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10 de julio de 2011

NO ESTAS DEPRIMIDO, ESTAS DISTRAIDO (HOMENAJE A FACUNDO CABRAL)

HOMENAJE POSTUMO A UNO DE LOS MAS GRANDES CANTAUTORES DE LA MUSICA SOCIAL LATINOAMERICANA


FACUNDO CABRAL

1937 - 2011



NO ESTAS DEPRIMIDO, ESTAS DISTRAIDO



No estás deprimido, estás distraído, distraído de la vida que puebla.

Distraído de la vida que te rodea: delfines, bosques, mares, montañas, ríos. No caigas en lo que cayó tu hermano, que sufre por un ser humano cuando en el mundo hay 5,600 millones. Además no es tan malo vivir solo.

Yo la paso bien, decidiendo a cada instante lo que quiero hacer, y gracias a la soledad me conozco, algo fundamental para vivir.

No caigas en lo que cayó tu padre, que se siente viejo porque tiene 70 años, olvidando que Moisés dirigía el éxodo a los 80 y Rubinstein interpretaba como nadie Chopin a los 90. Solo por citar dos casos conocidos.

No estás deprimido, estás distraído, por eso crees que perdiste algo, lo que es imposible, porque todo te fue dado. No hiciste ni un solo pelo de tu cabeza por lo tanto no puedes ser dueño de nada. Además, la vida no te quita cosas, te libera de cosas. Te aliviana para que vueles mas alto, para que alcances la plenitud. De la cuna a la tumba es una escuela, por eso lo que llamas problemas son lecciones.

No perdiste a nadie, el que murió simplemente, se nos adelantó, porque para allá vamos todos. Además lo mejor de él, el amor, sigue en tu corazón. Quién podría decir que Jesús está muerto? No hay muerte: hay mudanza. Y del otro lado te espera gente maravillosa: Gandhi, Michelangelo, Whitman, San Agustín, la Madre Teresa, tu abuela y mi madre, que creía que la pobreza está más cerca del amor, porque el dinero nos distrae con demasiadas cosas, y nos aleja por que nos hace desconfiados.

Haz sólo lo que amas y serás feliz, y el que hace lo que ama, está benditamente condenado al éxito, que llegará cuando deba llegar, porque lo que debe ser será, y llegará naturalmente. No hagas nada por obligación ni por compromiso, sino por amor. Entonces habrá plenitud, y en esa plenitud todo es posible. Y sin esfuerzo porque te mueve la fuerza natural de la vida, la que me levantó cuando se cayó el avión con mi mujer y mi hija; la que me mantuvo vivo cuando los médicos me diagnosticaban 3 ó 4 meses de vida.

Dios te puso un ser humano a cargo, y eres tú mismo. A ti debes hacerte libre y feliz, después podrás compartir la vida verdadera con los demás.

Recuerda a Jesús: “Amarás al prójimo como a ti mismo”. Reconcíliate contigo, ponte frente al espejo y piensa que esa criatura que estás viendo es obra de Dios; y decide ahora mismo ser feliz porque la felicidad es una adquisición.

Además, la felicidad no es un derecho sino un deber, porque si no eres feliz, estás amargando a todos los que te aman. Un solo hombre que no tuvo ni talento ni valor para vivir, mandó a matar seis millones de hermanos judíos.

Hay tantas cosas para gozar y nuestro paso por la tierra es tan corto, que sufrir es una pérdida de tiempo. Tenemos para gozar la nieve del invierno y las flores de la primavera, el chocolate de la Perugia, la baguette francesa, los tacos mexicanos, el vino chileno, los mares y los ríos, el fútbol de los brasileiros, Las Mil y Una Noches, la Divina Comedia, el Quijote, el Pedro Páramo, los boleros de Manzanero y las poesías de Whitman, Mahler, Mozart, Chopin, Bethoven, Caravaggio, Rembrant, Velásquez, Picasso y Tamayo entre tantas maravillas.

Y si tienes cáncer o sida, pueden pasar dos cosas y las dos son buenas; si te gana, te libera del cuerpo que es tan molesto: tengo hambre, tengo frío, tengo sueño, tengo ganas, tengo razón, tengo dudas….y si le ganas, serás humilde, más agradecido, por lo tanto fácilmente feliz.

Libre del tremendo peso de la culpa, la responsabilidad, y la vanidad, dispuesto a vivir cada instante profundamente como debe ser.

No estás deprimido, estás desocupado. Ayuda al niño que te necesita, ese niño será socio de tu hijo. Ayuda a los viejos, y los jóvenes te ayudarán cuando lo seas. Además, el servicio es una felicidad segura, como gozar a la naturaleza y cuidarla para el que vendrá. Da sin medida y te darán sin medidas.




Ama hasta convertirte en lo amado, más aún hasta convertirte en el mismísimo amor.

Y que no te confundan unos pocos homicidas y suicidas, el bien es mayoría pero no se nota porque es silencioso, una bomba hace más ruido que una caricia, pero por cada bomba que le destruya hay millones de caricias que alimenta a la vida.

Facundo Cabral




5 de abril de 2011

KURT COBAIN... 17 años despues...

Nombre artístico de Kurt Poupon; EEUU, 1967 - 1994) Compositor y cantante de rock duro estadounidense, creador y principal miembro del grupo Nirvana. El 20 de febrero de 1967 nace Kurt Poupon en la localidad de Aberdeen, en Washington.


Ese niño, que con los años sería conocido como Kurt Cobain, arrastró a lo largo de toda su vida los problemas de su familia que culminaron con la separación de sus padres cuando había cumplido los siete años. Kurt Cobain murió siendo todavía un hombre joven, pero pese a muchos de sus problemas (o quizás gracias a ellos) llegó a convertirse en un ídolo musical mundial.


Kurt Cobain tuvo por primera vez en sus manos una guitarra a los 14 años, cuando se la regaló su tío. A partir de ese momento la música se convirtió en una constante en su vida y fue una herramienta que le resultó especialmente útil para expresar en parte su complicada personalidad. Con el tiempo decide, junto a su amigo Krist Novoselic, formar su primera banda, a la que llaman Fecal Matter. Son sus primeros pasos en el mundo profesional de la música.


Pronto Fecal Matter queda corta para las ansias artísticas de Kurt Cobain. Sigue unido a Novoselic para crear un nuevo grupo al que se incorpora el batería Dale Crover. Corren los años 1985 y 86 y Seattle ve nacer los primeros conciertos del mítico Nirvana.


Pocos pueden sospechar que alrededor de esta formación y de la misma ciudad se originará una corriente musical que hará historia: el grunge. Ritmos de rock primitivo y desencantado se convierten rápidamente en un himno para la juventud de los años 80.


Tanto la música como la estética de Cobain y su grupo influyen decisivamente en la sociedad de entonces. En el año 1988 Dale Crover ha sido sustituido por Chad Channing en Nirvana.


Con el nuevo integrante del grupo se graba su primer trabajo discográfico, Nirvana.


Sus dos canciones, Love Buzz y Big Cheese, consiguen ser rotundos éxitos y dan un gran prestigio a la formación de Cobain.


Con la fuerza que les otorga su buena aceptación empiezan a trabajar en su primer álbum de estudio, Bleach. Los circuitos alternativos de los Estados Unidos empiezan a albergar los conciertos de Kurt Cobain y sus compañeros con temas como About a girl.


En el año 1990 se publica el segundo disco de Nirvana, Nevermind, bajo el sello de la compañía discográfica Geffen. Cobain vuelve a cambiar el batería y es ahora Dave Grohl quien toca en el grupo.


Este álbum se convierte en uno de los más importantes de la historia de la música actual al vender más de quince millones de copias. Su single Smells like teen spirit es un verdadero mito para jóvenes de todo el mundo.


El éxito rotundo llega a la carrera musical de Kurt Cobain aunque él no deja de lado sus problemas de adicción a la heroína y su personalidad depresiva. El 24 de febrero de 1992 Kurt Cobain se casa con otra cantante norteamericana, Courtney Love. Es la líder de Hole (un grupo formado por solo mujeres) y se la conoce por su carácter problemático.


El suyo será un matrimonio conflictivo en el que abundan las drogas y la violencia y del cual nacerá su única hija, Frances Bean. En el mismo 1992 ve la luz otro de los discos de Nirvana: Incesticide. Es una recopilación de temas inéditos que solo se oyen en los conciertos en directo del grupo, como por ejemplo Sliver o Son of a gun y el preludio de su último disco llamado In utero.


Los problemas personales de Kurt Cobain son cada vez más importantes y el cantante intenta suicidarse en dos ocasiones, además de ser internado por una sobredosis en el año 1993.


El 5 de abril de 1994 muere de un disparo en la cabeza aunque su cadáver no se encuentra hasta tres días después. Sólo tiene 27 años y la versión oficial es que se ha suicidado, aunque las especulaciones sobre un posible asesinato nunca han dejado de oírse.


Tras la muerte de Cobain aparecen en el mercado MTV Unplugged, un álbum realizado en 1993, y una recopilación póstuma hecha por los demás miembros del grupo, From the Mudy Banks of the Wishkah.


12 de agosto de 2010

TRIBUTO A LES LUTHIERS!!!...


A comienzos de los años sesenta, prácticamente en cada facultad del país existía un grupo coral integrado por jóvenes universitarios.

Como prolongación de estos intereses era frecuente la realización de festivales intercorales en los cuales -y además de la obligada audición mutua- muchas veces se presentaban actos paralelos de humor doméstico protagonizados por grupos formados en cada coro.

En septiembre de 1965, durante el Festival de Coros Universitarios realizado en la ciudad de Tucumán, un grupo de integrantes de uno de los coros de la Universidad de Buenos Aires presentó para los demás participantes un espectáculo de música y humor.

Se trataba de divertir a la audiencia con la parodia de un muy formal concierto ofrecido por solistas, pequeño coro y un conjunto orquestal integrado por instrumentos no convencionales construidos por los mismos intérpretes con materiales caseros.

La obra central de aquel programa era La Cantata Laxatón y había sido compuesta por uno de los integrantes del grupo, el arquitecto Gerardo Masana, quien también fue el inventor de la mayoría de los instrumentos utilizados en aquella oportunidad, fueron tal vez la causa de un eco inesperado: poco después una revista porteña narró el suceso.

Al poco tiempo, y ante la sorpresa de los inexpertos jóvenes, el grupo fue contratado para repetir el inaudito espectáculo en una sala de la capital argentina. Se trataba de un pequeño teatro con tendencia a la programación de vanguardia en donde el conjunto se presentó -ahora con el nombre de I Musicisti- para ofrecer unas pocas representaciones.

Ante la sorpresa de todos, el éxito fue grande y las actuaciones debieron prolongarse por espacio de tres meses. Este triunfo fue decisivo para que, poco después, el grupo fuera aceptado en la programación del Instituto Di Tella, por ese entonces templo de las vanguardias artísticas de Buenos Aires y centro de estudios teatrales, musicales y plásticos, reconocido mundialmente.

El espectáculo presentado I.M.Y.L.O.H. ( I Musicisti y Las Óperas Históricas), constituyó el más grande éxito de público que conociera la sala del Di Tella. A partir de 1967 el grupo adoptó su denominación actual -LES LUTHIERS- coincidiendo con un largo periodo de perfeccionamiento de su estilo e identidad artística.
La involuntaria entrada de Les Luthiers en el profesionalismo y el inesperado crecimiento de público y estima, enfrentaron al conjunto con nuevos tipos de audiencias, demandas y tentaciones.

Tal vez haya sido la suerte de gozar de la frescura de quienes siempre trataron de hacer reír para en realidad divertirse a sí mismos, lo que los preservó del camino directo, del producto improvisado, de la risa fácil, del humor chabacano.

Cuando Les Luthiers comenzó a efectuar giras internacionales -debieron pasar nueve años de búsqueda y crecimiento- la crítica y los públicos del mundo fueron corroborando las sospechas de estos argentinos que constituyen hoy un auténtico motivo de orgullo nacional.

Se puede hacer reír con inteligencia, con elegancia, con sutileza, sin por ello ser necesariamente artistas para unos pocos. La trayectoria recorrida por el grupo a partir de esta propuesta sigue sorprendiendo, aún a sus mismos integrantes quienes nunca trabajaron en pos del éxito e incluso ni siquiera creyeron posible la alegría de que su música-humor pudiera ser tan alborozadamente recibida por públicos tan diversos.

Cuando alguna vez se escriban los anales del music hall hispano americano será tal vez el momento de señalar cuántas leyes supuestamente incontrovertibles del "show business" han debido ser modificadas luego de la irrupción de Les Luthiers en los medios teatrales de lengua castellana.

Desde 1977 Les Luthiers produce un nuevo espectáculo cada dos o tres años el cual se presenta en las salas de mayor renombre de España y Latinoamérica.

Les Luthiers se ha presentado en Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Cuba, Chile, Ecuador, España, Estados Unidos, Israel, México, Perú, Paraguay, Uruguay y Venezuela.

Desde sus inicios hasta la actualidad los integrantes de les Luthiers son autores del texto y de la música de sus espectáculos, correspondiéndoles también la dirección y puesta en escena de los mismos.
AL FINAL DE ESTA PAGINA SE PROYECTARA UNA DE SUS OBRAS (TODO POR QUE RIAS) , ESPERO LAS DIFRUTEN, SE RIAN, SE DIVIERTAN...

4 de junio de 2010

4 de Junio - Día del Artista Ecuatoriano


El 4 de junio de 1930, zarparon del puerto de Guayaquil tres soñadores del arte, luego con grandes sacrificios, hicieron realidad las primeras grabaciones eléctricas con artistas ecuatorianos, ellos fueron: Nicasio Safadi, Enrique Ibáñez Mora (Dúo Ecuador) y José Domingo Feraud Guzmán, precursor de esta hazaña.

Por este motivo, recordando un acontecimiento trascendental en la vida de la historia artística ecuatoriana, se ha consagrado el 4 de junio de cada año, para rendir pleitesía al Artista Ecuatoriano que enaltece los valores de la cultura y el arte de nuestro pueblo.

El 4 de junio de 1930 ante el impulso arrollador de la naciente fonográfica mundial, un visionario guayaquileño, el señor José Domingo Feraud Guzmán, incentivado por su sentido patriótico sobre todo con su afán por contar con un testimonio fonográfico que acredite a las composiciones e intérpretes ecuatorianos, que realizó las gestiones necesarias para que el dúo arriba mencionado efectuara un viaje a Nueva York con el objeto de grabar los primeros discos de música y cantantes nacionales. Anteriormente, sólo las voces extranjeras de Margarita Cueto, Juan Arbízu y el dúo " Briceño Añez", habían editado temas ecuatorianos; y no se disponían de grabaciones nacionales, ante la imposibilidad técnica de realizarlas en Ecuador.

He aquí a estos pioneros artísticos; y fue así como en un acontecimiento sin precedentes, partieron a Norteamérica: Nicasio Safadi, Enrique Ibáñez Mora y José Domingo Feraud Guzmán; se trasladaron al bordo del buque Santa Teresita el 4 de junio de 1930, el viaje duró 15 días y el dueto" Ecuador", ofreció varios recitales escogiendo de su repertorio 38 canciones. En Nueva York, se pusieron en contacto con la " Columbia Phonograph Company" procediéndose de inmediato a preparar las primeras grabaciones, siendo el primer tema editado " Guayaquil de mis amores", el mismo que fue matrizado en cera, según la técnica de estos tiempos.

Director artístico de la grabación fue el español Enrique Madriguera de "Columbia Records".

El acontecimiento no pasó desapercibido para la farándula continental y para los críticos de la prensa de Nueva York, que destacaron en particular las presentaciones radiales del dúo Ecuatoriano, las mismas que se efectuaron en la emisora WGY de Schenectady y WNYG, estaciones de Nueva York. Por otra parte se hizo notar la trascendencia de las primeras grabaciones con música y cantantes del país Ecuador; siendo así como empezó la historia de la canción grabada, según nos narra T. Williams.

Por tal razón recoge este acontecimiento histórico e importante nuestra historia artística para consagrar y rendir el 4 de junio el homenaje que se merece el artista ecuatoriano, y el pentagrama nacional.

El Gobierno Nacional, expidió la Ley de Defensa del Artista Profesional Ecuatoriano, para corresponderá sus esfuerzos y sacrificios en bien de la divulgación de la música y del folclore nacionales; en ella están amparados los cantantes instrumentistas, directores y miembros de orquesta, compositores, animadores de programas, folcloristas, etc., quienes se han dedicado a esta tarea difícil y sublime de llevar el mensaje de la patria por todos sus rincones y fuera de los linderos nacionales.

Por eso, nuestro cálido saludo y homenaje a todos los compositores e intérpretes, artistas en general, deseándoles más y mejores éxitos en sus inspiradas creaciones e interpretaciones, promocionando los valores del espíritu y el alma de los ecuatorianos; afianzando más la tradición, costumbres y originalidad de los ancestros de nuestro pueblo.

21 de mayo de 2010

UN ICONO.... CERATI!!!...


A pesar de su fructífera carrera como solista, para muchos el nombre de Gustavo Cerati es inseparable del de su legendaria banda de rock: Soda Stereo.

Fue de la mano de esta agrupación que este músico argentino, nacido en Buenos Aires el 11 de agosto de 1959, alcanzó el reconocimiento internacional y un lugar indiscutible en la historia del rock latinoamericano.

La banda fue fundada por Cerati y su colega de la carrera de publicidad de la Universidad de El Salvador, Héctor "Zeta" Bosio, en 1982.

Bosio era el bajista, Charly Alberti tocaba la batería y la voz de "Soda" era la de Cerati.

Y durante los siguientes quince años, hasta el anuncio de la separación definitiva del grupo en 1997, la empleó para ganarse un lugar en las preferencias musicales de millones de jóvenes latinoamericanos.

Canciones como "Cuando pase el temblor", "Música ligera" y "La ciudad de la furia" se convirtieron en verdaderos himnos de toda una generación.

"Comparto la tristeza que genera en muchos la noticia de nuestra separación. Yo mismo estoy sumergido en ese estado porque pocas cosas han sido tan importantes en mi vida como Soda Stereo" le dijo Cerati a los fans de Soda, en una carta pública de despedida publicada en mayo de 1997 luego del anuncio de la disolución de la banda.

"Pero cualquiera sabe que es imposible llevar una banda sin cierto nivel de conflicto… Y últimamente, diferentes desentendimientos personales y musicales comenzaron a comprometer ese equilibrio" explicó entonces el cantante.

Cerati insistió entonces que esas diferencias no tenían nada que ver con los diferentes proyectos personales que siempre desarrolló al margen de Soda.

Estas incluyeron proyectos como Plan V, que dio origen a dos discos de música electrónica en los que Cerati colaboró con músicos chilenos y británicos.

O el disco como solista "Amor Amarillo", lanzado en 1993, el mismo año del nacimiento de su primer hijo.

Fue sin embargo con el lanzamiento de "Bocanada", en junio de 1999, que Cerati empezó a establecerse por su cuenta.

A este trabajo le seguirían otros tres títulos originales, varias compilaciones o adaptaciones de composiciones previas, y numerosos proyectos experimentales, además de su trabajo como productor al lado de artistas como Shakira.

Un nominado habitual de los Grammys Latinos y los MTV Video Music Awards para Latinoamérica, Cerati obtuvo el primero de estos premios en cuatro ocasiones. La última de ellas en el 2007 con "La excepción", canción ganadora del primer lugar en la categoría rock.

Ese mismo año, Soda Stereo también se reunió temporalmente para una serie de conciertos que los llevaron de regreso a varios países de Latinoamérica.

En el caso de Argentina, la gira "Me verás volver" llegó incluso a romper los récords de ventas de conciertos a cargo de artistas internacionales como U2 y los Rolling Stones.

Así, con tantos recuerdos, es seguro que, independientemente de cómo evolucione el estado médico de Gustavo Cerati, son muchos los que quisieran expresarle al músico argentino lo que él acostumbraba decir al final de sus presentaciones:

GRACIAS TOTALES!!!...


YA PASARA EL TEMBLOR, ABRIRAS LA PERSIANA AMERICANA, PODRAS VER LA CIUDAD DE LA FURIA Y SEGUIRAS TOCANDO MUSICA LIGERA...AGUANTE CERATI!!!

28 de abril de 2010

TRIBUTO A THE POLICE...


The Police es, por lejos, la banda más importantes que apareció a finales de los setenta. Sus canciones que mezclaban el pop, soul y reggae son inolvidables, y sus discos aún se sienten visionarios, como lo fueron cuando salieron... y eso que sus orígenes estaban en el punk.

Sus integrantes eran técnicamente más pulidos que los músicos promedio del punk o del new age. Andy Summers trabajaba la guitarra de manera que creaba efectos densos y profundos. Stewart Copeland podía tocar de forma polirítmica como si nada y Sting, con su voz cargada de frecuencias altas, ayudaba a crear un pop pegajoso.

Aunque, técnicamente The Police, no era un grupo Punk, demostró que el punk tenía un futuro dentro de la corriente pop. En la medida en que su carrera crecía, The Police se volvió cada vez más aventurero experimentando con ritmos de todo el mundo.

Al mismo tiempo la calidad musical de los trabajos del grupo era muy superior al promedio y eso mantuvo a su audiencia en constante crecimiento y para 1983 eran una de las bandas más importantes en todo el mundo.

The Police tiene sus orígenes en 1977. Por la historia de sus integrantes, su futuro tenía pinta de ser más incierto que auspicioso.

El bajista Gordon Sumner, Sting, era un maestro de escuela que por las noches tocaba con unos aficionados al jazz llamados “Last Exit”. En la batería estaba un joven crecido en Medio Oriente, dado que su padre era oficial de la CIA. Stewart Copeland había estado tocando con “Curved Air”, un grupo de rock progresivo que estaba de salida. Fue en ese momento cuando conoció a Sting en New Castle en Inglaterra a finales de 1976.

Ambos formaron “The Police”. El nombre lo sacaron Copeland y el guitarrista Henri Padovani, quien los acompañó en su disco debut, pero a mitad de 1977 fue reemplazado por Andy Summers (Andy Somers), un guitarrista diez años mayor que sus dos compañeros de grupo y con mucha experiencia por haber tocado rhythm & Blues con la “Big Roll Band”, rock psicodélico con “Eric Burdon and the Animals” y rock progresivo con “Soft Machine”.

En sus inicios, antes de que se uniera Summers, el grupo tocaba fundamentalmente en los clubes de Londres. Sin embargo, fueron contratados para representar a una banda punk de pelo rubio en un comercial de televisión de una marca de chicles. Ese fue el origen del “look” de la banda que se mantuvo intacto hasta su separación definitiva en 1986. Aunque el comercial les garantizó mucha exposición, les granjeó la enemistad de muchos puristas del punk de la época.

Miles Copeland, hermano de Stewart, se convirtió en el representante del grupoo. Eso facilitó las cosas pues el tenía su propio sello grabador y más rápido de lo que pensaron estaban promoviendo su primer sencillo llamado “Fall Out”, que vendió unas 70 mil copias, un verdadero éxito para una empresa independiente.

En 1978 “The Police” puso a la venta su primer disco: “Outlandos D’Amour”. Del disco se extrajo para promoción el tema “Roxanne” en el que Sting le canta a una prostituta. Aunque el disco y el sencillo fueron un resonante fracaso, sirvieron para que la banda firmara con el sello A&M .

En ese LP se mostraba cuál sería el estilo de la banda de ahí en más. El disco tenía un estilo de new wave matizado por el reggae y el pop.

“The Police” le entregó al New Wave la energía y la sofisticación que le hacía falta.

En el tanto Stewart Copeland desarrolló una estrategia poco ortodoxa para lograr una base de admiradores en Estados Unidos. Se dedicó a hacer perifoneo cerca de las escuelas y universidades, lo que resultó en ventas instantáneas cuando los discos salieron a la venta.

Al mismo tiempo, logró que la banda pudiera presentarse en países como Argentina, México, Egipto, Grecia, Tailandia y la India, en donde rara vez pasaban los grupos de rock. Con el tiempo esto ayudó a que “The Police” se convirtiera en un fenómeno mundial.

Para cuando “Regatta De Blanc” se puso a la venta en 1979 todo estaba en su lugar para que el éxito fuera explosivo. Impulsado por sencillos como “Message in a Bottle” y “Walking On The Moon” el disco estuvo cuatro semanas en el primer lugar de las listas inglesas y se vendió como pan caliente por toda Europa.

Su siguiente disco fue “Zenyatta Mondatta” que fue puesto a la venta en 1980. El disco fue su debut en Norteamérica colocando canciones entre las diez más populares en Estados Unidos y en Canadá. En Inglaterra el disco estuvo 4 semanas de número uno.

“Don’t Stand So Close To Me” y "De Do Do Do, De Da Da Da" subieron rápidamente por las listas del mundo y particularmente en Estados Unidos, donde ayudaron a llenar el Madison Square Garden donde se presentó “The Police” a inicios del 81.

“Ghost In The Machine” pretendía capitalizar el éxito obtenido con el disco anterior. Fue grabado en el estudio del productor de los Beatles, George Martin, en la Isla de Monserrat en el verano boreal de 1981. Lanzado en el otoño de ese mismo año, el LP fue número uno en Inglaterra y número dos en Estados Unidos. "Every Little Thing She Does Is Magic" fue su éxito más importante hasta ese momento.

El disco además contó con un inusual apoyo: un documental de la BBC. Mientras grababan en Monserrat el productor Jools Holland filmó las sesiones de grabación y el programa salió al aire para el momento en que el disco se puso a la venta.

El éxito vino acompañado por el reconocimiento en los Brit Awards como la mejor banda británica, además de tres Grammys. Ese era el momento para descansar y por eso el grupo decidió hacer un paréntesis en 1982 luego de una gira de gigantescas proporciones.

Cada integrante se dedicó a seguir sus propios proyectos. Sting actuó en una película para la que además compuso “Spread a Little Happiness”. Copeland compuso la banda de sonido de la película “Rumble Fish” de Francis Ford Coppola, puso a la venta un disco bajo el nombre de Klark Kent y fue músico de sesión para Peter Gabriel. Entre tanto Summers grabó a Robert Fripp el LP instrumental “I Advance Masked”.

“The Police” volvió a las radios a medidados de 1983 con Syncronicity. El álbum fue número uno a ambos lados del Atlántico, quedándose en esa posición por 17 semanas en los Estados Unidos. “Every Breath You Take” llegó a estar durante ocho semanas en el primer lugar, convirtiéndose en una de las canciones más importantes en la historia de Billboard.

“King of Pain” y Wrapped Around Your Finger” también destacaron en los popularímetros colocando al LP en la categoría de multiplatino con más de 10 millones de copias. Detrás del disco vino una gira de proporciones monumentales que rompió récords de asistencia y fue el parámetro para medir el éxito de una gira durante los años 80. Luego de la gira el grupo anunció un retiro sabático de manera que sus integrantes pudieran completar otros proyectos.

Sin embargo, “The Police” nunca regresó de su retiro sabático. Durante la gira de “Syncronicity” las diferencias creativas y personales entre los integrantes se habían multiplicado y habían hecho que no quisieran trabajar juntos mientras las aguas volvían a sus niveles normales.

Sting empezó a trabajar casi de inmediato en un proyecto inclinado hacia el jazz y produjo su primer disco: “Blue Turtles” en 1985. El disco se vendió bien y dejó claro que podía sobrevivir sin el grupo. En tanto Copeland y Summers se dedicaron más a experimentar con otros ritmos.

Durante 1986 “The Police” intentó rearmarse unas cuantas veces, mientras tocaban en los conciertos de Amnistía Internacional. Aunque trataron de armar algunas canciones nuevas, Sting parecía no estar interesado en darle sus nuevas composiciones a la agrupación. Entonces decidieron regrabar un par de canciones. Sin embargo, esto tampoco pudo ser porque Copeland se lastimó mientras jugaba polo.

Lo que se logró fue producir un disco de éxitos en el que se regrabó "Don't Stand So Close to Me". A partir de ahí no volvieron a tocar juntos sino hasta 1992 en el matrimonio de Sting.

En 2003, la banda fue reconocida por su aporte y calidad con su inclusión en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En esa ocasión volvieron a tocar juntos.

A inicios de 2007 aparecieron rumores de que el grupo se reuniría para una gira de treinta aniversario... después de veinte años de separación. Los rumores tomaron forma con un comunicado aparecido en la página de Sting “En la medida en que se acerca el 30 aniversario del primer sencillo de Police se ha venido discutiendo cómo se debe conmemorar. Podemos confirmar que definitivamente habrá algo especial para la ocasión, pero cuánto se involucrará la banda es algo que aún no se ha definido.”

El 11 de febrero el telón de la entrega de los Grammy se levantó y allí estaban los Police diciendo a viva voz “¡Somos The Police y estamos devuelta!” y luego “Roxanne”.

The Police abrió su gira de Reunión en Vancouver, Canadá el 28 de mayo ante 22 mil espectadores. Abrieron con “Message in a Bottle” y extendieron durante dos horas el frenesí de la audiencia. La gira se extendio por un año empezando en Norteamérica y terminado en Europa.

5 de abril de 2010

KURT COBAIN... 16 años despues...


Nombre artístico de Kurt Poupon; EEUU, 1967 - 1994) Compositor y cantante de rock duro estadounidense, creador y principal miembro del grupo Nirvana.

El 20 de febrero de 1967 nace Kurt Poupon en la localidad de Aberdeen, en Washington. Ese niño, que con los años sería conocido como Kurt Cobain, arrastró a lo largo de toda su vida los problemas de su familia que culminaron con la separación de sus padres cuando había cumplido los siete años. Kurt Cobain murió siendo todavía un hombre joven, pero pese a muchos de sus problemas (o quizás gracias a ellos) llegó a convertirse en un ídolo musical mundial.

Kurt Cobain tuvo por primera vez en sus manos una guitarra a los 14 años, cuando se la regaló su tío. A partir de ese momento la música se convirtió en una constante en su vida y fue una herramienta que le resultó especialmente útil para expresar en parte su complicada personalidad. Con el tiempo decide, junto a su amigo Krist Novoselic, formar su primera banda, a la que llaman Fecal Matter. Son sus primeros pasos en el mundo profesional de la música.

Pronto Fecal Matter queda corta para las ansias artísticas de Kurt Cobain. Sigue unido a Novoselic para crear un nuevo grupo al que se incorpora el batería Dale Crover. Corren los años 1985 y 86 y Seattle ve nacer los primeros conciertos del mítico Nirvana. Pocos pueden sospechar que alrededor de esta formación y de la misma ciudad se originará una corriente musical que hará historia: el grunge. Ritmos de rock primitivo y desencantado se convierten rápidamente en un himno para la juventud de los años 80. Tanto la música como la estética de Cobain y su grupo influyen decisivamente en la sociedad de entonces.

En el año 1988 Dale Crover ha sido sustituido por Chad Channing en Nirvana. Con el nuevo integrante del grupo se graba su primer trabajo discográfico, Nirvana. Sus dos canciones, Love Buzz y Big Cheese, consiguen ser rotundos éxitos y dan un gran prestigio a la formación de Cobain. Con la fuerza que les otorga su buena aceptación empiezan a trabajar en su primer álbum de estudio, Bleach. Los circuitos alternativos de los Estados Unidos empiezan a albergar los conciertos de Kurt Cobain y sus compañeros con temas como About a girl.

En el año 1990 se publica el segundo disco de Nirvana, Nevermind, bajo el sello de la compañía discográfica Geffen. Cobain vuelve a cambiar el batería y es ahora Dave Grohl quien toca en el grupo. Este álbum se convierte en uno de los más importantes de la historia de la música actual al vender más de quince millones de copias. Su single Smells like teen spirit es un verdadero mito para jóvenes de todo el mundo. El éxito rotundo llega a la carrera musical de Kurt Cobain aunque él no deja de lado sus problemas de adicción a la heroína y su personalidad depresiva.

El 24 de febrero de 1992 Kurt Cobain se casa con otra cantante norteamericana, Courtney Love. Es la líder de Hole (un grupo formado por solo mujeres) y se la conoce por su carácter problemático. El suyo será un matrimonio conflictivo en el que abundan las drogas y la violencia y del cual nacerá su única hija, Frances Bean. En el mismo 1992 ve la luz otro de los discos de Nirvana: Incesticide. Es una recopilación de temas inéditos que solo se oyen en los conciertos en directo del grupo, como por ejemplo Sliver o Son of a gun y el preludio de su último disco llamado In utero.

Los problemas personales de Kurt Cobain son cada vez más importantes y el cantante intenta suicidarse en dos ocasiones, además de ser internado por una sobredosis en el año 1993. El 5 de abril de 1994 muere de un disparo en la cabeza aunque su cadáver no se encuentra hasta tres días después. Sólo tiene 27 años y la versión oficial es que se ha suicidado, aunque las especulaciones sobre un posible asesinato nunca han dejado de oírse.

Tras la muerte de Cobain aparecen en el mercado MTV Unplugged, un álbum realizado en 1993, y una recopilación póstuma hecha por los demás miembros del grupo, From the Mudy Banks of the Wishkah.

12 de marzo de 2010

TRIBUTO A JOAQUIN SABINA...


Joaquín Ramón Martínez Sabina nació en Úbeda (Jaén) el 12 febrero de 1949, cantautor y poeta ubetense, aunque el mismo diga que cuando lo llaman "cantautor" es como si le pusieran un ladrillo en la cabeza y la palabra "poeta" le parece "un traje que le queda demasiado ancho".

Hijo de un comisario de policía, con 14 años comenzó a escribir poemas y a componer música en una banda formada por amigos, los Merry Youngs, que se dedicaban sobre todo a versionar a cantantes de rock como Elvis Presley, Chuck Berry y Little Richard. Cursó el bachillerato con las monjas Carmelitas y los sacerdotes Salesianos, en una época en la que escribía versos y leía a Fray Luis de León, Jorge Manrique y José Hierro mezclados con Proust, Joyce y Marcuse.

En 1968 parte a Granada a estudiar Filología Románica. De ideología de izquierdas, se relaciona con movimientos contrarios al régimen franquista. Ya en 1970 comienza a colaborar con la revista Poesía 70, compartiendo páginas con Luis Eduardo Aute o Carlos Cano. En ese mismo año lanza un cóctel molotov contra una oficina del Banco Bilbao, en protesta por el Proceso de Burgos, por lo que se ve obligado a exiliarse. Sin embargo, no le será fácil salir de España, porque no tiene pasaporte. En esos días conoce a un hombre, Mariano Zugasti, quien tras sólo unas horas de conversación le cede el suyo. Con nombre falso, Sabina pone rumbo a Londres.

Allí escribe sus primeras canciones y organiza un cineclub con las películas de Luis Buñuel, prohibido entonces en la España franquista. Allí monta polémicas obras teatrales como La excepción de la regla, de Bertolt Brecht, y El cepillo de dientes, de Jorge Díaz. En 1975 publica el libreto de canciones Memorias del exilio, y comienza a abrir conciertos para Paco Ibáñez, Lluís Llach, Pi de la Serra y Elisa Serna ante la colonia de exiliados en Inglaterra, para más tarde componer la banda sonora de la serie The Last Crusade de la BBC.

En el año 1977, tras la muerte de Franco, consigue volver a España. En ese mismo año se casa por primera vez con Lucía, una chica argentina que conoció durante su exilio. No fue un matrimonio real, puesto que el enlace se celebró con el único propósito de conseguir permiso para salir a dormir fuera del cuartel durante el servicio militar que se había visto obligado a hacer, en Mallorca y a los 28 años. Posteriormente ha mantenido relaciones con varias mujeres, siendo las más notables Isabel Oliart, con la que tuvo dos hijas.

En 1978 se instala en Madrid con su mujer y edita su primer elepé, Inventario. Al año siguiente comenzó a cantar en el café La Mandrágora, junto a Javier Krahe y Alberto Pérez, lugar al que acudió Fernando García Tola, que, al ver el espectáculo que se organizaba en este local, los invitó a su programa Esta Noche, presentado por Carmen Maura.

Tras su primer disco (Inventario), abandona el perfil prototípico de cantautor. En 1980 publicó Malas compañías, álbum en que destacan las canciones Pongamos que hablo de Madrid, Calle Melancolía y Qué demasiao. En 1981 aparece La Mandrágora, disco en directo que recoge el espíritu de las actuaciones de dicho local.

Posteriormente, comienza a trabajar con la banda Viceversa, con la que saca un álbum, Juez y parte (1985), y un memorable disco en directo: Joaquín Sabina y Viceversa en directo (1986) ,que contó con la participación de artistas de la talla de Luis Eduardo Aute, Javier Gurruchaga y Ricardo Solfa. Comienza a trabajar con Pancho Varona, con el que sigue 25 años después.

Los éxitos comienzan a sucederse con la publicación de sus sucesivos LP: Hotel, dulce hotel (1987), El hombre del traje gris (1988) y Mentiras piadosas(1990), y su éxito en Latinoamérica. Los discos y las giras se suceden en el comienzo de los noventa. Publica Física y Química (1992) y Esta boca es mía (1994).

En 1996 publica Yo, mí, me, contigo, disco que le llevó de gira con Los Rodríguez como teloneros.

En 1997, el músico andaluz se embarca en un proyecto con Fito Páez, músico argentino que idolatraba las cualidades poéticas de Sabina. El resultado, Enemigos íntimos, sale a la venta en España en 1998. La gira promocional fue suspendida por problemas entre ellos. Hace una gira íntima por teatros, llamada Sabina, viuda e hijos en paños menores, de importante éxito. La gran duración de sus recitales asombra a gran parte del público cuando mira el reloj al final del espectáculo y comprueba que lleva casi tres horas sentado viendo actuar a una de las bandas más consolidadas del panorama musical español de todos los tiempos.

En 1999 publica 19 días y 500 noches, disco que vendió más de 500.000 copias en España y que le hizo ganar cuatro de los Premios de la Música de la SGAE del año 2000, además del Premio Ondas a la mejor canción.

En el verano de 2001, tras la publicación ese mismo año del álbum Nos sobran los motivos (doble disco en directo, recopilatorio de la gira del mismo nombre), sufre un leve infarto cerebral que pondrá su vida en peligro. Aunque pocas semanas más tarde se recupera sin sufrir secuelas físicas, el incidente influye en su forma de pensar y se ve inmerso en una importante depresión. Abandona algunos de sus excesos, y consigue dejar de fumar durante ocho meses.

En 2002 sale a la venta el libro Con buena letra, que incluye ilustraciones y las letras de todas sus canciones, y el disco Dímelo en la calle, al que la crítica considera como uno de los álbumes más importantes de ese año, y que se dio a conocer con el single 69 punto G. Dicho álbum quedó huérfano de gira, ya que Sabina la suspendió argumentando problemas en las cuerdas vocales. Posteriormente se descubre que se trataba de una excusa. En este tiempo sigue deprimido y reduce su actividad musical, pero potencia enormemente su faceta literaria como poeta.

El levantamiento zapatista en Chiapas, México, el 1 de enero de 1994, tuvo un impacto importante en su vida. En su álbum Dímelo en la calle incluyó un tema escrito parcialmente por el portavoz del EZLN, el subcomandante Marcos, titulado Como un dolor de muelas.

Su último disco, Alivio de luto (2005), marca el fin de esta depresión y su regreso a los escenarios con la «Gira Ultramarina», el mismo año. Esta gira, de formato acústico y en pequeños escenarios, ha supuesto el retorno del artista después de más de tres años de inactividad, rodeado de sus músicos habituales, Pancho Varona, Olga Román, Antonio García de Diego y Pedro Barceló. Uno de los conciertos de esta gira es suspendido durante el recital, en Gijón. Es la única vez que el artista tiene que irse del escenario sin haber cumplido el repertorio previsto.

En el año 2006, tras concluir la acústica «Gira Ultramarina», comienza su nueva gira «Carretera y top manta», expresión esta última que le ha llevado a un agrio enfrentamiento con el cantante Ramoncín (usando "Que se joda. Si es más tonto, no nace" como réplica, miembro de la junta directiva de la SGAE. Dicha gira tiene carácter electrónico y está destinada a grandes escenarios. Ha empezado en Gijón y terminará en Sudamérica a finales de año, después de recorrer la totalidad de la geografía española. En 2006 ha aparecido un nuevo libro con entrevistas con Joaquín bajo el título de En carne viva. Su autor es Javier Menéndez Flores, que ya escribió otro anterior (Joaquín Sabina. Perdonen la tristeza) en el año 2000. El nuevo libro está siendo todo un éxito, aunque estuvo momentáneamente apartado de las librerías por motivos de lucha editorial.

En Noviembre del 2006 publica una antología llamada (Punto...y seguido), que incluye todos sus discos, colaboraciones, directos y alguna rareza más, en forma de doble caja (con 18 CDs y 2 DVDs)

En 2007 realiza una gira junto a Joan Manuel Serrat llamada Dos pájaros de un tiro, que comienza el 29 de junio y que los lleva por 30 ciudades españolas y 20 americanas. En ella, el catalán interpreta las mejores canciones del ubetense mientras éste hace lo propio con el repertorio del noi del Poble-sec. De los conciertos celebrados en Madrid se graba un disco en directo y un DVD con más material que es puesto a la venta en diciembre de 2007.
Joaquín Sabina durante un concierto de la gira Vinagre y rosas en Madrid el 15 de diciembre de 2009.

En ese mismo año compone la banda sonora de la película Un mundo para Julius, basada en la novela homónima de Alfredo Bryce Echenique, que interpretarán Ana Belén y Luz Casal. También saca a la venta Esta boca sigue siendo mía, segunda parte de los sonetos publicados para Interviú, y A vuelta de correo, epistolario publicado en la editorial Visor que recoge la correspondencia entre el cantautor y diferentes personalidades como el subcomandante Marcos o Fito Páez, entre otros.

En 2008, el director neerlandés Ramon Gieling dirige una película sobre la vida de Joaquín Sabina titulada «19 días y 500 noches» y cuyo tema principal es la depresión que sufrió hace unos años. Ese mismo año se cocreta la reconciliacion y posterior encuentro entre Sabina y Fito Páez. Fito invita a Sabina a su recital en Madrid y juntos graban una versión de «Contigo», que está incluida en el último CD del artista argentino titulado No sé si es Baires o Madrid. El encuentro está registrado también en el DVD que acompaña al disco.

El 5 de marzo de 2009 se anuncia la concesión a Joaquín Sabina, junto a José Tomás, Raúl González Blanco y Paloma O'Shea, de la Medalla de Oro de la Ciudad de Madrid que otorga anualmente el Ayuntamiento como reconocimiento a personajes públicos que han contribuido con su trabajo a fomentar la buena imagen de la ciudad. El galardón lo recibe el 15 de mayo del mismo año. El 17 de noviembre de ese año publica su decimoquinto álbum de estudio, titulado Vinagre y rosas y cuyo sencillo, «Tiramisú de limón», es cantado junto al grupo Pereza, el cual se encarga además de ponerle música así como de los coros y la producción. Para presentar este nuevo álbum inició una gira en Salamanca, donde dio sus 2 primeros conciertos los días 20 y 21 del mismo mes. Esta gira, según ha afirmado, será la última que realice por grandes escenarios.
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ESTE TRIBUTO FUE REALIZADO GRACIAS A LA SOLICITUD QUE HIZO BARCEBYRON (http://www.barcebyron.blogspot.com/) PARA RENDIRLE UN HOMENAJE A UNO DE SUS CANTAUTORES FAVORITOS...
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SERA QUE REVIVO EL BLOG????

Hace muchos años perdí el gusto por escribir post...  Pero esporadicamente escribo experiencias, pero las dejo para mi... Será moment...