio aceptó, con la condición de hacerlo en su propio estilo. El encargado de los arreglos fue Rosalino Quintero, quien intervino interpretando el requinto. Al otro lado se grabó el tema "Naufrago de amor" y desde el primer día que el disco salió a la venta fue un éxito rotundo, habiéndose vendido 6.000 ejemplares en la primera semana, lo que obligó a reimprimir millares de copias, urgentemente.
.
Así empezó el luminoso camino artístico del Ruiseñor de América, que al poco tiempo grabó una docena de discos para el sello Ónix, entre los que se popularizaron temas como: Hojas muertas, te odio y te quiero, Elsa, y Carnaval de la vida.

Sin embargo fue el tema "Nuestro juramento", de la autoría del puertorriqueño Benito de Jesús, al que Rosalino Quintero modificó rítmicamente para convertirlo en bolero, el que más resonancia internacional lograría, catapultando la voz y la imagen de Julio Jaramillo a otros países, a donde el cantor salió en sus primeras giras. Los discos enviados a México por la empresa Feraud, motivaron el interés de la firma Peerles, que de inmediato estableció contactos para grabar con J.J., quien, por entonces, había debutado en Colombia, Perú y Chile. Mas adelante lo haría en Argentina y Uruguay, donde sus discos le habían precedido, levantando una ola de admiración, especialmente entre el elemento femenino, que al llegar a la capital Uruguaya lo bautizó como "Mister juramento”.

A mediados de los años sesenta, Julio había alcanzado la cúspide del éxito en su propio país, pero asuntos personales lo impulsaron a alejarse de la patria de origen para radicarse alternadamente, en Colombia, Venezuela y México, desde donde proseguía sus giras por distintos países de centro, sur América y los EE.UU, siendo constantemente aclamado por los públicos más diversos y por la crítica de farándula.

JJ. interpretaba con solvencia valses, pasillos, corridos, Rancheras, boleros, tangos, joropos, etc. Gracias a su extraor­dinaria memoria, podía escuchar una melodía y al instante retenerla para grabarla sin problemas, por lo que quienes trabajaron con él, aseguran que le era posible grabar un long play completo en una sola jornada.
.

Durante esos años de auto exilio, la firma J.D. Feraud Guzmán, sacaba al mercado los discos de todos sus éxitos en el exterior, los mismos que Armando Romero Rodas se encargaba de difundir a través de las ondas de Radio Cristal, donde el sintoni­zado programa "La hora J.J.", inicialmente de sesenta minutos, se había extendido por pedido del público a dos horas, manteniendo latente el recuerdo y la voz del ídolo popular.

A mediados de 1976 vivía en Medellín, cuando recibió la invitación de la empresa J.D. Feraud Guzmán, que cumplía sesenta anos y quería que su cantante de mayor prestigio estuviese presente en los actos de conmemoración. Con este motivo retorno a su ciudad natal, donde el júbilo del pueblo lo envolvió en una atmósfera de admiración y cariño, haciéndolo sentir la emoción del reencuentro y el deseo de no partir jamás.

En Guayaquil volvió a ser "el muchacho de barrio", sencillo, amistoso, bohemio, generoso y alegre. Creó un programa de televisión, del cual fue conductor en Canal 4; efectuó innumerables presentaciones y grabó nuevas canciones. Pero los excesos de una vida sin control habían hecho mella en su organismo, que aí cabo de un tiempo empezó a mostrar signos de deterioro.

A comienzos del mes de febrero de 1978, fue sometido a una delicada operación para extirparle cálculos de la vesícula, y durante el lapso post operatorio cometió la imprudencia de arrancarse las sondas conectadas a su cuerpo, lo que le provocó una peritonitis que obligó a los médicos a practicarle una segunda intervención; pero esta vez su organismo descuidado a lo largo de tantos años de vida bohemia, no respondió como se esperaba.

El día nueve de febrero de 1978 a las 23h12 cuando "el cantor del amor", aún no había cumplido 43 años de edad, su corazón dejó de latir. Junto a su recuerdo quedan cerca de cinco mil canciones grabadas, y una estela de admiradores para quienes Julio Jaramillo jamás estará muerto.

12 de noviembre de 2010

TRIBUTO A BON JOVI....


Jon Francis Bongiovi, más conocido como Jon Bon Jovi, nace en 1962 en Perth Amboy, New Jersey. Su madre, una antigua miss, intenta adentrarle en el mundo de la música, pero el tema no le atrae hasta varios años después, tras asistir a algunos conciertos.

Bon Jovi comienza a tocar en una banda de rythm 'n' blues, 'Atlantic City Expressway', conocida en el ambiente musical de New Jersey. Aquí conoce a Dave Bryan, con quien colaborará después en proyectos de mayor calado.

Unos años después, Jon entró en el grupo 'The Rest', pero problemas con el jefe del grupo hacen que lo deje al poco tiempo.

Entonces decide irse a Nueva York, a trabajar a unos conocidos estudios de grabación. Aquí tiene la posibilidad de ver grabar a los más grandes artistas del momento y aprender de ellos. Consigue grabar una maqueta con un tema, 'Runaway', que tiempo después sería un gran éxito.

Junto a Dave Bryan crea un grupo, 'Wild Ones', que resultó ser un fracaso en sus actuaciones en directo y que no fue capaz de conseguir el patrocinio de ninguna discográfica.

Gracias al éxito de 'Runaway', Polygram se fijó en Jon y le hizo un gran contrato, dándole libertad absoluta para contratar a los músicos que deseara para un nuevo grupo. Entonces se puso en contacto con David Bryan y contrataron a Alen John Such, Tico Torres, como batería, y Richie Sambora como guitarrista.

El primer disco, 'Bon Jovi', salió en 1984, y el primer single fue precisamente 'Runaway', su primer éxito. Consiguieron un notable resultado en ventas, a pesar de ser un grupo de rock duro, menos acostumbrados a vender.

El segundo disco, '7800º Fahrenheit' tuvo un resultado más discreto y hubo que esperar al tercer álbum, 'Slippery When Wet', para ver el triunfo definitivo del grupo. Con este trabajo consiguieron llegar al número uno de las listas de éxitos y propició una gira de más de un año por todo el mundo.

En 1988 publican 'New Jersey', una repetición de la fórmula empleada en el disco anterior y que les sirvió para repetir con un rotundo éxito.

En 1990 sale a la luz 'Blaze Of Glory', la banda sonora de la película 'Arma Joven', con la que Jon optó al Oscar de Hollywood y con el que ganó el premio al mejor single de los premios Award.

En 1991, tras cambiar de mánager, Bon Jovi publica 'Keep The Faith', un nuevo éxito para el grupo, llegando nuevamente a ser número uno y quizás el mejor del grupo. El ritmo se endureció un poco y las letras maduraron.

Después de ello, han publicado un disco recopilatorio, 'Crossroad', y un disco de estudio, 'These Days'. Sus siguientes trabajos fueron 'Destination Anywhere' y 'Crush'.

En 2002 publican un nuevo álbum, titulado 'Bounce'. 12 nuevas composiciones, tanto baladas como temas rockeros, hacen uso de la narrativa y música de éxitos anteriores del grupo. Grabado en el Estado natal del grupo, Nueva Jersey, el altamente esperado "Bounce" muestra a Jon Bon Jovi y a Richie Sambora como productores junto a Luke Ebbin, el cual produjo "Crush", disco que fue doble platino en USA y que vendió más de 8 millones de copias en todo el mundo.

A finales de 2009 Bon Jovi publica "The Circle", escrito y coproducido por Jon Bon Jovi y Richie Sambora y que coincide con el 25 aniversario de la banda.

5 de octubre de 2010

GUAYAQUILEÑO MADERA DE GUERRERO!!!

Soy un Guayaquileño Madera de Guerrero....
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Para iniciar la Celebración de Independencia de Guayaquil, que mejor que postear la letra de la canción que a los nacidos en esta ciudad nos llega hasta el fondo del alma escucharla....


GUAYAQUILEÑO MADERA DE GUERRERO
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Yo naci en esta tierra de las bellas palmeras
de cristalinos rios de paisaje ideal
nací en ella y la quiero y por ella aunque muera
la vida yo la diera por no verla sufrir

Guayaquileño madera de Guerrero
bien franco muy valiente jamas siente el temor
Guayaquileño de la tierra mas linda
pedacito de suelo de este inmenso Ecuador
Guayaquileño no hay nadie que te iguale
como hombre de coraje lo digo en mi canción

En Mi tierra hay nujeres muy lindas y serenas
hay rubias hay morenas todas una canción
por eso con orgullo yo canto a mi tierra
porque lo que en ella encierra es honra de Ecuador

Guayaquileño madera de Guerrero
bien franco muy valiente jamas siente el temor
Guayaquileño de la tierra mas linda
pedacito de suelo de este inmenso Ecuador
Guayaquileño no hay nadie que te iguale
como hombre de coraje lo digo en mi canción
.
"Carlos Aurelio Rubira Infante"
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VIVA GUAYAQUIL!!!....
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TE AMO GUAYAQUIL!!!...

1 de octubre de 2010

TRIBUTO A JULIO JARAMILLO...


Nació en Guayaquil el 1 de octubre de 1935. Hijo de Juan Pantaleón Jaramillo Erazo, natural de Machachi, provincia del Pichincha, y de Apolonia Laurido Cáceres, guayaquileña. Huérfano de padre a temprana edad, creció en el barrio de las calles Brasil y Coronel, y desde muy pequeño mostró especiales condiciones para la música. Dotado de una voz privilegiada, al igual que su hermano Pepe, siendo adolescente obtuvo los primeros triunfos, cantando con su guitarra en concursos para aficionados en Radio Cóndor, Radio América y Radio Ortiz.

Su primera grabación la realiza en 1952 con el respaldo del trío Los Soberanos en un gingle político solicitado por el líder del CFP, Dr. Carlos Guevara Moreno. En 1955, a dúo con Fresia Saavedra, graba el yaraví ''Pobre mi madre querida'', de Alberto Guillen Navarro y al otro lado del sencillo, el pasillo "Mi corazón", de Gonzalo Vera Santos, con el acompañamien­to de Rosalino Quintero. Unos meses después grabó con su maestro Carlos Rubira Infante, el pasillo "Esposa", para el sello Ónix de J.D. Feraud Guzmán,

Corría el año 1956, cuando Francisco Feraud Aroca le propuso grabar el vals "Fatalidad" de Laureano Martínez Smart, que en Colombia interpretaba con gran éxito nuestro afamado cantor Olimpo Cárdenas. Julio aceptó, con la condición de hacerlo en su propio estilo. El encargado de los arreglos fue Rosalino Quintero, quien intervino interpretando el requinto. Al otro lado se grabó el tema "Naufrago de amor" y desde el primer día que el disco salió a la venta fue un éxito rotundo, habiéndose vendido 6.000 ejemplares en la primera semana, lo que obligó a reimprimir millares de copias, urgentemente.
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Así empezó el luminoso camino artístico del Ruiseñor de América, que al poco tiempo grabó una docena de discos para el sello Ónix, entre los que se popularizaron temas como: Hojas muertas, te odio y te quiero, Elsa, y Carnaval de la vida.

Sin embargo fue el tema "Nuestro juramento", de la autoría del puertorriqueño Benito de Jesús, al que Rosalino Quintero modificó rítmicamente para convertirlo en bolero, el que más resonancia internacional lograría, catapultando la voz y la imagen de Julio Jaramillo a otros países, a donde el cantor salió en sus primeras giras. Los discos enviados a México por la empresa Feraud, motivaron el interés de la firma Peerles, que de inmediato estableció contactos para grabar con J.J., quien, por entonces, había debutado en Colombia, Perú y Chile. Mas adelante lo haría en Argentina y Uruguay, donde sus discos le habían precedido, levantando una ola de admiración, especialmente entre el elemento femenino, que al llegar a la capital Uruguaya lo bautizó como "Mister juramento”.

A mediados de los años sesenta, Julio había alcanzado la cúspide del éxito en su propio país, pero asuntos personales lo impulsaron a alejarse de la patria de origen para radicarse alternadamente, en Colombia, Venezuela y México, desde donde proseguía sus giras por distintos países de centro, sur América y los EE.UU, siendo constantemente aclamado por los públicos más diversos y por la crítica de farándula.

JJ. interpretaba con solvencia valses, pasillos, corridos, Rancheras, boleros, tangos, joropos, etc. Gracias a su extraor­dinaria memoria, podía escuchar una melodía y al instante retenerla para grabarla sin problemas, por lo que quienes trabajaron con él, aseguran que le era posible grabar un long play completo en una sola jornada.
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Durante esos años de auto exilio, la firma J.D. Feraud Guzmán, sacaba al mercado los discos de todos sus éxitos en el exterior, los mismos que Armando Romero Rodas se encargaba de difundir a través de las ondas de Radio Cristal, donde el sintoni­zado programa "La hora J.J.", inicialmente de sesenta minutos, se había extendido por pedido del público a dos horas, manteniendo latente el recuerdo y la voz del ídolo popular.

A mediados de 1976 vivía en Medellín, cuando recibió la invitación de la empresa J.D. Feraud Guzmán, que cumplía sesenta anos y quería que su cantante de mayor prestigio estuviese presente en los actos de conmemoración. Con este motivo retorno a su ciudad natal, donde el júbilo del pueblo lo envolvió en una atmósfera de admiración y cariño, haciéndolo sentir la emoción del reencuentro y el deseo de no partir jamás.

En Guayaquil volvió a ser "el muchacho de barrio", sencillo, amistoso, bohemio, generoso y alegre. Creó un programa de televisión, del cual fue conductor en Canal 4; efectuó innumerables presentaciones y grabó nuevas canciones. Pero los excesos de una vida sin control habían hecho mella en su organismo, que aí cabo de un tiempo empezó a mostrar signos de deterioro.

A comienzos del mes de febrero de 1978, fue sometido a una delicada operación para extirparle cálculos de la vesícula, y durante el lapso post operatorio cometió la imprudencia de arrancarse las sondas conectadas a su cuerpo, lo que le provocó una peritonitis que obligó a los médicos a practicarle una segunda intervención; pero esta vez su organismo descuidado a lo largo de tantos años de vida bohemia, no respondió como se esperaba.

El día nueve de febrero de 1978 a las 23h12 cuando "el cantor del amor", aún no había cumplido 43 años de edad, su corazón dejó de latir. Junto a su recuerdo quedan cerca de cinco mil canciones grabadas, y una estela de admiradores para quienes Julio Jaramillo jamás estará muerto.

SERA QUE REVIVO EL BLOG????

Hace muchos años perdí el gusto por escribir post...  Pero esporadicamente escribo experiencias, pero las dejo para mi... Será moment...