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11 de mayo de 2012

TRIBUTO A BOB MARLEY.... 31 AÑOS DE SU MUERTE...


Este tributo es dedicado a uno de los musicos mas influyentes de los últimos tiempos... a los 31 años de su muerte...
Aqui su historia...

BOB MARLEY...
Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe, era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina de 18 años y de Norval Marley; un jamaicano blanco de ascendencia escocesa, capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), de 50 años, que se desentendió de su hijo por miedo a ser desheredado. A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital, donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.

Bob creció en ese ambiente donde conoció a Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición, donde se quemó en un ojo, con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes.

En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño era mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los "Wailing Wailers" (literalmente, "Gritos de protesta"). El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Summer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.

THE WAILERS...
Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en este país, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Bob Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimiento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado "Pied Piper", una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción "Stir It Up", de Bob.

Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.

En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue "Catch A Fire", fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento.

En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los singles más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en "Natty Dread", un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. "Natty Dread" fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacan dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década. Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. "Rastaman Vibrations", el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como "Crazy Baldhead", "Johnny Was", "Who The Cap Fit" y, tal vez la más significativa de todas, "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.

EXITO...En los años 70 Jamaica vivía un empeoramiento de su ya típica violencia política; la situación degeneró en una guerra civil callejera entre pandillas de pistoleros militantes de los dos grandes partidos políticos tradicionales, el Partido Nacional del Pueblo (socialista democrático) y el Partido Laborista de Jamaica (centro-derecha conservador). El Ejército y la Policía de Jamaica tomaron las calles, pero no pudieron contener la violencia entre los dos bandos enfrentados.

Bob Marley era entonces un pacifista no-político en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari. Bob Marley decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Pero sectores del entonces opositor Partido Laborista de Jamaica criticaron el concierto porque pensaban que estaba parcializado y en realidad era un acto de apoyo al Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, Michael Manley (señalado como amigo de Bob Marley); de hecho Michael Manley era el organizador detrás del evento. Después del anuncio del concierto, el gobierno de Manley convocó elecciones para el día 15 de diciembre (en un claro intento de sacar provecho político del mismo en plena campaña electoral). El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica; se piensa que el atentado fue una represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley, aunque algunos creyentes en teorías conspirativas barajan la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada (ya que Michael Manley se había acercado mucho a la Cuba de Fidel Castro). Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo. Dos días después del atentado, Bob se montó en la tarima y cantó. Cuando le preguntaron el porqué, el dijo: “La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Ilumina la oscuridad.” Fue la última presentación de Bob en Jamaica durante los próximos 18 meses. Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, "Exodus", uno de los más importantes de su carrera y del reggae.

Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres singles - "Waiting In Vain", "Exodus" y "Jamming’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos singles: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". En abril de 1978 volvió a Jamaica para el "One Love Peace Concert", cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación nacional. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y los Estados Unidos, de donde se sacó material para el segundo álbum en vivo: "Babylon By Bus". "Survival", el noveno álbum de Bob Marley con Island fue lanzado en el verano de 1979. Incluía "Zimbabwe", un himno para Rodesia, que luego sería liberada, junto con "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". Como indica la portada, que contiene las banderas de las naciones independientes, "Survival" fue un álbum en homenaje a la causa Panafricana. En abril de 1980, el grupo fue invitado oficialmente por el gobierno del recientemente libertado Zimbabwe para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación.

El siguiente disco de la banda, "Uprising", fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo un éxito inmediato con "Could You Be Loved?". El álbum también traía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Los Wailers entretanto se embarcaban en su mayor gira europea, rompiendo records de asistencia en un concierto. La agenda incluía un concierto para 100.000 personas en Milán, el mayor de la historia de la banda. Bob Marley & The Wailers eran la mayor banda en gira de aquel año y "Uprising" estaba en todas las listas de Europa. Era un período de máximo optimismo y estaban haciendo planes para una gira en los Estados Unidos en compañía de Stevie Wonder al final del año.


ULTIMOS AÑOS Y MUERTE...
Al acabar la gira europea Bob Marley y la banda partieron para los Estados Unidos. Bob hizo dos conciertos en el Madison Square Garden, pero cayó gravemente enfermo. Tres años antes, en Londres, se había herido el dedo del pie jugando al fútbol. La herida se volvió en su contra y, a pesar de haber sido tratado en Miami, continuó reproduciéndose. En 1980, el cáncer comenzó a propagarse por el cuerpo de Bob. Controló la enfermedad durante ocho meses, siguiendo tratamiento en la clínica del Dr. Joseph Issels, en Baviera. El tratamiento de Issels levantó mucha polémica porque sólo usaba remedios naturales y no tóxicos y, por algún tiempo, pareció funcionar en Bob. A comienzos de mayo dejó Alemania para volver a Jamaica, pero no completó su viaje.

Bob Marley murió en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981. Un mes antes, Bob había sido condecorado con la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país. El 21 de mayo de 1981, el Honorable Robert Nesta Marley O. M. recibía un funeral oficial del pueblo de Jamaica. Después del funeral (al que asistió tanto el Primer Ministro como el líder de la oposición) el cuerpo de Bob fue llevado a su tierra natal, Nine Miles, en el norte de la isla, donde ahora descansa en un ataúd de bronce, con su mano derecha acariciando su guitarra, y en la izquierda sostiene la biblia abierta en el salmo 23, uno de sus preferidos. En un mausoleo. Bob Marley murió a los 36 años.

Salmo 23, Versículos 1 y 2: "El señor es mi pastor, nada me faltara, en lugares de delicados pastos me hará descansar"

BOB MARLEY, DESPUES DE SU MUERTE...
En 2005, Rita Anderson, viuda de Marley, escribió una biografía en la que criticó durísimamente al que fue su esposo. En No Woman, No Cry, como se titula el libro. Según Rita, la pareja vivía en una choza, Bob sólo tenía un par de calzoncillos, que ella lavaba cada noche. También afirma que la estrella del reggae se marchó a una mansión en Kingston, donde vivía con varias amantes (una de ellas llegó a convertirse en Miss Mundo) e inclusive llegó a criar a algunos de los hijos que Bob tuvo con esas mujeres.

Y es que la lista de descendientes de Bob es inmensa: en 1968 tuvo un hijo llamado Ziggy Marley con Rita Anderson, en 1970, tuvo un hijo llamado Robbie con Lucille Williams, una de sus novias en Trench Town. Janet Hunt, concebió a Rohan Marley (futuro marido de Lauryn Hill). Sus constantes viajes a Londres no fueron tampoco fieles, ya que nació Karen Marley, hija de una inglesa llamada Janet Bowen. Incluso una jamaiquina nacida en Barbados, Lucy Pounder, tuvo con Bob a Julian Marley.

Otra de sus novias, la campeona caribeña de ping pong Anita Bellnavis, se convirtió en la madre de Kymani Marley. En 1975, Cindy Breakspeare, que estaba a punto de convertirse en Miss Mundo, dio a luz a Damian Marley. Otra de las novias era la actriz Esther Anderson, quien ya había tenido romances con Marlon Brando y Chris Blackwell. Por tal razón muchos rastafaris le consideran "El rey del reggae", mas no precisamente un modelo a seguir por haber faltado a la livity (modo de vida) de Haile Selassie I.

Todas estas afirmaciones no sentaron nada bien al gobierno jamaicano, más aún cuando se enteraron de que Anderson anunció que pretendía exhumar los restos de su marido para enterrarlos en Shashemene, Etiopía, donde el emperador Haile Selassie cedió unas tierras a un grupo de rastafaris jamaicanos que residen en esa localidad. La relación entre el gobierno jamaicano y Anderson era crítica, ya que consideran a Bob un ídolo y una fuerte atracción turística para los extranjeros. No hay que olvidar que la casa-museo de Bob es el principal reclamo de los extranjeros que llegan durante todo el año a la isla caribeña. Lejos de apaciguar los ánimos, Anderson recordó al gobierno de su país que, en Jamaica, Bob fue disparado en su casa y sufrió el exilio."Bob hubiera preferido reposar en el continente africano más que en una isla donde sus antecesores fueron llevados como esclavos", llegó a decir la viuda de Bob.

24 de mayo de 2011

TRIBUTO A BOB DYLAN... 70 AÑOS


Robert Allen Zimmerman nació el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota y creció hasta convertirse en un de los artistas más influyentes de la cultura norteamericana en el siglo pasado...

Su obra se basa en la música folclórica norteamericana, pero compuesta a partir de su percepción personal y poética. Bob Dylan probó que no era necesario ser un gran cantante en lo técnico o un músico de academia para tener una carrera brillante en la música popular de los Estados Unidos...

Su música ha influido en toda una generación de músicos que va desde los Beatles hasta Stevie Wonder...

Empujado por la música de Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Little Richard; Bob Dylan empezó su carrera musical en la secundaria armando sus propias agrupaciones en la secundaria. En esa época imitaba a Little Richard en el piano. Estando en la Universidad empezó a tocar música folk y country en locales pequeños. Lo hacía bajo el seudónimo de “Bob Dylan”, nombre inspirado en el poeta galés Dylan Thomas...

En 1960, Dylan decide dejar la universidad y se va a Nueva York donde estaba hospitalizado su ídolo, el cantante folclórico Woody Guthrie. Sus visitas al hospital y a los locales en los que se tocaba música folclórica en Greenwich Village le llevaron a definir su estilo musical y a componer a un ritmo rara vez visto...

Un año después una de sus actuaciones apareció reseñada en el New York Times lo que hizo que la disquera Columbia saliera a cazarlo y firmara un contrato con él. En 1962 salió a la venta el disco “Bob Dylan” cuyo ingrediente principal era una voz roca que interpretaba canciones tradicionales y de blues.

Al año siguiente apareción “The Freewheelin’ Bob Dylan” un disco en el que hizo historia con su interpretación poética de la historia norteamericana. El disco incluyó dos canciones que representaban el espíritu de los años sesenta: “Blowin’ in the Wind”, que luego se convertiría en un éxito para Peter Paul and Mary; y “A Hard Rain’s A-Gonna Fall”.

Su tercer LP, “The Times They Are A-Changing’” lo estableció como compositor e ideólogo del movimiento de protesta de los años sesenta. Esa imagen se vio consolidada por su relación de dos años con Joan Baez, uno de los iconos del movimiento. La relación tuvo otros efectos positivos sobre sus carreras debido a que Dylan compuso muchas de las canciones más famosas de Baez y ella, a su vez, lo presentó a las audiencias gigantescas que asistían a sus conciertos.

Para 1964 Bob Dylan se presentaba 200 veces al año y se estaba empezando a cansar de ser “El” cantante folclórico del movimiento de protesta. Eso llevó a “Another Side of Bob Dylan” un LP más introspectivo y menos político. Habiendo entendido que podía hacer variaciones sobre su estilo y contenidos, Dylan graba en 1965 “Bringing It All Back Home”, un disco que escandalizó a la comunidad filk debido al uso de instrumentos eléctricos y al apoyo de 9 músicos. El enojo del público fue tal que el 25 de julio fue abucheado por la asistencia al Festival Folk de Newport cuando empezó a tocar con instrumentos eléctricos.

Ese mismo año salió a la venta “Highway 61 Revisited” disco en el que se incluía el éxito “Like a Rolling Stone”. En 1966 “Blonde on Blonde”, un álbum doble, combinó como nunca la música y la literatura para producir uno de los discos más importantes de su carrera.

En 1966 ocurrió un percance que marcó su vida. Un accidente de motocicleta que casi lo mata le llevó a una pausa de un año prácticamente en confinamiento solitario. Esto le llevó a reinventarse nuevamente y los discos " John Wesley Harding” de 1968 y “Nashville Skyline” de 1969 lo llevaron a ser aún más calmo y relajado.

Sin embargo, “Self Portrait” de 1970 y “Tarántula” de 1971 fueron destruidos por la crítica y las bajas ventas. Su recuperación empezó en 1973 cuando compuso la banda de sonido de la película que protagonizó (“Pat Garret and Billy the Kid”). El disco fue un éxito y produjo el sencillo “Knockin’ on Heaven’s Door”. Este era el empujón que necesitaba para volver a las giras, suspendidas desde su accidente.

La gira arrancó con entradas agotadas y con “La Banda” como grupo de respaldo. Su trabajo con esa agrupación llevó a la grabación del disco “Planet Waves” que se convertiría en el su primer LP en llegar al número uno de la lista de ventas. Ese éxito estuvo seguido de “Blood on the Tracks” y “Desire” ambos de 1976 y ambos número uno. El LP “Desire” contenía la canción “Hurricane” que hacía referencia a la historia del boxeador Rubin “Hurricane” Carter, encarcelado por un crimen que no cometió. Esa canción despertó una ola de protestas que llevaron a un nuevo juicio en el que nuevamente fue condenado. La canción y el rol de Dylan en la historia del boxeador se destacan en la película “Huracán”. En ese mismo álbum viene la canción Sara, un infructuoso intento del cantante por recuperar a su esposa luego de una dolorosa separación.

En 1979 Dylan se vuelve a reinventar, ahora como cristiano. Su disco religioso “Slow Train Coming” fue un éxito comercial y le dio a Dylan su primer Grammy como Mejor Cantante Masculino. Gradualmente, el discurso religioso fue bajando de tono dentro de su obra.

A inicios de los años 80 Dylan empezó nuevamente sus giras de concierto acompañado ocasionalmente por Tom Petty and the Heartbreakers y los Grateful Dead. La inconstancia de sus presentaciones llevó a muchos admiradores a pensar que su carrera se estaba apagando. Su producción musical durante esa época contradecía lo que pasaba en los escenarios y en 1989 “Oh Mercy” se convirtió en el disco mejor recibido en muchos años.

En ese mismo periodo grabó con los Travelin’ Wilburys, una banda integrada por Tom Petty, Jeff Lynne (de ELO) y los desaparecidos George Harrison y Roy Orbison.

En 1989 Dylan entró al salón de la fama del Rock and Roll y en el discurso de la ceremonia Bruce Spingsteen dijo que “Bob liberó la mente de la misma manera en que Elvis liberó el cuerpo... Él inventó una nueva forma de sonido para un cantante pop, rompió las limitantes de lo que un artista puede lograr y cambió el rostro del rock and roll para siempre.”

En 1997 Bob Dylan fue el primer rockero en recibir el reconocimiento del Kennedy Center, la distinción más importante en Estados Unidos en cuanto a las artes.

Ese mismo año, el disco “Time Out Of Mind” lo reestableció como el icono del folclore y como uno de los sabios del rock, además de darle tres Grammys, incluyendo el de disco del año. Sus giras siguieron y ese año se presentó ante el Papa Juan Pablo II e interpretó “Knockin’ On Heaven’s Door”.

En el 2000 grabó “Things have Changed” para la película “Wonder Boys” en la que actúa Michael Douglas. El tema obtuvo el Globo de Oro y el Óscar a la mejor canción.

Bob Dylan está en gira permanentemente y ahora graba menos que antes. Sin embargo, discos como “Time Out of Mind” de 1997 prueban que él aún tiene mucho que decir y lo hace de una manera que nadie puede igualar.




8 de diciembre de 2010

LARGA VIDA A LENNON... 30 AÑOS DE SU MUERTE!!!


Mark Chapman esperó a John Lennon delante de su casa frente al Central Park de Nueva York el 8 de diciembre de 1980 y le disparó cinco balas por la espalda hasta matarlo...

Chapman era un fanatico de los Beatles y de Lennon, minutos antes le habia pedido un autografo, en sus bolsillos tenía cintas de música de los Beatles y la novela de El guardián entre el centeno, de J.D. Salinger.

Su muerte supuso la desaparición de un símbolo de esperanza para toda una generación, "representaba el corazón y el espíritu no sólo de los Beatles, sino de todo el rock and roll de los 60"...

John Winston Lennon nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, Inglaterra y en 1960 formó el grupo que luego se convertiría en The Beatles. Las tensiones con McCartney llevaron a la separación del grupo en 1970...

Genio, soñador pacifista y revolucionario, a partir de entonces, la trayectoria de Lennon en solitario estuvo marcada por sus actividades pacifistas y canciones políticas emblemáticas como Imagine y Give Peace A Chance...

En 1975 se retiró de la música en para criar a Sean, el hijo que tuvo con Ono. Ese mes de diciembre de 1980, cuando contaba con 40 años, Lennon iniciaba una etapa nueva: tras cinco años alejado de la escena musical, presentaba "Double Fantasy" un nuevo disco solista.

Hoy, Treinta años después, la leyenda de Lennon sigue viva...

Su agresor explicó que con su asesinato quería integrarse en una sociedad de la que se sentía marginado.

Para quienes gustamos de los Beatles y de Lennon , es un dia muy especial, es el día que murio el hombre y nacio la leyenda...

Larga vida a Lennon...

12 de noviembre de 2010

TRIBUTO A BON JOVI....


Jon Francis Bongiovi, más conocido como Jon Bon Jovi, nace en 1962 en Perth Amboy, New Jersey. Su madre, una antigua miss, intenta adentrarle en el mundo de la música, pero el tema no le atrae hasta varios años después, tras asistir a algunos conciertos.

Bon Jovi comienza a tocar en una banda de rythm 'n' blues, 'Atlantic City Expressway', conocida en el ambiente musical de New Jersey. Aquí conoce a Dave Bryan, con quien colaborará después en proyectos de mayor calado.

Unos años después, Jon entró en el grupo 'The Rest', pero problemas con el jefe del grupo hacen que lo deje al poco tiempo.

Entonces decide irse a Nueva York, a trabajar a unos conocidos estudios de grabación. Aquí tiene la posibilidad de ver grabar a los más grandes artistas del momento y aprender de ellos. Consigue grabar una maqueta con un tema, 'Runaway', que tiempo después sería un gran éxito.

Junto a Dave Bryan crea un grupo, 'Wild Ones', que resultó ser un fracaso en sus actuaciones en directo y que no fue capaz de conseguir el patrocinio de ninguna discográfica.

Gracias al éxito de 'Runaway', Polygram se fijó en Jon y le hizo un gran contrato, dándole libertad absoluta para contratar a los músicos que deseara para un nuevo grupo. Entonces se puso en contacto con David Bryan y contrataron a Alen John Such, Tico Torres, como batería, y Richie Sambora como guitarrista.

El primer disco, 'Bon Jovi', salió en 1984, y el primer single fue precisamente 'Runaway', su primer éxito. Consiguieron un notable resultado en ventas, a pesar de ser un grupo de rock duro, menos acostumbrados a vender.

El segundo disco, '7800º Fahrenheit' tuvo un resultado más discreto y hubo que esperar al tercer álbum, 'Slippery When Wet', para ver el triunfo definitivo del grupo. Con este trabajo consiguieron llegar al número uno de las listas de éxitos y propició una gira de más de un año por todo el mundo.

En 1988 publican 'New Jersey', una repetición de la fórmula empleada en el disco anterior y que les sirvió para repetir con un rotundo éxito.

En 1990 sale a la luz 'Blaze Of Glory', la banda sonora de la película 'Arma Joven', con la que Jon optó al Oscar de Hollywood y con el que ganó el premio al mejor single de los premios Award.

En 1991, tras cambiar de mánager, Bon Jovi publica 'Keep The Faith', un nuevo éxito para el grupo, llegando nuevamente a ser número uno y quizás el mejor del grupo. El ritmo se endureció un poco y las letras maduraron.

Después de ello, han publicado un disco recopilatorio, 'Crossroad', y un disco de estudio, 'These Days'. Sus siguientes trabajos fueron 'Destination Anywhere' y 'Crush'.

En 2002 publican un nuevo álbum, titulado 'Bounce'. 12 nuevas composiciones, tanto baladas como temas rockeros, hacen uso de la narrativa y música de éxitos anteriores del grupo. Grabado en el Estado natal del grupo, Nueva Jersey, el altamente esperado "Bounce" muestra a Jon Bon Jovi y a Richie Sambora como productores junto a Luke Ebbin, el cual produjo "Crush", disco que fue doble platino en USA y que vendió más de 8 millones de copias en todo el mundo.

A finales de 2009 Bon Jovi publica "The Circle", escrito y coproducido por Jon Bon Jovi y Richie Sambora y que coincide con el 25 aniversario de la banda.

30 de septiembre de 2010

LOS PICAPIEDRAS...50 AÑOS!!!


LOS PICAPIEDRAS (The Flintstones) fue una de las series que mas disfruté durante mi niñez, adolescencia y adultez (en estas 2 últimas etapas compartida con los Simpson) hoy cumplen 50 años, yo he vistos varias versiones que hubo en Tv, (Los Picapiedras Babys, Los Picapiedras con hijos adolecentes, etc.), pero el humor que existía en los episodios originales opacan todo lo demás...

Recuerdo que LOS PICAPIEDRAS fumaban en ciertos capítulos, en una época que no era mal visto ser fumador, si mal no recuerdo usaban cigarrillos Winston, y como olvidar de sus artefactos "modernos" como el Teléfono, La cámara de Fotos, La podadora de Césped, Los Aviones, el lavaplatos, el triturador de alimentos, los Tv, la radio, las lámparas, etc...casi se me pasa el YABBA DABBA DOO!!!....

Acá les dejo un poco de su historia, disfrútenla y celebremos a esta seria animada que marco nuestra niñez...

HISTORIA:

Hacia principios de los 60 era muy popular una serie de TV llamada THE HONEYMOONERS, protagonizada por Jackie Gleason. Hanna Barbera sacó a la luz el 30 de Septiembre de 1960 a THE FLINTSTONES (Los Picapiedras) como una versión prehistórica de la familia Kramden de aquella serie.

Originalmente se había pensado en el nombre The Flagstone, pero ya había una familia de ese apellido en la tira cómica Hi & Lois. Hanna Barbera ofrecieron la serie de animación a NBC y CBS en primera instancia, pero ambas cadenas la rechazaron: no querían arriesgarse con un cartoon para adultos. Pero ABC no pensó lo mismo. Ambientada en la ciudad de Piedradura (Bedrock en el original), las tramas no apuntaban directamente hacia el público infantil sino que tenían chistes para todas las edades, especialmente en la descripción de los mecanismos prehistóricos que imitaban el modo de vida moderno de las personas: los "troncomóviles" (Log-mobile), los automóviles prehistóricos, estaban propulsados "a pie"; la moneda de curso legal era el Piedrólar (Stone-dollar), al que Pedro solía llamar "machacantes" (trashers); el reciclador de basura era un animal prehistórico que comía los desechos sin mucho gusto; el Cuernófono (Horn-o-phone) era el teléfono de la época, etc.

Pronto los Picapiedras se hicieron populares igualmente entre los niños y grandes, quienes disfrutaban especialmente los pícaros diálogos. Un gran mérito de los doblajistas mexicanos, sin duda, cuyas versiones de Los Picapiedras acompañaron a miles de niños Latinoamericanos.

Los personajes fueron Pedro (Fred, la voz original era de Alan Reed), su esposa Wilma (voz de Jean Vander Pyl), su vecino y mejor amigo Pablo Mármol (Barney Rubble, voz de Mel Blanc) y la esposa de este Betty (que a lo largo de los años fue la voz de Bea Benaderet, Gerry Johnson y Gay Autterson), la mascota de Pedro Dino (voz de Mel Blanc), su hija Pebbles (voz de Jean Vander Pyl) y Bam Bam, el fortachón hijo de los Mármol (voz de Don Messick).

A lo largo de sus primeros años de emisión, Los Picapiedras, que fue el primer dibujo animado emitido en horario central (prime time), iba originalmente los viernes a las 20:30, gozaron de gran popularidad. Tuvieron sus amantes y sus detractores. Al igual que en los modernos Simpsons, los Picapiedras presentaron artistas invitados (Ann-Margrock fue Ann-Margret y Stony Curtis, en realidad Tony Curtis).

A partir de 1962, Los Picapiedras fue el primer dibujo animado en emitirse en colores por la TV. En 1966 se dejaron de emitir episodios originales, pero el material ya terminado totalizaban unos 164 episodios (cantidad solo superada por ya citados Simpsons, serie que sobrepasó esa cantidad recién en 1997). Estos episodios comenzaron a ser emitidos ininterrumpidamente a través de distintos ciclos (en la TV norteamericana los ciclos de dibujos animados tenían preferencia los sábados a la mañana), mezclándose con episodios de otras series (Los Supersónicos, Top Cat, etc.).

Luego de varios años de emitirse sus reposiciones, nuevos episodios centrados en las aventuras de Peebles y Bam Bam adolescentes, personajes alternativos que tuvieron sus propias series (como el Capitán Cavernícola y los Schmoo) hasta que en 1986 Hanna Barbera producieron un especial titulado THE FLINTSTONES 25th ANNIVERSARY CELEBRATION, que presentó a los personajes animados junto a actores de carne y hueso como Harvey Korman, Tim Conway, Vanna White y al propio Joseph Barbera. En 1993, ya con el proyecto futuro de un largometraje cinematográfico, se emitieron dos exitosos especiales más: I YABBA-DABBA DO! con Peebles y Bam Bam y A FLINTSTONE FAMILIY CHRISTMAS (en vísperas de Navidad).

En 1994, con un gran presupuesto mediante, se filmó con moderado suceso de público, THE FLINTSTONES (Los Picapiedra) con John Goodman como Fred, Elizabeth Perkins como Wilma, Rick Moranis como Barney y Rosie O'Donnell como Betty. La película dio lugar a una pequeña Picapiedra-manía, convenientemente aprovechada por los estudios y las productoras de turno. Durante el 2000 apareció una secuela titulada THE FLINTSTONES IN LAS VEGAS, protagonizada por un nuevo reparto, que pasó sin atraer mayor atención.

PERSONAJES PRINCIPALES:

Pedro Picapiedra:
Es obstinado, egoísta y ruidoso, pero tienen un punto débil como cualquier persona y son los huevos de Brontosauros. Pedro es un marido cariñoso y un padre devoto. Pedro tiene esa capacidad de darle un notable giro a una situación inocente en el peor de los desastres. El Yabba Dabba Doo es la expresión que utiliza para demostrar sus más grandes emociones.

Vilma Traca de Picapiedra:
Es la devota esposa de Pedro. Amante, práctica y completamente competente cuando de la cocina se trata. Vilma es el perfecto modelo de una ama de casa, es una mujer enérgica con un buen sentido del humor. Sirve de influencia estabilizante para su exuberante marido. Cuando Pedro se mete en problemas, ella siempre está allí para sacarlo de ellos.

Dino:
Es la devota mascota de los Picapiedras. Es un dinosaurio con buen sentido del humor y un particular apetito. Aunque no puede hablar, tiene una gran facilidad de comunicar sus sentimientos. Es inteligente, activo y sensitivo, al final del día recibe a Pedro con un gran beso. Es una compañía fiel para la familia.

Pablo Mármol:
Es el vecino más cercano y mejor amigo de Pedro. Pablo siempre tiene una sonrisa en su rostro y una palabra de ánimo para cualquiera que la necesite . Se enoja difícilmente pero cuando lo hace, sabes que tiene una buena razón. Tiene un gentil sentido del humor y no es fácil para que se le ocurran buenas ideas.

Betty Marmol:
Es la esposa fiel de Pablo y mejor amiga de Vilma. Es tranquila y goza de una particular risa. Es generalmente relajada y feliz, pero cuando se encuentra disgustada su enojo puede ser bien escandaloso. Ella reaccionará contra Pablo y Pedro cuando se sobrepasan en sus actos, pero siempre tratará de manejarlo lo más calmado posible.

LOS PICAPIEDRAS...definitivamente una serie infantil que me gustaria compartir junto a mis hijos, humor sano y sin violencia...



23 de septiembre de 2010

TRIBUTO A NITO MESTRE...


Desde muy temprano sintió interés por la música clásica, estudiando flauta y participando en coros.

Según él, en 1964, después de escuchar el álbum y ver la película de The Beatles A Hard Day's Night, nunca más se dedicaría a la musica clásica.

Comenzó su carrera como músico en la secundaria. Unido a Charly García, Carlos Piegari, Beto Rodriguez y los hermanos Belia formaron Sui Generis. Pero por diversos motivos quedo convertido en un dúo: García y él.

Nito siempre fue la voz principal, la guitarra y flauta, pero nunca compuso canciones con Sui Generis.

Antes de la separación del grupo, Sui Géneris se junta con León Gieco, Raul Porchetto y Maria Rosa Yorio (entonces novia de Charly) para formar una supergrupo llamado "PorSuiGieco", con el que editaron un solo álbum, y que incluía el primer tema de Mestre: "Fusia".

Después de la separación de Sui Generis, Nito armó una banda la cual llamo: "Nito Mestre y Los Desconocidos de Siempre", Formada por María Rosa Yorio en voz, Rodolfo Gorosito en guitarra, Alfredo Toth en bajo, Ciro Fogliatta en teclados y Juan Carlos "Mono" Fontana en batería.
En 1977, Mestre y los Desconocidos de Siempre participaron con Charly García en el mítico "Festival del Amor", donde se reunieron Sui Generis y PorSuiGieco. El festival fue grabado y lanzado como "Música del Alma", tres años después.

La primera placa homónima, lanzada ese mismo año, tiene un típico estilo Folk, junto a los grandes teclados de Fogliatta, alcanzó un gran éxito entre los antiguos fans de Sui Generis.

La segunda placa, llamada igualmente que la anterior, fue lanzada en 1978. El éxito se desvanecía rápidamente, y la banda se separó después del álbum, "Saltaba Sobre las Nubes", de 1979.

En 1981, ya como solista, Mestre retornó a la música con la que sería su obra maestra, "20/10", en el que participaron Charly Garcíay León Gieco.

El disco logró disco de oro en pocas semanas, al igual que su siguiente placa, "Nito Mestre En Vivo", grabado en un multitudinario concierto en Uruguay.

El peor año del músico fue 1983, al presentar su disco "Escondo Mis Ojos al Sol", en el que colaboró Mercedes Sosa. Este disco fue presentado en septiembre en el Estadio de Velez, ante muy poca gente.

En 1984 se unió a Juan Carlos Baglietto, Celeste Carballo y Oveja Negra, para presentar un espectáculo colectivo llamado "Porque Cantamos". La gira incluía presentaciones en Chile y Argentina, finalizando en un gran concierto en el Teatro Coliseo, el cual fue grabado y lanzado como LP doble en 1985.

Al año siguiente publicó un sólido álbum titulado simplemente "Nito", en el que presentó a su banda de apoyo compuesta por Gringui Herrera (guitarras), Gustavo Giuliano (bajo), Mauricio García (teclados) y Claudio Martínez (batería).

Tres años después se radicaría en Chile y trabajaría a dúo con el guitarrista chileno Eduardo Gatti. Producto de esta colaboración aparecería el CD "Entrada de Locos", lanzado solamente en Chile y Mendoza.

"Tocando el Cielo", su álbum de 1991, no tuvo difusión y fue un proyecto efímero personal, puesto que Mestre tocó la mayoría de los instrumentos.

En 1992, el ex productor de Sui Géneris; Jorge Alvarez, llamó a Nito para regrabar los viejos temas con arreglos modernos. La placa fue titulada "Nito Mestre Canta Sui Generis", lanzada en 1993. A Charly García le molestó este proyecto, ya que no quedó conforme con el labor de su viejo productor y colega.

Despidiendo el milenio, Mestre sacó a la luz pública un disco que le hizo volver a la fama de antaño, "Colores Puros".
En el año 2000, se produjo el reencuentro oficial de Sui Generis. A pesar de la nula participación de Mestre como compositor y músico, "Sinfonías para Adolescentes" logró un gran éxito.
Simultaneamente, apareció el recopilatorio "Lo Mejor de Nito Mestre", que incluye temas de los 3 primeros álbumes con Los Desconocidos de Siempre. Al año siguiente fue editado el álbum en vivo "Si - Detrás de las Paredes".

El 2002 fue el año de los grandes éxitos. Dos discos recopilatorios fueron editados, "Esperando Crecer: Antología 1982-1986" y "Años".

Para el 2005, Nito Mestre lanzó su octavo disco titulado "Mestre." (según el, una continuación de su antiguo álbum "Nito) el que incluye la participación de Beto Cuevas y Alejandro Lerner

Su primer DVD "Nito Mestre Completo: En Vivo", es lanzado el 17 de Enero de 2007.

En setiembre de 2007 filmó y grabó junto a la Orquesta Sinfonica de la Universidad de San Juan y el Coro de la Universidad de San Juan.

Hoy NITO MESTRE visita en año consecutivo Ecuador, especificamente a Guayaquil, donde brindara un recital con lo mejor de su Discografia.


26 de agosto de 2010

EL MONSTRUO DE LOS ANDES... UNA VERDADERA HISTORIA DE TERROR!!!


"Soy el Hombre del Siglo. Nadie podrá olvidarme".
Pedro Alonso López en su declaración


Pedro Alonso López nació en Tolmia, Colombia, en 1949. Desde 1948, Colombia se sumió en el periodo conocido como “La Violencia”. El político popular liberal Jorge Eliecer Gaitan fue asesinado y estalló la guerra civil en el país. Comenzó un sangriento periodo de violencia que se extendió durante una década y cobró más de doscientas mil víctimas.

En este ambiente violento nació aquel niño. Hijo de una prostituta, Pedro fue el séptimo de trece hermanos. Desde el principio tuvo una infancia dura y difícil. Su madre, Benilda López, era dominante y tirana, con un carácter muy duro que hicieron a Pedro buscar refugio en las calles en vez de quedarse en casa, donde su madre recibía además a los clientes que solicitaban sus servicios.

Cuando Pedro tenía ocho años, su madre lo sorprendió intentando mantener relaciones sexuales con su hermana más joven y lo echó de casa. Pedro comenzó a vagar sin rumbo fijo por las peligrosas calles de la ensangrentada Colombia, explorando lugares y barrios a los que nunca había llegado.

A los pocos días de su exilio, un anciano que se lo topó le ofreció comida y techo. El niño accedió, confiado ante el gesto benevolente de aquel hombre. Pero una vez en su casa, el hombre lo golpeó, le quitó la ropa y lo violó. Lo retuvo allí varios días, amarrado, dedicándose a sodomizarlo reiteradamente. Finalmente lo soltó y lo dejó marcharse.

Pedro se acostumbró a dormir en las banquetas y fue víctima de innumerables abusos de toda clase. Constantemente era acosado por extraños y lo violaron en otras ocasiones. Para alimentarse tenía que buscar comida en la basura. Fue mordido por un perro callejero y golpeado por otros indigentes.

Un año vagó por las calles. Un día comenzó a caminar por una carretera. Fue recogido por un automovilista. Sin saberlo, Pedro llegó hasta Bogotá. Allí siguió vagando. Un día, un estadounidense lo encontró. Se compadeció de su situación y lo llevó a su casa, para vivir con él y con su familia.

Pedro, acostumbrado ya a los maltratos y el abuso sexual, vivió allí los mejores años de su vida. Durante tres años estuvo bien, inclusive fue a la escuela. Pero cuando tenía doce años, un maestro del colegio lo agredió sexualmente. Aterrado, robó dinero de la dirección de la escuela y se fue nuevamente a las calles.

El final de la guerra civil llegó. Colombia comenzó su reestructuración, se abrieron fábricas y el orden retornó poco a poco al país. Pedro buscó un trabajo, pero al no tener ninguna experiencia laboral fue rechazado sistemáticamente. Terminó aprendiendo el robo de automóviles y a eso se dedicó por un tiempo. No tardó en convertirse en un hábil ladrón, siendo admirado por los aprendices y muy solicitado por los que controlaban el negocio.

Pero en 1969, cuando tenía dieciocho años, fue apresado y condenado a siete años de prisión. A los dos días de estar encarcelado fue violado nuevamente, esta vez por tres presos mayores que él. Pero ya no era un niño indefenso. La rabia, la frustración acumulada y el afán de venganza no tardaron en estallar.

Pedro consiguió un cuchillo y degolló, uno tras otro, a sus tres agresores. Sus actos fueron juzgados como defensa propia y su condena solamente aumentó dos años.

Pero algo había cambiado, algo se había roto en su interior. Según declararía tiempo después, su venganza hizo germinar una semilla oscura de poder. Desaparecieron sus miedos y se embriagó con ese descubrimiento. Tomó entonces una decisión: nadie volvería a abusar de él. Y cuando deseara algo, simplemente se limitaría a tomarlo, sin importar que para satisfacer sus deseos tuviera que abusar, a su vez, de los demás.

Pedro le tenía miedo a las mujeres. Desde que era un niño, a causa de los maltratos y el abandono de su madre, era incapaz de comunicarse con ellas. Se pasaba horas mirando revistas pornográficas, incapaz de acercarse a una mujer. Según diría años más tarde, en su mente, su madre tenía la culpa de todo el sufrimiento de su vida y el dolor de su corazón.

En 1978 salió de prisión y se fue de Colombia. Empezó a viajar por todos los rincones de Perú hasta llegar a una zona controlada por los Ayacuchos, miembros de un grupo étnico local. Allí, Pedro Alonso López vio su oportunidad.

Comenzó a acechar a las niñas que deambulaban solitarias por los caminos del área. Luego las atacaba, las golpeaba, las violaba y terminaba estrangulándolas mientras las miraba fijamente a los ojos; después procedía a enterrarlas en fosas que él mismo cavaba y que muchas veces contenían varios cadáveres.

En pocos meses, más de cien niñas de los grupos locales fueron atacadas violentamente por Pedro quien, tras asesinarlas, las enterraba cuidadosamente. Las denuncias de los indígenas no fueron tomadas en cuenta por la policía, que presumía que las pequeñas habían sido raptadas por alguna de las redes de trata de blancas y esclavismo que proliferaban en la región.

Además, a los agentes de la ley no les interesaba lo que ocurriera con los indígenas. Gracias a ello, Pedro continuó violando, matando y enterrando pequeñas de modo impune. La leyenda del cazador de niñas creció entre los supersticiosos indígenas, que empezaron a hablar de “El Monstruo de los Andes”.

Pero un día, en la zona norte de Perú, fue capturado por un grupo de ayacuchos cuando intentaba secuestrar a una niña de nueve años. Los indígenas lo torturaron durante días enteros.
Luego lo enterraron hasta la cabeza y lo untaron con miel para que las hormigas lo devoraran, pero por suerte para él, apareció una misionera estadounidense amiga de los ayacuchos, quien los convenció para que entregaran al criminal a las autoridades.

Pedro fue atado y arrojado a la parte trasera de la furgoneta de la misionera, que se lo llevó para entregarlo a la policía. Sin embargo, la mujer se apiadó de él y lo liberó en la frontera con Colombia.

Pedro continuó entonces su estela de muertes entre Ecuador y Colombia. Estaba obsesionado con poseer a toda niña que le gustara; sus víctimas siempre eran menores de edad, de entre ocho y doce años.

Pedro las cautivaba con pequeños regalos y las llevaba a lugares apartados, donde las golpeaba, violaba, mataba y enterraba. Este ritmo continuó vertiginosamente, hasta que sus víctimas llegaron a sumar trescientas niñas.

En 1980, en Ambato, cerca de Ecuador, una inundación permitió que se descubriera accidentalmente una de las fosas de Pedro con los restos de cuatro niñas y la policía por fin comenzó una investigación formal. Pero sus pesquisas no los condujeron a nada. No tenían rastros ni idea de quién podía ser el autor de tantos asesinatos.

Pedro fue detenido cuando intentaba raptar a una niña de doce años en el estacionamiento de un supermercado. La madre, María Poveda, lazó gritos pidiendo ayuda cuando se percató de lo que estaba sucediendo y los comerciantes de la zona retuvieron a Pedro hasta que llegó la policía.

Pedro se encontraba muy tranquilo cuando los agentes llegaron a la escena. Cuando regresaron a la comisaría principal con su sospechoso, su primera conclusión fue que tenían a un loco en custodia.

En prisión, Pedro estableció amistad con un sacerdote católico, el padre Godino. Tras negarse en un principio a confesar, el cura lo convenció para que confesara todos sus crímenes con lujo de detalles.

Pedro confesó a los investigadores que había asesinado por lo menos a ciento diez niñas en Ecuador, cien en Colombia, y “muchas más de cien″ en Perú. Siempre hablaba de ellas como si fueran mujeres y no menores de edad.

Cuando se le preguntó cómo seleccionaba y convencía a sus víctimas para después cometer sus crímenes, Pedro explicó que a menudo buscaba sus blancos con "una mirada segura de inocencia". Siempre buscaba sus víctimas a la luz del día, porque no quería que la oscuridad escondiera sus verdaderas intenciones de matarlas.

En un reportaje que concedió en la cárcel al periodista estadounidense Ron Laytner, Pedro Alonso López dio detalles escalofriantes de sus asesinatos: “Perdí mi inocencia a la edad de ocho años, así que decidí hacer lo mismo a tantas muchachas jóvenes como pudiera. Primero las violaba y después las estrangulaba mientras miraba fijamente sus ojos.

“Quería tocar el placer más profundo y la excitación sexual más profunda, antes de que su vida se marchitara. A mí me caen bien a las muchachas en Ecuador, son más dóciles, más confiadas e inocentes, no son como las muchachas colombianas que sospechan de los extraños.

“Me sentía satisfecho con un asesinato si lograba ver los ojos de la víctima. Había un momento divino cuando ponía mis manos alrededor del cuello de las niñas y observaba cómo se iba apagando la luz de sus ojos. El instante de la muerte es terriblemente excitante. Una niña necesita unos quince minutos para morir. Era como una fiesta. Pero después de un rato… porque no podía moverse, me aburría y me iba en busca de chicas nuevas. Es como comer pollo. ¿Por qué comer pollo de edad cuando se puede tener el pollo joven?

“El momento de la muerte es apasionante, y excitante. Algún día, cuando esté en libertad, sentiré ese momento de nuevo. Estaré encantado de volver a matar. Es mi misión. Hay un momento maravilloso, un momento divino cuando tengo las manos alrededor de la garganta de una niña. Soy el Hombre del Siglo. Nadie podrá olvidarme”.

Pedro llevó a la policía hasta los lugares donde había enterrado a sus víctimas. En una de las fosas se desenterraron cincuenta y tres cadáveres de niñas.

La policía recorrió más de veintiocho fosas. En algunas de ellas se encontraron pocos restos, pero se atribuyó la desaparición de los cadáveres a la acción de los depredadores.

No todos los asesinatos se pudieron probar, pero como mencionó el Director de Asuntos de la Prisión, Vencedor Lascano: “Si alguien confiesa ser autor de cientos de asesinatos y se encuentran más de cincuenta y siete cadáveres en una fosa, debemos creer lo que dice. Pienso que su estimado de trescientas víctimas es muy bajo”.

En 1980, Pedro Alonso López fue condenado por sus crímenes a pasar el resto de su vida en la cárcel. Pero al igual que con muchos asesinos múltiples, esto no sucedió: en 1999 obtuvo la libertad condicional de la cárcel de Ecuador.

Inexplicablemente, Colombia y Perú no pidieron su extradición para juzgarlo allí. Los crímenes cometidos en esos países quedaron impunes. Más de doscientos asesinatos de niñas que las autoridades decidieron no castigar.

Su liberación fue filmada por la televisión. Pedro salió agradeciéndole a Dios a gritos. Se reía y llevaba sus cosas en una bolsa de plástico. Era un hombre feliz.

Cuando lo subieron a una camioneta de la policía, una multitud esperaba afuera para agredirlo. Le lanzaron piedras. Los agentes lo salvaron de ser linchado. Los familiares de sus víctimas clamaban por venganza.

Luego desapareció sin dejar rastro. Desde que fue encarcelado, los familiares de las víctimas ofrecieron una recompensa de $25,000.00 dólares a quien acabara con él, ya dentro o fuera de la prisión.

Se hicieron numerosas conjeturas sobre su destino y se especuló acerca de su paradero, aunque la sospecha más lógica era que había sido asesinado por un cazarrecompensas o un familiar de alguna de sus numerosas víctimas.

Como en toda leyenda negra, de vez en cuando todavía existen reportes de personas que aseguran haber visto a “El Monstruo de los Andes” en las montañas de Ecuador o Colombia. Su nombre se utiliza para asustar a las niñas. Pero la realidad de sus crímenes predominará siempre en los recuerdos de la población de tres países.


fuente: http://cmcorpkillers.blogspot.com/




8 de junio de 2010

TRIBUTO A BOB DYLAN...


Robert Allen Zimmerman nació el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota y creció hasta convertirse en un de los artistas más influyentes de la cultura norteamericana en el siglo pasado...

Su obra se basa en la música folclórica norteamericana, pero compuesta a partir de su percepción personal y poética. Bob Dylan probó que no era necesario ser un gran cantante en lo técnico o un músico de academia para tener una carrera brillante en la música popular de los Estados Unidos...

Su música ha influido en toda una generación de músicos que va desde los Beatles hasta Stevie Wonder...

Empujado por la música de Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Little Richard; Bob Dylan empezó su carrera musical en la secundaria armando sus propias agrupaciones en la secundaria. En esa época imitaba a Little Richard en el piano. Estando en la Universidad empezó a tocar música folk y country en locales pequeños. Lo hacía bajo el seudónimo de “Bob Dylan”, nombre inspirado en el poeta galés Dylan Thomas...

En 1960, Dylan decide dejar la universidad y se va a Nueva York donde estaba hospitalizado su ídolo, el cantante folclórico Woody Guthrie. Sus visitas al hospital y a los locales en los que se tocaba música folclórica en Greenwich Village le llevaron a definir su estilo musical y a componer a un ritmo rara vez visto...

Un año después una de sus actuaciones apareció reseñada en el New York Times lo que hizo que la disquera Columbia saliera a cazarlo y firmara un contrato con él. En 1962 salió a la venta el disco “Bob Dylan” cuyo ingrediente principal era una voz roca que interpretaba canciones tradicionales y de blues.

Al año siguiente apareción “The Freewheelin’ Bob Dylan” un disco en el que hizo historia con su interpretación poética de la historia norteamericana. El disco incluyó dos canciones que representaban el espíritu de los años sesenta: “Blowin’ in the Wind”, que luego se convertiría en un éxito para Peter Paul and Mary; y “A Hard Rain’s A-Gonna Fall”.

Su tercer LP, “The Times They Are A-Changing’” lo estableció como compositor e ideólogo del movimiento de protesta de los años sesenta. Esa imagen se vio consolidada por su relación de dos años con Joan Baez, uno de los iconos del movimiento. La relación tuvo otros efectos positivos sobre sus carreras debido a que Dylan compuso muchas de las canciones más famosas de Baez y ella, a su vez, lo presentó a las audiencias gigantescas que asistían a sus conciertos.

Para 1964 Bob Dylan se presentaba 200 veces al año y se estaba empezando a cansar de ser “El” cantante folclórico del movimiento de protesta. Eso llevó a “Another Side of Bob Dylan” un LP más introspectivo y menos político. Habiendo entendido que podía hacer variaciones sobre su estilo y contenidos, Dylan graba en 1965 “Bringing It All Back Home”, un disco que escandalizó a la comunidad filk debido al uso de instrumentos eléctricos y al apoyo de 9 músicos. El enojo del público fue tal que el 25 de julio fue abucheado por la asistencia al Festival Folk de Newport cuando empezó a tocar con instrumentos eléctricos.

Ese mismo año salió a la venta “Highway 61 Revisited” disco en el que se incluía el éxito “Like a Rolling Stone”. En 1966 “Blonde on Blonde”, un álbum doble, combinó como nunca la música y la literatura para producir uno de los discos más importantes de su carrera.

En 1966 ocurrió un percance que marcó su vida. Un accidente de motocicleta que casi lo mata le llevó a una pausa de un año prácticamente en confinamiento solitario. Esto le llevó a reinventarse nuevamente y los discos " John Wesley Harding” de 1968 y “Nashville Skyline” de 1969 lo llevaron a ser aún más calmo y relajado.

Sin embargo, “Self Portrait” de 1970 y “Tarántula” de 1971 fueron destruidos por la crítica y las bajas ventas. Su recuperación empezó en 1973 cuando compuso la banda de sonido de la película que protagonizó (“Pat Garret and Billy the Kid”). El disco fue un éxito y produjo el sencillo “Knockin’ on Heaven’s Door”. Este era el empujón que necesitaba para volver a las giras, suspendidas desde su accidente.

La gira arrancó con entradas agotadas y con “La Banda” como grupo de respaldo. Su trabajo con esa agrupación llevó a la grabación del disco “Planet Waves” que se convertiría en el su primer LP en llegar al número uno de la lista de ventas. Ese éxito estuvo seguido de “Blood on the Tracks” y “Desire” ambos de 1976 y ambos número uno. El LP “Desire” contenía la canción “Hurricane” que hacía referencia a la historia del boxeador Rubin “Hurricane” Carter, encarcelado por un crimen que no cometió. Esa canción despertó una ola de protestas que llevaron a un nuevo juicio en el que nuevamente fue condenado. La canción y el rol de Dylan en la historia del boxeador se destacan en la película “Huracán”. En ese mismo álbum viene la canción Sara, un infructuoso intento del cantante por recuperar a su esposa luego de una dolorosa separación.

En 1979 Dylan se vuelve a reinventar, ahora como cristiano. Su disco religioso “Slow Train Coming” fue un éxito comercial y le dio a Dylan su primer Grammy como Mejor Cantante Masculino. Gradualmente, el discurso religioso fue bajando de tono dentro de su obra.

A inicios de los años 80 Dylan empezó nuevamente sus giras de concierto acompañado ocasionalmente por Tom Petty and the Heartbreakers y los Grateful Dead. La inconstancia de sus presentaciones llevó a muchos admiradores a pensar que su carrera se estaba apagando. Su producción musical durante esa época contradecía lo que pasaba en los escenarios y en 1989 “Oh Mercy” se convirtió en el disco mejor recibido en muchos años.

En ese mismo periodo grabó con los Travelin’ Wilburys, una banda integrada por Tom Petty, Jeff Lynne (de ELO) y los desaparecidos George Harrison y Roy Orbison.

En 1989 Dylan entró al salón de la fama del Rock and Roll y en el discurso de la ceremonia Bruce Spingsteen dijo que “Bob liberó la mente de la misma manera en que Elvis liberó el cuerpo... Él inventó una nueva forma de sonido para un cantante pop, rompió las limitantes de lo que un artista puede lograr y cambió el rostro del rock and roll para siempre.”

En 1997 Bob Dylan fue el primer rockero en recibir el reconocimiento del Kennedy Center, la distinción más importante en Estados Unidos en cuanto a las artes.

Ese mismo año, el disco “Time Out Of Mind” lo reestableció como el icono del folclore y como uno de los sabios del rock, además de darle tres Grammys, incluyendo el de disco del año. Sus giras siguieron y ese año se presentó ante el Papa Juan Pablo II e interpretó “Knockin’ On Heaven’s Door”.

En el 2000 grabó “Things have Changed” para la película “Wonder Boys” en la que actúa Michael Douglas. El tema obtuvo el Globo de Oro y el Óscar a la mejor canción.

Bob Dylan está en gira permanentemente y ahora graba menos que antes. Sin embargo, discos como “Time Out of Mind” de 1997 prueban que él aún tiene mucho que decir y lo hace de una manera que nadie puede igualar.


4 de junio de 2010

4 de Junio - Día del Artista Ecuatoriano


El 4 de junio de 1930, zarparon del puerto de Guayaquil tres soñadores del arte, luego con grandes sacrificios, hicieron realidad las primeras grabaciones eléctricas con artistas ecuatorianos, ellos fueron: Nicasio Safadi, Enrique Ibáñez Mora (Dúo Ecuador) y José Domingo Feraud Guzmán, precursor de esta hazaña.

Por este motivo, recordando un acontecimiento trascendental en la vida de la historia artística ecuatoriana, se ha consagrado el 4 de junio de cada año, para rendir pleitesía al Artista Ecuatoriano que enaltece los valores de la cultura y el arte de nuestro pueblo.

El 4 de junio de 1930 ante el impulso arrollador de la naciente fonográfica mundial, un visionario guayaquileño, el señor José Domingo Feraud Guzmán, incentivado por su sentido patriótico sobre todo con su afán por contar con un testimonio fonográfico que acredite a las composiciones e intérpretes ecuatorianos, que realizó las gestiones necesarias para que el dúo arriba mencionado efectuara un viaje a Nueva York con el objeto de grabar los primeros discos de música y cantantes nacionales. Anteriormente, sólo las voces extranjeras de Margarita Cueto, Juan Arbízu y el dúo " Briceño Añez", habían editado temas ecuatorianos; y no se disponían de grabaciones nacionales, ante la imposibilidad técnica de realizarlas en Ecuador.

He aquí a estos pioneros artísticos; y fue así como en un acontecimiento sin precedentes, partieron a Norteamérica: Nicasio Safadi, Enrique Ibáñez Mora y José Domingo Feraud Guzmán; se trasladaron al bordo del buque Santa Teresita el 4 de junio de 1930, el viaje duró 15 días y el dueto" Ecuador", ofreció varios recitales escogiendo de su repertorio 38 canciones. En Nueva York, se pusieron en contacto con la " Columbia Phonograph Company" procediéndose de inmediato a preparar las primeras grabaciones, siendo el primer tema editado " Guayaquil de mis amores", el mismo que fue matrizado en cera, según la técnica de estos tiempos.

Director artístico de la grabación fue el español Enrique Madriguera de "Columbia Records".

El acontecimiento no pasó desapercibido para la farándula continental y para los críticos de la prensa de Nueva York, que destacaron en particular las presentaciones radiales del dúo Ecuatoriano, las mismas que se efectuaron en la emisora WGY de Schenectady y WNYG, estaciones de Nueva York. Por otra parte se hizo notar la trascendencia de las primeras grabaciones con música y cantantes del país Ecuador; siendo así como empezó la historia de la canción grabada, según nos narra T. Williams.

Por tal razón recoge este acontecimiento histórico e importante nuestra historia artística para consagrar y rendir el 4 de junio el homenaje que se merece el artista ecuatoriano, y el pentagrama nacional.

El Gobierno Nacional, expidió la Ley de Defensa del Artista Profesional Ecuatoriano, para corresponderá sus esfuerzos y sacrificios en bien de la divulgación de la música y del folclore nacionales; en ella están amparados los cantantes instrumentistas, directores y miembros de orquesta, compositores, animadores de programas, folcloristas, etc., quienes se han dedicado a esta tarea difícil y sublime de llevar el mensaje de la patria por todos sus rincones y fuera de los linderos nacionales.

Por eso, nuestro cálido saludo y homenaje a todos los compositores e intérpretes, artistas en general, deseándoles más y mejores éxitos en sus inspiradas creaciones e interpretaciones, promocionando los valores del espíritu y el alma de los ecuatorianos; afianzando más la tradición, costumbres y originalidad de los ancestros de nuestro pueblo.

25 de mayo de 2010

25 de Mayo... Bicentenario...


En la jornada del 25 de Mayo todo estaba ya precipitado para que los revolucionarios dieran el golpe final contra el gobierno de Cisneros. Los grupos civiles contrarios al régimen virreinal elevaron la presión en las calles y las milicias (organizaciones militares locales) se rebelaron.

Se forzó la designación de una nueva Junta que pasaría a la historia como la Primera Junta, constituyéndose en el primer gobierno patrio de Buenos Aires y las provincias del Río de la Plata. La Revolución de Mayo se había concretado.

En la Primera Junta ella predominaban los partidarios de la revolución. El gobierno patrio estaba integrado por: un presidente, Cornelio Saavedra; por vocales Manuel Belgrano, Juan José Castelli, Manuel Alberti, Juan Larrea, Miguel de Azcuénaga y Domingo Matheu, y por dos secretarios, Juan José Paso y Mariano Moreno.

Pero esto era sólo el comienzo, la Revolución de Mayo había sido un evento de gran importancia, pero que sólo involucró a la ciudad de Buenos Aires, a partir de allí la Primera Junta buscó expandir su poder al resto del ex-Virreinato del Río de la Plata. Era el comienzo de la Guerra de la Independencia.

24 de mayo de 2010

La Batalla del Pichincha... Hito historico...


El 24 de Mayo de 1822, con la victoria de los patriotas sobre las tropas realistas, se selló la independencia de las regiones que integraron la Real Audiencia de Quito durante los siglos coloniales y pasaron a formar parte del Distrito del Sur de la Gran Colombia y, ocho años más tarde, separados de ella, se constituyeron como la República del Ecuador.

Con la victoria del Pichincha, culminó el proceso de emancipación hispanoamericano, que tuvo su hito inicial en el movimiento autonomista de los patriotas quiteños el 10 de Agosto de 1809 y su sacrificio heroico en la matanza del 2 de Agosto, en 1810.

Sin embargo, la culminación de la independencia de España no produjo profundos cambios en el tejido social, en las relaciones de dominación y las exclusiones que se habían generado con las estructuras coloniales.

A los 188 años de la independencia, los retos mayores para el país son la lucha contra la pobreza y la desigualdad y por una sociedad que corrija la injusta distribución de la riqueza y ofrezca educación, salud y otros servicios públicos básicos para todos, sobre todo a quienes ahora no tienen acceso a ellos.

El cambio social y el progreso, como ha comprobado la experiencia de otras naciones, pasan por las construcción de una democracia y el imperio de la ley, la estabilidad política y el crecimiento económico. La celebración cívica debería ser memoria inspiradora de ese cambio, para impulsar amplios acuerdos políticos y sociales en torno a grandes objetivos del país.

1 de mayo de 2010

BARCELONA SPORTING CLUB... 85 AÑOS DE HISTORIA

FUNDACION...
El Barcelona Sporting Club, el "Ídolo del Astillero", el mayor exponente del fútbol ecuatoriano, es fundado el 1º de mayo de 1925 en la ciudad de Guayaquil.

Su creación surge del entusiasmo de un grupo de jóvenes del Bario del Astillero, conocidos como: "La gallada de la Modelo", que decidieron formar un club deportivo multidisciplinario, en la casa del catalán Eutimio Pérez, que tendría en Carlos García Ríos, ilustre ecuatoriano, su primer Presidente y en el Sr. Onofre Castells, español de Cataluña, su primer Presidente Honorario. Fue justa mente en agradecimiento al apoyo brindado por la comunidad española en Guayaquil, que le fue puesto su nombre: Barcelona.

Primer Directorio
» Presidente honorario: Onofre Castells
» Vicepresidente Honorario: Valentín Sala
» Presidente Ejecutivo: Carlos García Ríos
» Vicepresidente: Carlos García Vergara
» Secretario: Víctor Manuel Olvera

Entre los que se anotan están los españoles: Eutimio Pérez, Valentín Sala, Arturo y Juan Domenech, March y Castells Peré, y los ecuatorianos Carlos García, Arturo Calderón, Luís Rodríguez, Carlos García Vergara, Víctor Olvera Rigoberto Aguirre, Alberto Pombar, José Salèm y Guillermo de la Cuadra.

Los colores iniciales del Barcelona fueron: camiseta negra con vivos blancos, pantalones blancos y medias negras.

FOTO DEL PRIMER EQUIPO DE BARCELONA EN 1925

El equipo ganó el ascenso a primera división el mismo año de su fundación. En 1927 se hizo el cambio de colores del uniforme: camiseta amarilla y roja a rayas verticales, pantalón y medias rojas.

Durante algunos años el club participó en béisbol, box, atletismo y ciclismo, obteniendo varios títulos, pero en fútbol recién logró su primer campeonato de primera división en 1960, último año del amateurismo. En esa época su uniforme era de camisa amarilla con vivos rojos, pantalón y medias negras, que con ciertas variantes se mantiene hasta ahora.

HAZAÑAS...
Una de las jornadas inolvidable en la historia del "Ídolo" ocurrió durante su participación en la Copa Libertadores de América de 1971, cuando en semifinales se enfrentó al mítico equipo de Estudiantes de La Plata, que se encontraba en una racha de tres campeonatos continentales sucesivos, y un invicto de cuatro años consecutivos en casa en Copa Libertadores.

Barcelona lo derrotó 1-0 en Argentina, con gol del español Juan Manuel "el padre" Bazurco, ante un pase del ecuatoriano Alberto Spencer, otra gloria de Barcelona, que se mantiene hasta nuestros días como el máximo goleador de la Copa Libertadores.

Barcelona Finalista Copa Libertadores 1990
Barcelona había hecho contrataciones extranjeras de altísimo nivel como Marcelo Trobbiani un ex mundialista, campeón con Argentina en México 86, Mario Saralegui campeón de la Libertadores e Intercontinental con Peñarol, campeón de Copa América con Uruguay y mucho otros títulos mas, y por ultimo Luís Alberto Acosta que había ganado la Copa América con Saralegui en el 83.

El Ídolo empezó empatando a 0 en el monumental, pero se recupero ganando sus dos partidos de local a los bolivianos The Strongest 1 a 0 y a Oriente Petrolero 2 a 1, ya en los partidos de revancha empato a 1 contra Oriente Petrolero y pierde 2 a 1 en la altura de La Paz 2 a 1 y contra Emelec perdió 3 a 1. Pero hubo un empate entre Oriente Petrolero y Barcelona que tuvieron que jugarse dos partidos mas, en Guayaquil el Ídolo venció 3 a 1 y en Santa Cruz perdió 3 a 2, ya en los penales Morales se consagro tapando dos penales y dando la clasificación.

En la segunda fase Barcelona se topa con Progreso de Uruguay y lo vence en Guayaquil 2 a 0 y en la revancha bajo un aguacero torrencial y con un golazo de media cancha de J Izquierdo empato 2 a 2, luego Barcelona se topo con su eterno rival Emelec empatando el primer partido en el modelo a 0, luego en el Monumental, Barcelona hizo sentir su condición de local y con un golazo de Uquillas elimino a Emelec, cabe recalcar que con el marcador en blanco Morales le atajo un penal a Russo.

Ya en semifinal se topo contra el poderoso River Plate, en Buenos Aires cae el Ídolo 1 a 0 y Morales volvió a tapar un penal y esta vez al infalible Serrizuela, en el partido de vuelta Barcelona gano 1 a 0 con gol de penal de Acosta, y en la serie de penales para definir quien iba a la final Morales le vuelve a tapar a Serrizuela, el gran triunfo del fútbol ecuatoriano se vio cuando Polillita Da Silva estrelló su lanzamiento de penalti en el horizontal.

En la final Barcelona perdió en Asunción 2 a 0 con goles de Amarilla y Samaniego, y en Guayaquil empato a 1, en un partido que constituyo en una demostración soberbia de balompié de barcelonistas.

Los notorios errores del arbitro Juan Carlos Loustau (muchos años despues acepto sus "errores") que le anuló un gol legítimo a Manuel Uquillas y que no hizo repetir un penal a Acosta cuando Almeida se adelanto cinco metros. El 1 a 1 privó al fútbol ecuatoriano de ganar la Copa Libertadores.

Otra vez finalista en 1998
Con Xavier Paulson de presidente, Rubén Darío Insùa como entrenador Barcelona empezó la Copa Libertadores edición 1998 sin ninguna expectativa, con contrataciones como el armador paraguayo Gustavo Sotelo, el argentino Rey que no habría de responder a la paciencia que con el se tuvo, con Anthony "el pipa" De Ávila y sin poder retener a Antonio "el diablo" Etcheverry, el panorama no era muy alentador.

FINALISTAS COPA LIBERTADORES 1998

La campaña empezó empatando en Guayaquil 0 a 0 con el Deportivo Quito, luego en Guayaquil contra el Bucaramanga gano Barcelona 2 a 0, después venció a un poderoso América de Cali 1 a 0 en Guayaquil, saco un valioso empate en Quito 1 a 1 contra D. Quito, y en Cali el mismo resultado con el America, y perdió contra el Bucaramanga de visitante con jugadores reservas que había puesto Insùa.

En la segunda etapa se enfrentó a uno grande, Colo Colo de Chile, en Guayaquil "el Ídolo" vence 2 a 1, y en Santiago en una noche inolvidable y la dupla Asencio-Delgado destrozo a los defensas araucanos y un funcionamiento táctico perfecto hecho por Insùa empata 2 - 2 con Colo Colo clasificando a cuartos de final.

Luego se vino la gran temible altura de La Paz contra el Bolívar, con gol de Agustin Delgado y gran actuación de Fricson George, empato 1 a 1, el partido de revancha en Guayaquil "el Ídolo" gano, goleo y gusto con un contundente 4 a 0, goles de Ascencio, Gomez, Rosero y De Avila.
Ya en semifinal el Ídolo se topo con un gran escollo como Cerro Porteño, ganándole apretado aquí 1 a 0 con gol del colombiano De Avila, en Asunción luego de un primer tiempo para el olvido Cerro Porteño se pone en ventaja 2 a 0, en el segundo tiempo Insua realiza movimientos tacticos y Washington "el coco" Aires anota el gol del descuento 2 a 1 que envió a los penales, y con una dramática definición y Jose Francisco Cevallos se vuelve figura al atajar 3 penales y De Avila anota el penal que daba por segunda vez jugar la final.

En la final "el ídolo" jugo contra Vasco da Gama, en Brasil "el ídolo" con un equipo disminudio y jugando mal en el campeonato nacional perdió 2 a 0, el equipo brasilero con mejores figuras fue superior, y lo rivalidó en Guayaquil, aunque Barcelona dejo todo en la cancha el equipo brasilero volvio a vencer 2 a 1, el gol del descuento de "el pipa". Nadie esperaba ver al Ídolo en la final con un equipo muy discreto pero como siempre a lo Barcelona sorprendió a todos… por eso eres Ídolo.

A pesar de todo sus inutules esfuerzos, Barcelona no logro ganar ninguna de sus dos finales en la copa Libertadores del 90 y 98.

Otros triunfos
Dentro de la serie de triunfos, de la historia del Barcelona de Guayaquil, que lo hicieron un Ídolo, fue enfrentarse en el año 1949, al Millonarios de Bogotá, uno de los equipos más populares del fútbol colombiano, y en ese tiempo, considerado el equipo más poderoso del planeta.

Con un equipo lleno de jóvenes y amateurs derrotaron al Millonarios 3x2, en un partido lleno de emociones y de buen fútbol. El tercer gol fue anotado por un jugador prestado del Emelec.

Y podríamos citar otras más, como la eliminación de River Plate a manos del Barcelona en 1990, en las semifinales de la Copa Libertadores de América, la eliminación de Colo-Colo de Chile, en 1992 que era el campeon vigente del certamen, y muchos triunfos más, que han hecho que el Ídolo del Ecuador tenga más adeptos.

PALMARES...
ERA AMATEUR
Campeonato Amateur del Guayas (1): 1950

ERA PROFESIONAL
Torneos nacionales oficiales
Serie A Ecuatoriana (13):
1960, 1963, 1966, 1970, 1971, 1980, 1981, 1985, 1987, 1989, 1991, 1995, 1997

Subcampeón de la Serie A Ecuatoriana (11): 1957, 1962, 1968, 1982, 1986, 1990, 1992, 1993, 2002, 2003, 2005A

Torneos locales oficiales
Copa Guayaquil (5): 1955, 1961, 1963, 1965, 1967
Subcampeón de la Copa Guayaquil (6): 1953, 1954, 1957, 1962, 1964, 1966

Torneos locales de reservas
Copa Asoguayas o de reservas (1): 2006

Torneos internacionales oficiales
Subcampeón de la Copa Libertadores de América (2): 1990, 1998
Torneos internacionales amistosos
Copa Antonio Labán Delgado de Chile (1): 1993

ESTADIO...
Este escenario deportivo fue construido por gestión de varias personas, entre ellas, el ex-presidente de la institución, el Ing. Isidro Romero Carbo.

Debido al esfuerzo de empresarios, profesionales y dirigentes, y junto con la Compañía General de Construcciones C. Ltda., una prestigiosa constructora, los trabajos fueron realizados en un tiempo récord, culminándose la primera etapa entre 1986 y 1987, con una capacidad para 50.000 personas, capacidad que luego aumentaría a 75.000 espectadores aproximadamente, tras una etapa de ampliación entre 1993 y 1994, dando como resultado uno de los mejores y mas imponentes estadios de Sudamerica.

ESTADIO MONUMENTAL DE BARCELONA S.C.

Al inicio, en los estatutos del club, el estadio fue registrado como Estadio Monumental de Barcelona, pero años después, por decisión del directorio encabezado por este mismo personaje, el nombre fue cambiado a Estadio Monumental Isidro Romero Carbo.


SERA QUE REVIVO EL BLOG????

Hace muchos años perdí el gusto por escribir post...  Pero esporadicamente escribo experiencias, pero las dejo para mi... Será moment...