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11 de mayo de 2012

TRIBUTO A BOB MARLEY.... 31 AÑOS DE SU MUERTE...


Este tributo es dedicado a uno de los musicos mas influyentes de los últimos tiempos... a los 31 años de su muerte...
Aqui su historia...

BOB MARLEY...
Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe, era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina de 18 años y de Norval Marley; un jamaicano blanco de ascendencia escocesa, capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), de 50 años, que se desentendió de su hijo por miedo a ser desheredado. A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital, donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.

Bob creció en ese ambiente donde conoció a Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición, donde se quemó en un ojo, con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes.

En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño era mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los "Wailing Wailers" (literalmente, "Gritos de protesta"). El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Summer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.

THE WAILERS...
Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en este país, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Bob Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimiento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado "Pied Piper", una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción "Stir It Up", de Bob.

Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.

En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue "Catch A Fire", fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento.

En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los singles más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en "Natty Dread", un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. "Natty Dread" fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacan dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década. Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. "Rastaman Vibrations", el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como "Crazy Baldhead", "Johnny Was", "Who The Cap Fit" y, tal vez la más significativa de todas, "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.

EXITO...En los años 70 Jamaica vivía un empeoramiento de su ya típica violencia política; la situación degeneró en una guerra civil callejera entre pandillas de pistoleros militantes de los dos grandes partidos políticos tradicionales, el Partido Nacional del Pueblo (socialista democrático) y el Partido Laborista de Jamaica (centro-derecha conservador). El Ejército y la Policía de Jamaica tomaron las calles, pero no pudieron contener la violencia entre los dos bandos enfrentados.

Bob Marley era entonces un pacifista no-político en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari. Bob Marley decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Pero sectores del entonces opositor Partido Laborista de Jamaica criticaron el concierto porque pensaban que estaba parcializado y en realidad era un acto de apoyo al Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, Michael Manley (señalado como amigo de Bob Marley); de hecho Michael Manley era el organizador detrás del evento. Después del anuncio del concierto, el gobierno de Manley convocó elecciones para el día 15 de diciembre (en un claro intento de sacar provecho político del mismo en plena campaña electoral). El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica; se piensa que el atentado fue una represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley, aunque algunos creyentes en teorías conspirativas barajan la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada (ya que Michael Manley se había acercado mucho a la Cuba de Fidel Castro). Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo. Dos días después del atentado, Bob se montó en la tarima y cantó. Cuando le preguntaron el porqué, el dijo: “La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Ilumina la oscuridad.” Fue la última presentación de Bob en Jamaica durante los próximos 18 meses. Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, "Exodus", uno de los más importantes de su carrera y del reggae.

Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres singles - "Waiting In Vain", "Exodus" y "Jamming’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos singles: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". En abril de 1978 volvió a Jamaica para el "One Love Peace Concert", cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación nacional. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y los Estados Unidos, de donde se sacó material para el segundo álbum en vivo: "Babylon By Bus". "Survival", el noveno álbum de Bob Marley con Island fue lanzado en el verano de 1979. Incluía "Zimbabwe", un himno para Rodesia, que luego sería liberada, junto con "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". Como indica la portada, que contiene las banderas de las naciones independientes, "Survival" fue un álbum en homenaje a la causa Panafricana. En abril de 1980, el grupo fue invitado oficialmente por el gobierno del recientemente libertado Zimbabwe para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación.

El siguiente disco de la banda, "Uprising", fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo un éxito inmediato con "Could You Be Loved?". El álbum también traía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Los Wailers entretanto se embarcaban en su mayor gira europea, rompiendo records de asistencia en un concierto. La agenda incluía un concierto para 100.000 personas en Milán, el mayor de la historia de la banda. Bob Marley & The Wailers eran la mayor banda en gira de aquel año y "Uprising" estaba en todas las listas de Europa. Era un período de máximo optimismo y estaban haciendo planes para una gira en los Estados Unidos en compañía de Stevie Wonder al final del año.


ULTIMOS AÑOS Y MUERTE...
Al acabar la gira europea Bob Marley y la banda partieron para los Estados Unidos. Bob hizo dos conciertos en el Madison Square Garden, pero cayó gravemente enfermo. Tres años antes, en Londres, se había herido el dedo del pie jugando al fútbol. La herida se volvió en su contra y, a pesar de haber sido tratado en Miami, continuó reproduciéndose. En 1980, el cáncer comenzó a propagarse por el cuerpo de Bob. Controló la enfermedad durante ocho meses, siguiendo tratamiento en la clínica del Dr. Joseph Issels, en Baviera. El tratamiento de Issels levantó mucha polémica porque sólo usaba remedios naturales y no tóxicos y, por algún tiempo, pareció funcionar en Bob. A comienzos de mayo dejó Alemania para volver a Jamaica, pero no completó su viaje.

Bob Marley murió en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981. Un mes antes, Bob había sido condecorado con la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país. El 21 de mayo de 1981, el Honorable Robert Nesta Marley O. M. recibía un funeral oficial del pueblo de Jamaica. Después del funeral (al que asistió tanto el Primer Ministro como el líder de la oposición) el cuerpo de Bob fue llevado a su tierra natal, Nine Miles, en el norte de la isla, donde ahora descansa en un ataúd de bronce, con su mano derecha acariciando su guitarra, y en la izquierda sostiene la biblia abierta en el salmo 23, uno de sus preferidos. En un mausoleo. Bob Marley murió a los 36 años.

Salmo 23, Versículos 1 y 2: "El señor es mi pastor, nada me faltara, en lugares de delicados pastos me hará descansar"

BOB MARLEY, DESPUES DE SU MUERTE...
En 2005, Rita Anderson, viuda de Marley, escribió una biografía en la que criticó durísimamente al que fue su esposo. En No Woman, No Cry, como se titula el libro. Según Rita, la pareja vivía en una choza, Bob sólo tenía un par de calzoncillos, que ella lavaba cada noche. También afirma que la estrella del reggae se marchó a una mansión en Kingston, donde vivía con varias amantes (una de ellas llegó a convertirse en Miss Mundo) e inclusive llegó a criar a algunos de los hijos que Bob tuvo con esas mujeres.

Y es que la lista de descendientes de Bob es inmensa: en 1968 tuvo un hijo llamado Ziggy Marley con Rita Anderson, en 1970, tuvo un hijo llamado Robbie con Lucille Williams, una de sus novias en Trench Town. Janet Hunt, concebió a Rohan Marley (futuro marido de Lauryn Hill). Sus constantes viajes a Londres no fueron tampoco fieles, ya que nació Karen Marley, hija de una inglesa llamada Janet Bowen. Incluso una jamaiquina nacida en Barbados, Lucy Pounder, tuvo con Bob a Julian Marley.

Otra de sus novias, la campeona caribeña de ping pong Anita Bellnavis, se convirtió en la madre de Kymani Marley. En 1975, Cindy Breakspeare, que estaba a punto de convertirse en Miss Mundo, dio a luz a Damian Marley. Otra de las novias era la actriz Esther Anderson, quien ya había tenido romances con Marlon Brando y Chris Blackwell. Por tal razón muchos rastafaris le consideran "El rey del reggae", mas no precisamente un modelo a seguir por haber faltado a la livity (modo de vida) de Haile Selassie I.

Todas estas afirmaciones no sentaron nada bien al gobierno jamaicano, más aún cuando se enteraron de que Anderson anunció que pretendía exhumar los restos de su marido para enterrarlos en Shashemene, Etiopía, donde el emperador Haile Selassie cedió unas tierras a un grupo de rastafaris jamaicanos que residen en esa localidad. La relación entre el gobierno jamaicano y Anderson era crítica, ya que consideran a Bob un ídolo y una fuerte atracción turística para los extranjeros. No hay que olvidar que la casa-museo de Bob es el principal reclamo de los extranjeros que llegan durante todo el año a la isla caribeña. Lejos de apaciguar los ánimos, Anderson recordó al gobierno de su país que, en Jamaica, Bob fue disparado en su casa y sufrió el exilio."Bob hubiera preferido reposar en el continente africano más que en una isla donde sus antecesores fueron llevados como esclavos", llegó a decir la viuda de Bob.

9 de febrero de 2012

TRIBUTO A JULIO JARAMILLO... 34 AÑOS DEL INICIO DE SU INMORTALIDAD...




Nació en Guayaquil el 1 de octubre de 1935. Hijo de Juan Pantaleón Jaramillo Erazo, natural de Machachi, provincia del Pichincha, y de Apolonia Laurido Cáceres, guayaquileña. Huérfano de padre a temprana edad, creció en el barrio de las calles Brasil y Coronel, y desde muy pequeño mostró especiales condiciones para la música. Dotado de una voz privilegiada, al igual que su hermano Pepe, siendo adolescente obtuvo los primeros triunfos, cantando con su guitarra en concursos para aficionados en Radio Cóndor, Radio América y Radio Ortiz.

Su primera grabación la realiza en 1952 con el respaldo del trío Los Soberanos en un gingle político solicitado por el líder del CFP, Dr. Carlos Guevara Moreno. En 1955, a dúo con Fresia Saavedra, graba el yaraví ''Pobre mi madre querida'', de Alberto Guillen Navarro y al otro lado del sencillo, el pasillo "Mi corazón", de Gonzalo Vera Santos, con el acompañamien­to de Rosalino Quintero. Unos meses después grabó con su maestro Carlos Rubira Infante, el pasillo "Esposa", para el sello Ónix de J.D. Feraud Guzmán,

Corría el año 1956, cuando Francisco Feraud Aroca le propuso grabar el vals "Fatalidad" de Laureano Martínez Smart, que en Colombia interpretaba con gran éxito nuestro afamado cantor Olimpo Cárdenas. Julio aceptó, con la condición de hacerlo en su propio estilo. El encargado de los arreglos fue Rosalino Quintero, quien intervino interpretando el requinto. Al otro lado se grabó el tema "Naufrago de amor" y desde el primer día que el disco salió a la venta fue un éxito rotundo, habiéndose vendido 6.000 ejemplares en la primera semana, lo que obligó a reimprimir millares de copias, urgentemente.


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Así empezó el luminoso camino artístico del Ruiseñor de América, que al poco tiempo grabó una docena de discos para el sello Ónix, entre los que se popularizaron temas como: Hojas muertas, te odio y te quiero, Elsa, y Carnaval de la vida.

Sin embargo fue el tema "Nuestro juramento", de la autoría del puertorriqueño Benito de Jesús, al que Rosalino Quintero modificó rítmicamente para convertirlo en bolero, el que más resonancia internacional lograría, catapultando la voz y la imagen de Julio Jaramillo a otros países, a donde el cantor salió en sus primeras giras. Los discos enviados a México por la empresa Feraud, motivaron el interés de la firma Peerles, que de inmediato estableció contactos para grabar con J.J., quien, por entonces, había debutado en Colombia, Perú y Chile. Mas adelante lo haría en Argentina y Uruguay, donde sus discos le habían precedido, levantando una ola de admiración, especialmente entre el elemento femenino, que al llegar a la capital Uruguaya lo bautizó como "Mister juramento”.

A mediados de los años sesenta, Julio había alcanzado la cúspide del éxito en su propio país, pero asuntos personales lo impulsaron a alejarse de la patria de origen para radicarse alternadamente, en Colombia, Venezuela y México, desde donde proseguía sus giras por distintos países de centro, sur América y los EE.UU, siendo constantemente aclamado por los públicos más diversos y por la crítica de farándula.

JJ. interpretaba con solvencia valses, pasillos, corridos, Rancheras, boleros, tangos, joropos, etc. Gracias a su extraor­dinaria memoria, podía escuchar una melodía y al instante retenerla para grabarla sin problemas, por lo que quienes trabajaron con él, aseguran que le era posible grabar un long play completo en una sola jornada.


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Durante esos años de auto exilio, la firma J.D. Feraud Guzmán, sacaba al mercado los discos de todos sus éxitos en el exterior, los mismos que Armando Romero Rodas se encargaba de difundir a través de las ondas de Radio Cristal, donde el sintoni­zado programa "La hora J.J.", inicialmente de sesenta minutos, se había extendido por pedido del público a dos horas, manteniendo latente el recuerdo y la voz del ídolo popular.

A mediados de 1976 vivía en Medellín, cuando recibió la invitación de la empresa J.D. Feraud Guzmán, que cumplía sesenta anos y quería que su cantante de mayor prestigio estuviese presente en los actos de conmemoración. Con este motivo retorno a su ciudad natal, donde el júbilo del pueblo lo envolvió en una atmósfera de admiración y cariño, haciéndolo sentir la emoción del reencuentro y el deseo de no partir jamás.

En Guayaquil volvió a ser "el muchacho de barrio", sencillo, amistoso, bohemio, generoso y alegre. Creó un programa de televisión, del cual fue conductor en Canal 4; efectuó innumerables presentaciones y grabó nuevas canciones. Pero los excesos de una vida sin control habían hecho mella en su organismo, que aí cabo de un tiempo empezó a mostrar signos de deterioro.

A comienzos del mes de febrero de 1978, fue sometido a una delicada operación para extirparle cálculos de la vesícula, y durante el lapso post operatorio cometió la imprudencia de arrancarse las sondas conectadas a su cuerpo, lo que le provocó una peritonitis que obligó a los médicos a practicarle una segunda intervención; pero esta vez su organismo descuidado a lo largo de tantos años de vida bohemia, no respondió como se esperaba.

El día nueve de febrero de 1978 a las 23h12 cuando "el cantor del amor", aún no había cumplido 43 años de edad, su corazón dejó de latir. Junto a su recuerdo quedan cerca de cinco mil canciones grabadas, y una estela de admiradores para quienes Julio Jaramillo jamás estará muerto.

24 de junio de 2011

CARLOS GARDEL...(76 años de su Muerte)


(Charles Romuald Gardès; Toulouse, Francia, 1890-Medellín, Colombia, 1935) Cantante, compositor y actor argentino de origen francés. A finales de la década de 1920, la identificación de Gardel con el tango era ya un fenómeno de ámbito universal.

Carlos Gardel tuvo esa infancia castigada por la adversidad que parece caracterizar a todo héroe arrabalero y triunfador. Su madre, Bèrthe Gardès, nunca llegó a saber con exactitud quién era el padre de aquel hijo nacido el 11 de diciembre de 1890 en el hospital de La Grave (Toulouse) y bautizado con el nombre de Charles Romualdo. Más tarde, en los suburbios de la ciudad de Buenos Aires, adonde huyó en busca de unas migajas de fortuna cuando su hijo aún no había cumplido los tres años, se resignó a ver cómo su vástago correteaba entre las casuchas de Retiro, Montserrat o Los Corrales y se buscaba la vida pateando calles destartaladas y sucias, creciendo con resentimiento, congoja e inseguridad.

Charles se convertirá pronto en Carlitos, un muchacho despierto, simpaticón e irascible cuya única ansia consiste en alcanzar el lujo de los ricos y ganar montañas de dinero. Con dieciocho años desempeña toda clase de pequeños trabajos y ya deja oír su aterciopelada voz en esquinas, reuniones familiares y garitos. Detesta el trabajo duro, rinde culto al coraje, santifica la lealtad a los amigos y se esfuerza por imitar a los adinerados acicalándose con un esmero narcisista y casi femenino.

Por aquel entonces, ese "pensamiento triste que se baila" de incierto origen, llamado tango, comenzaba a hacer furor en París. Sus intérpretes más destacados viajaban al continente y regresaban con los bolsillos a rebosar. Carlos, a quien le gusta el canto casi tanto como la "guita", cambia la s final de su apellido por una l y prueba fortuna en algunos cafés de los barrios periféricos bonaerenses, en los que se presenta con el sobrenombre de "El Morocho"; ante la sorpresa de propios y extraños, manifiesta una aguda sensibilidad y un temperamento artístico completamente original.

Su interés y sus aptitudes lo inclinan hacia el tango canción o tango con letra, escasamente cultivado hasta ese momento. En efecto, el tango estaba por entonces culminando su proceso evolutivo que lo había llevado de ser una música alegre (en compás de dos por cuatro y de origen posiblemente cubano) que se bailaba de forma un tanto procaz en las fiestas de las clases populares de Buenos Aires, a convertirse en un lamento cantado, una música nostálgica y desgarrada que los porteños acomodados habían aprendido a admirar y a bailar y que Gardel estaba destinado a dar a conocer en todo el mundo.

Cuando en 1915 forma pareja con José Razzano, intérprete de tangos que ya goza de alguna fama, ninguno de los dos sospecha que en pocos años van a convertirse en ídolos tanto de los entendidos como de un amplio sector de público. Fue a raíz de una apoteósica actuación en el teatro Esmeralda de Buenos Aires, en 1917, cuando el personal estilo de interpretar el tango de Carlos Gardel caló hondo en el público porteño y dio al dúo Gardel-Razzano una fulminante celebridad.

El tándem se mantendrá hasta 1925, año en que Gardel debió partir solo hacia Europa. José Razzano, aquejado de una enfermedad en la garganta, había decidido abandonar el canto. Esta desgracia de su compañero significará, no obstante, la fama internacional para Gardel. Tres años después de cruzar el Atlántico, escribe a Razzano: "La venta de mis discos en París es fantástica; en tres meses se han vendido setenta mil". Bing Crosby, Charles Chaplin y Enrico Caruso se deleitan con canciones como "Mi noche triste", "Volver" o "No habrá más penas ni olvido".

Si grande había sido el éxito de Gardel en París, no lo fue menos en España. Gardel debutó en solitario en 1925 en el teatro Apolo de Madrid y en el teatro Goya de Barcelona el 5 de noviembre de ese mismo año. Tal fue el recibimiento y cariño que el público le brindó en la capital catalana al "zorzal criollo", como también se lo llamaba, que hizo de ella su centro de operaciones para sus giras europeas, no obstante sus largas estancias en París. En "Che, papusa, oí" canta Gardel: "Trajeada de bacana, bailás con corte / y por raro esnobismo tomás prissé", acaso evocando las fiestas al estilo parisino que ofrecía por esa época la aristocracia barcelonesa, con esmoquin, champán francés y cocaína o plis o plissé, como llamaban a esta droga.

La voz, la estampa y la simpatía de Gardel arrollaban, especialmente entre las mujeres. Reveladora es la entrevista "a la sombra de Gardel", que salió publicada en Tango Moda, en 1929. La sombra era una bella francesa que seguía al ídolo por todas partes después de haberlo visto actuar una vez en el cabaret de Florida de París. "Cuando por la noche me retiro a mi cuarto del hotel, doy por muy bien pagados mis esfuerzos si le he oído cantar tres o cuatro canciones", confesaba esta admiradora incondicional. Sus películas, como Flor de durazno, rodada en Argentina en 1917, Luces de Buenos Aires y Cuesta abajo, en Francia en 1931 y 1934, y Tango Bar, en Estados Unidos en 1935, además de Melodía de arrabal, El tango en Broadway, El día que me quieras y Cazadores de estrellas, entre otras, contribuyeron a incrementar su fama, gracias a su magnífica voz y a su fascinante personalidad.

Su forma de cantar los pequeños dramas existenciales de sus tangos va a significar una revolución. Nadie es capaz de imitar el fraseo de Gardel ni su habilidad para metamorfosearse en los personajes de sus canciones. Además, su figura simpática, mezcla de pícaro y castigador siempre bien vestido y repeinado, se convierte en un modelo para los porteños. Ahora es un triunfador nato, modelo de "el que llegó", un mito rioplatense admirado por los hombres y adorado por las mujeres.

A pesar de esta imagen, Gardel fue en la intimidad un hombre tortuoso, retraído y contemplativo, atenazado por una oscura tristeza y víctima fácil del abatimiento. En cuanto a su vida sentimental, confesaría que nunca se había enamorado de mujer alguna, "porque todas valen la pena de enamorarse y darle la exclusividad a una es hacerle una ofensa a las otras".
En 1934, después de haberse paseado en olor de multitud por escenarios de Europa y Estados Unidos, Carlos Gardel inició una gira por toda Hispanoamérica provocando el delirio. Los teatros se llenaban de un público rendido al cantante argentino, que lo aclamaba y lo continuaría aclamando hasta después de su muerte.

El 24 de junio de 1935, cuando se encontraba en la cúspide de su fama, el cantor murió en un accidente de aviación cuyas causas nunca se han aclarado, al menos no para los millones de apasionados del tango que en todo el mundo entonces lloraron la muerte de su ídolo y aún hoy hablan de él en tiempo presente. Gardel viajaba de Bogotá a Cali en un F-31 de la compañía Saco. Hecha escala en Medellín, el avión recorrió la pista para alzar el vuelo, pero apenas había despegado se precipitó a tierra, chocando con otro avión alemán que esperaba en la cabecera de la pista.

Un velo de misterio rodeó el suceso. Corrieron rumores acerca de un tiroteo entre Gardel y uno de sus acompañantes, con el piloto del aparato como víctima inocente e involuntario causante de la tragedia. Sin embargo, y según el testimonio de los dos únicos pasajeros que lograron salvarse de los veintiuno que viajaban en el vuelo, la verdadera causa del accidente parece haber sido el fuerte viento reinante que hizo que el piloto perdiera el control del trimotor en el momento del despegue.

A la confusión del accidente se sumaría después la leyenda de un cantor encapuchado cuya voz sorprendía por su parecido con la de Gardel; muchos afirmaron que el ídolo se había salvado y seguía cantando, pero no deseaba mostrar su rostro totalmente desfigurado; a ser eso cierto, el cuerpo velado por las multitudes en el estadio del Luna Park no habría sido el suyo. Pero es su espíritu lo que cuenta: un mar de melancólicos lo lloró entonces y siguió lamentando la pérdida de la voz más triste y cálida que el tango ha dado nunca.




24 de mayo de 2011

TRIBUTO A BOB DYLAN... 70 AÑOS


Robert Allen Zimmerman nació el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota y creció hasta convertirse en un de los artistas más influyentes de la cultura norteamericana en el siglo pasado...

Su obra se basa en la música folclórica norteamericana, pero compuesta a partir de su percepción personal y poética. Bob Dylan probó que no era necesario ser un gran cantante en lo técnico o un músico de academia para tener una carrera brillante en la música popular de los Estados Unidos...

Su música ha influido en toda una generación de músicos que va desde los Beatles hasta Stevie Wonder...

Empujado por la música de Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Little Richard; Bob Dylan empezó su carrera musical en la secundaria armando sus propias agrupaciones en la secundaria. En esa época imitaba a Little Richard en el piano. Estando en la Universidad empezó a tocar música folk y country en locales pequeños. Lo hacía bajo el seudónimo de “Bob Dylan”, nombre inspirado en el poeta galés Dylan Thomas...

En 1960, Dylan decide dejar la universidad y se va a Nueva York donde estaba hospitalizado su ídolo, el cantante folclórico Woody Guthrie. Sus visitas al hospital y a los locales en los que se tocaba música folclórica en Greenwich Village le llevaron a definir su estilo musical y a componer a un ritmo rara vez visto...

Un año después una de sus actuaciones apareció reseñada en el New York Times lo que hizo que la disquera Columbia saliera a cazarlo y firmara un contrato con él. En 1962 salió a la venta el disco “Bob Dylan” cuyo ingrediente principal era una voz roca que interpretaba canciones tradicionales y de blues.

Al año siguiente apareción “The Freewheelin’ Bob Dylan” un disco en el que hizo historia con su interpretación poética de la historia norteamericana. El disco incluyó dos canciones que representaban el espíritu de los años sesenta: “Blowin’ in the Wind”, que luego se convertiría en un éxito para Peter Paul and Mary; y “A Hard Rain’s A-Gonna Fall”.

Su tercer LP, “The Times They Are A-Changing’” lo estableció como compositor e ideólogo del movimiento de protesta de los años sesenta. Esa imagen se vio consolidada por su relación de dos años con Joan Baez, uno de los iconos del movimiento. La relación tuvo otros efectos positivos sobre sus carreras debido a que Dylan compuso muchas de las canciones más famosas de Baez y ella, a su vez, lo presentó a las audiencias gigantescas que asistían a sus conciertos.

Para 1964 Bob Dylan se presentaba 200 veces al año y se estaba empezando a cansar de ser “El” cantante folclórico del movimiento de protesta. Eso llevó a “Another Side of Bob Dylan” un LP más introspectivo y menos político. Habiendo entendido que podía hacer variaciones sobre su estilo y contenidos, Dylan graba en 1965 “Bringing It All Back Home”, un disco que escandalizó a la comunidad filk debido al uso de instrumentos eléctricos y al apoyo de 9 músicos. El enojo del público fue tal que el 25 de julio fue abucheado por la asistencia al Festival Folk de Newport cuando empezó a tocar con instrumentos eléctricos.

Ese mismo año salió a la venta “Highway 61 Revisited” disco en el que se incluía el éxito “Like a Rolling Stone”. En 1966 “Blonde on Blonde”, un álbum doble, combinó como nunca la música y la literatura para producir uno de los discos más importantes de su carrera.

En 1966 ocurrió un percance que marcó su vida. Un accidente de motocicleta que casi lo mata le llevó a una pausa de un año prácticamente en confinamiento solitario. Esto le llevó a reinventarse nuevamente y los discos " John Wesley Harding” de 1968 y “Nashville Skyline” de 1969 lo llevaron a ser aún más calmo y relajado.

Sin embargo, “Self Portrait” de 1970 y “Tarántula” de 1971 fueron destruidos por la crítica y las bajas ventas. Su recuperación empezó en 1973 cuando compuso la banda de sonido de la película que protagonizó (“Pat Garret and Billy the Kid”). El disco fue un éxito y produjo el sencillo “Knockin’ on Heaven’s Door”. Este era el empujón que necesitaba para volver a las giras, suspendidas desde su accidente.

La gira arrancó con entradas agotadas y con “La Banda” como grupo de respaldo. Su trabajo con esa agrupación llevó a la grabación del disco “Planet Waves” que se convertiría en el su primer LP en llegar al número uno de la lista de ventas. Ese éxito estuvo seguido de “Blood on the Tracks” y “Desire” ambos de 1976 y ambos número uno. El LP “Desire” contenía la canción “Hurricane” que hacía referencia a la historia del boxeador Rubin “Hurricane” Carter, encarcelado por un crimen que no cometió. Esa canción despertó una ola de protestas que llevaron a un nuevo juicio en el que nuevamente fue condenado. La canción y el rol de Dylan en la historia del boxeador se destacan en la película “Huracán”. En ese mismo álbum viene la canción Sara, un infructuoso intento del cantante por recuperar a su esposa luego de una dolorosa separación.

En 1979 Dylan se vuelve a reinventar, ahora como cristiano. Su disco religioso “Slow Train Coming” fue un éxito comercial y le dio a Dylan su primer Grammy como Mejor Cantante Masculino. Gradualmente, el discurso religioso fue bajando de tono dentro de su obra.

A inicios de los años 80 Dylan empezó nuevamente sus giras de concierto acompañado ocasionalmente por Tom Petty and the Heartbreakers y los Grateful Dead. La inconstancia de sus presentaciones llevó a muchos admiradores a pensar que su carrera se estaba apagando. Su producción musical durante esa época contradecía lo que pasaba en los escenarios y en 1989 “Oh Mercy” se convirtió en el disco mejor recibido en muchos años.

En ese mismo periodo grabó con los Travelin’ Wilburys, una banda integrada por Tom Petty, Jeff Lynne (de ELO) y los desaparecidos George Harrison y Roy Orbison.

En 1989 Dylan entró al salón de la fama del Rock and Roll y en el discurso de la ceremonia Bruce Spingsteen dijo que “Bob liberó la mente de la misma manera en que Elvis liberó el cuerpo... Él inventó una nueva forma de sonido para un cantante pop, rompió las limitantes de lo que un artista puede lograr y cambió el rostro del rock and roll para siempre.”

En 1997 Bob Dylan fue el primer rockero en recibir el reconocimiento del Kennedy Center, la distinción más importante en Estados Unidos en cuanto a las artes.

Ese mismo año, el disco “Time Out Of Mind” lo reestableció como el icono del folclore y como uno de los sabios del rock, además de darle tres Grammys, incluyendo el de disco del año. Sus giras siguieron y ese año se presentó ante el Papa Juan Pablo II e interpretó “Knockin’ On Heaven’s Door”.

En el 2000 grabó “Things have Changed” para la película “Wonder Boys” en la que actúa Michael Douglas. El tema obtuvo el Globo de Oro y el Óscar a la mejor canción.

Bob Dylan está en gira permanentemente y ahora graba menos que antes. Sin embargo, discos como “Time Out of Mind” de 1997 prueban que él aún tiene mucho que decir y lo hace de una manera que nadie puede igualar.




9 de febrero de 2011

TRIBUTO A JULIO JARAMILLO... 33 AÑOS DEL INICIO DE SU INMORTALIDAD...


Nació en Guayaquil el 1 de octubre de 1935. Hijo de Juan Pantaleón Jaramillo Erazo, natural de Machachi, provincia del Pichincha, y de Apolonia Laurido Cáceres, guayaquileña. Huérfano de padre a temprana edad, creció en el barrio de las calles Brasil y Coronel, y desde muy pequeño mostró especiales condiciones para la música. Dotado de una voz privilegiada, al igual que su hermano Pepe, siendo adolescente obtuvo los primeros triunfos, cantando con su guitarra en concursos para aficionados en Radio Cóndor, Radio América y Radio Ortiz.

Su primera grabación la realiza en 1952 con el respaldo del trío Los Soberanos en un gingle político solicitado por el líder del CFP, Dr. Carlos Guevara Moreno. En 1955, a dúo con Fresia Saavedra, graba el yaraví ''Pobre mi madre querida'', de Alberto Guillen Navarro y al otro lado del sencillo, el pasillo "Mi corazón", de Gonzalo Vera Santos, con el acompañamien­to de Rosalino Quintero. Unos meses después grabó con su maestro Carlos Rubira Infante, el pasillo "Esposa", para el sello Ónix de J.D. Feraud Guzmán,

Corría el año 1956, cuando Francisco Feraud Aroca le propuso grabar el vals "Fatalidad" de Laureano Martínez Smart, que en Colombia interpretaba con gran éxito nuestro afamado cantor Olimpo Cárdenas. Julio aceptó, con la condición de hacerlo en su propio estilo. El encargado de los arreglos fue Rosalino Quintero, quien intervino interpretando el requinto. Al otro lado se grabó el tema "Naufrago de amor" y desde el primer día que el disco salió a la venta fue un éxito rotundo, habiéndose vendido 6.000 ejemplares en la primera semana, lo que obligó a reimprimir millares de copias, urgentemente.
.
Así empezó el luminoso camino artístico del Ruiseñor de América, que al poco tiempo grabó una docena de discos para el sello Ónix, entre los que se popularizaron temas como: Hojas muertas, te odio y te quiero, Elsa, y Carnaval de la vida.

Sin embargo fue el tema "Nuestro juramento", de la autoría del puertorriqueño Benito de Jesús, al que Rosalino Quintero modificó rítmicamente para convertirlo en bolero, el que más resonancia internacional lograría, catapultando la voz y la imagen de Julio Jaramillo a otros países, a donde el cantor salió en sus primeras giras. Los discos enviados a México por la empresa Feraud, motivaron el interés de la firma Peerles, que de inmediato estableció contactos para grabar con J.J., quien, por entonces, había debutado en Colombia, Perú y Chile. Mas adelante lo haría en Argentina y Uruguay, donde sus discos le habían precedido, levantando una ola de admiración, especialmente entre el elemento femenino, que al llegar a la capital Uruguaya lo bautizó como "Mister juramento”.

A mediados de los años sesenta, Julio había alcanzado la cúspide del éxito en su propio país, pero asuntos personales lo impulsaron a alejarse de la patria de origen para radicarse alternadamente, en Colombia, Venezuela y México, desde donde proseguía sus giras por distintos países de centro, sur América y los EE.UU, siendo constantemente aclamado por los públicos más diversos y por la crítica de farándula.

JJ. interpretaba con solvencia valses, pasillos, corridos, Rancheras, boleros, tangos, joropos, etc. Gracias a su extraor­dinaria memoria, podía escuchar una melodía y al instante retenerla para grabarla sin problemas, por lo que quienes trabajaron con él, aseguran que le era posible grabar un long play completo en una sola jornada.
.

Durante esos años de auto exilio, la firma J.D. Feraud Guzmán, sacaba al mercado los discos de todos sus éxitos en el exterior, los mismos que Armando Romero Rodas se encargaba de difundir a través de las ondas de Radio Cristal, donde el sintoni­zado programa "La hora J.J.", inicialmente de sesenta minutos, se había extendido por pedido del público a dos horas, manteniendo latente el recuerdo y la voz del ídolo popular.

A mediados de 1976 vivía en Medellín, cuando recibió la invitación de la empresa J.D. Feraud Guzmán, que cumplía sesenta anos y quería que su cantante de mayor prestigio estuviese presente en los actos de conmemoración. Con este motivo retorno a su ciudad natal, donde el júbilo del pueblo lo envolvió en una atmósfera de admiración y cariño, haciéndolo sentir la emoción del reencuentro y el deseo de no partir jamás.

En Guayaquil volvió a ser "el muchacho de barrio", sencillo, amistoso, bohemio, generoso y alegre. Creó un programa de televisión, del cual fue conductor en Canal 4; efectuó innumerables presentaciones y grabó nuevas canciones. Pero los excesos de una vida sin control habían hecho mella en su organismo, que aí cabo de un tiempo empezó a mostrar signos de deterioro.

A comienzos del mes de febrero de 1978, fue sometido a una delicada operación para extirparle cálculos de la vesícula, y durante el lapso post operatorio cometió la imprudencia de arrancarse las sondas conectadas a su cuerpo, lo que le provocó una peritonitis que obligó a los médicos a practicarle una segunda intervención; pero esta vez su organismo descuidado a lo largo de tantos años de vida bohemia, no respondió como se esperaba.

El día nueve de febrero de 1978 a las 23h12 cuando "el cantor del amor", aún no había cumplido 43 años de edad, su corazón dejó de latir. Junto a su recuerdo quedan cerca de cinco mil canciones grabadas, y una estela de admiradores para quienes Julio Jaramillo jamás estará muerto.

12 de noviembre de 2010

TRIBUTO A BON JOVI....


Jon Francis Bongiovi, más conocido como Jon Bon Jovi, nace en 1962 en Perth Amboy, New Jersey. Su madre, una antigua miss, intenta adentrarle en el mundo de la música, pero el tema no le atrae hasta varios años después, tras asistir a algunos conciertos.

Bon Jovi comienza a tocar en una banda de rythm 'n' blues, 'Atlantic City Expressway', conocida en el ambiente musical de New Jersey. Aquí conoce a Dave Bryan, con quien colaborará después en proyectos de mayor calado.

Unos años después, Jon entró en el grupo 'The Rest', pero problemas con el jefe del grupo hacen que lo deje al poco tiempo.

Entonces decide irse a Nueva York, a trabajar a unos conocidos estudios de grabación. Aquí tiene la posibilidad de ver grabar a los más grandes artistas del momento y aprender de ellos. Consigue grabar una maqueta con un tema, 'Runaway', que tiempo después sería un gran éxito.

Junto a Dave Bryan crea un grupo, 'Wild Ones', que resultó ser un fracaso en sus actuaciones en directo y que no fue capaz de conseguir el patrocinio de ninguna discográfica.

Gracias al éxito de 'Runaway', Polygram se fijó en Jon y le hizo un gran contrato, dándole libertad absoluta para contratar a los músicos que deseara para un nuevo grupo. Entonces se puso en contacto con David Bryan y contrataron a Alen John Such, Tico Torres, como batería, y Richie Sambora como guitarrista.

El primer disco, 'Bon Jovi', salió en 1984, y el primer single fue precisamente 'Runaway', su primer éxito. Consiguieron un notable resultado en ventas, a pesar de ser un grupo de rock duro, menos acostumbrados a vender.

El segundo disco, '7800º Fahrenheit' tuvo un resultado más discreto y hubo que esperar al tercer álbum, 'Slippery When Wet', para ver el triunfo definitivo del grupo. Con este trabajo consiguieron llegar al número uno de las listas de éxitos y propició una gira de más de un año por todo el mundo.

En 1988 publican 'New Jersey', una repetición de la fórmula empleada en el disco anterior y que les sirvió para repetir con un rotundo éxito.

En 1990 sale a la luz 'Blaze Of Glory', la banda sonora de la película 'Arma Joven', con la que Jon optó al Oscar de Hollywood y con el que ganó el premio al mejor single de los premios Award.

En 1991, tras cambiar de mánager, Bon Jovi publica 'Keep The Faith', un nuevo éxito para el grupo, llegando nuevamente a ser número uno y quizás el mejor del grupo. El ritmo se endureció un poco y las letras maduraron.

Después de ello, han publicado un disco recopilatorio, 'Crossroad', y un disco de estudio, 'These Days'. Sus siguientes trabajos fueron 'Destination Anywhere' y 'Crush'.

En 2002 publican un nuevo álbum, titulado 'Bounce'. 12 nuevas composiciones, tanto baladas como temas rockeros, hacen uso de la narrativa y música de éxitos anteriores del grupo. Grabado en el Estado natal del grupo, Nueva Jersey, el altamente esperado "Bounce" muestra a Jon Bon Jovi y a Richie Sambora como productores junto a Luke Ebbin, el cual produjo "Crush", disco que fue doble platino en USA y que vendió más de 8 millones de copias en todo el mundo.

A finales de 2009 Bon Jovi publica "The Circle", escrito y coproducido por Jon Bon Jovi y Richie Sambora y que coincide con el 25 aniversario de la banda.

1 de octubre de 2010

TRIBUTO A JULIO JARAMILLO...


Nació en Guayaquil el 1 de octubre de 1935. Hijo de Juan Pantaleón Jaramillo Erazo, natural de Machachi, provincia del Pichincha, y de Apolonia Laurido Cáceres, guayaquileña. Huérfano de padre a temprana edad, creció en el barrio de las calles Brasil y Coronel, y desde muy pequeño mostró especiales condiciones para la música. Dotado de una voz privilegiada, al igual que su hermano Pepe, siendo adolescente obtuvo los primeros triunfos, cantando con su guitarra en concursos para aficionados en Radio Cóndor, Radio América y Radio Ortiz.

Su primera grabación la realiza en 1952 con el respaldo del trío Los Soberanos en un gingle político solicitado por el líder del CFP, Dr. Carlos Guevara Moreno. En 1955, a dúo con Fresia Saavedra, graba el yaraví ''Pobre mi madre querida'', de Alberto Guillen Navarro y al otro lado del sencillo, el pasillo "Mi corazón", de Gonzalo Vera Santos, con el acompañamien­to de Rosalino Quintero. Unos meses después grabó con su maestro Carlos Rubira Infante, el pasillo "Esposa", para el sello Ónix de J.D. Feraud Guzmán,

Corría el año 1956, cuando Francisco Feraud Aroca le propuso grabar el vals "Fatalidad" de Laureano Martínez Smart, que en Colombia interpretaba con gran éxito nuestro afamado cantor Olimpo Cárdenas. Julio aceptó, con la condición de hacerlo en su propio estilo. El encargado de los arreglos fue Rosalino Quintero, quien intervino interpretando el requinto. Al otro lado se grabó el tema "Naufrago de amor" y desde el primer día que el disco salió a la venta fue un éxito rotundo, habiéndose vendido 6.000 ejemplares en la primera semana, lo que obligó a reimprimir millares de copias, urgentemente.
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Así empezó el luminoso camino artístico del Ruiseñor de América, que al poco tiempo grabó una docena de discos para el sello Ónix, entre los que se popularizaron temas como: Hojas muertas, te odio y te quiero, Elsa, y Carnaval de la vida.

Sin embargo fue el tema "Nuestro juramento", de la autoría del puertorriqueño Benito de Jesús, al que Rosalino Quintero modificó rítmicamente para convertirlo en bolero, el que más resonancia internacional lograría, catapultando la voz y la imagen de Julio Jaramillo a otros países, a donde el cantor salió en sus primeras giras. Los discos enviados a México por la empresa Feraud, motivaron el interés de la firma Peerles, que de inmediato estableció contactos para grabar con J.J., quien, por entonces, había debutado en Colombia, Perú y Chile. Mas adelante lo haría en Argentina y Uruguay, donde sus discos le habían precedido, levantando una ola de admiración, especialmente entre el elemento femenino, que al llegar a la capital Uruguaya lo bautizó como "Mister juramento”.

A mediados de los años sesenta, Julio había alcanzado la cúspide del éxito en su propio país, pero asuntos personales lo impulsaron a alejarse de la patria de origen para radicarse alternadamente, en Colombia, Venezuela y México, desde donde proseguía sus giras por distintos países de centro, sur América y los EE.UU, siendo constantemente aclamado por los públicos más diversos y por la crítica de farándula.

JJ. interpretaba con solvencia valses, pasillos, corridos, Rancheras, boleros, tangos, joropos, etc. Gracias a su extraor­dinaria memoria, podía escuchar una melodía y al instante retenerla para grabarla sin problemas, por lo que quienes trabajaron con él, aseguran que le era posible grabar un long play completo en una sola jornada.
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Durante esos años de auto exilio, la firma J.D. Feraud Guzmán, sacaba al mercado los discos de todos sus éxitos en el exterior, los mismos que Armando Romero Rodas se encargaba de difundir a través de las ondas de Radio Cristal, donde el sintoni­zado programa "La hora J.J.", inicialmente de sesenta minutos, se había extendido por pedido del público a dos horas, manteniendo latente el recuerdo y la voz del ídolo popular.

A mediados de 1976 vivía en Medellín, cuando recibió la invitación de la empresa J.D. Feraud Guzmán, que cumplía sesenta anos y quería que su cantante de mayor prestigio estuviese presente en los actos de conmemoración. Con este motivo retorno a su ciudad natal, donde el júbilo del pueblo lo envolvió en una atmósfera de admiración y cariño, haciéndolo sentir la emoción del reencuentro y el deseo de no partir jamás.

En Guayaquil volvió a ser "el muchacho de barrio", sencillo, amistoso, bohemio, generoso y alegre. Creó un programa de televisión, del cual fue conductor en Canal 4; efectuó innumerables presentaciones y grabó nuevas canciones. Pero los excesos de una vida sin control habían hecho mella en su organismo, que aí cabo de un tiempo empezó a mostrar signos de deterioro.

A comienzos del mes de febrero de 1978, fue sometido a una delicada operación para extirparle cálculos de la vesícula, y durante el lapso post operatorio cometió la imprudencia de arrancarse las sondas conectadas a su cuerpo, lo que le provocó una peritonitis que obligó a los médicos a practicarle una segunda intervención; pero esta vez su organismo descuidado a lo largo de tantos años de vida bohemia, no respondió como se esperaba.

El día nueve de febrero de 1978 a las 23h12 cuando "el cantor del amor", aún no había cumplido 43 años de edad, su corazón dejó de latir. Junto a su recuerdo quedan cerca de cinco mil canciones grabadas, y una estela de admiradores para quienes Julio Jaramillo jamás estará muerto.

30 de septiembre de 2010

LOS PICAPIEDRAS...50 AÑOS!!!


LOS PICAPIEDRAS (The Flintstones) fue una de las series que mas disfruté durante mi niñez, adolescencia y adultez (en estas 2 últimas etapas compartida con los Simpson) hoy cumplen 50 años, yo he vistos varias versiones que hubo en Tv, (Los Picapiedras Babys, Los Picapiedras con hijos adolecentes, etc.), pero el humor que existía en los episodios originales opacan todo lo demás...

Recuerdo que LOS PICAPIEDRAS fumaban en ciertos capítulos, en una época que no era mal visto ser fumador, si mal no recuerdo usaban cigarrillos Winston, y como olvidar de sus artefactos "modernos" como el Teléfono, La cámara de Fotos, La podadora de Césped, Los Aviones, el lavaplatos, el triturador de alimentos, los Tv, la radio, las lámparas, etc...casi se me pasa el YABBA DABBA DOO!!!....

Acá les dejo un poco de su historia, disfrútenla y celebremos a esta seria animada que marco nuestra niñez...

HISTORIA:

Hacia principios de los 60 era muy popular una serie de TV llamada THE HONEYMOONERS, protagonizada por Jackie Gleason. Hanna Barbera sacó a la luz el 30 de Septiembre de 1960 a THE FLINTSTONES (Los Picapiedras) como una versión prehistórica de la familia Kramden de aquella serie.

Originalmente se había pensado en el nombre The Flagstone, pero ya había una familia de ese apellido en la tira cómica Hi & Lois. Hanna Barbera ofrecieron la serie de animación a NBC y CBS en primera instancia, pero ambas cadenas la rechazaron: no querían arriesgarse con un cartoon para adultos. Pero ABC no pensó lo mismo. Ambientada en la ciudad de Piedradura (Bedrock en el original), las tramas no apuntaban directamente hacia el público infantil sino que tenían chistes para todas las edades, especialmente en la descripción de los mecanismos prehistóricos que imitaban el modo de vida moderno de las personas: los "troncomóviles" (Log-mobile), los automóviles prehistóricos, estaban propulsados "a pie"; la moneda de curso legal era el Piedrólar (Stone-dollar), al que Pedro solía llamar "machacantes" (trashers); el reciclador de basura era un animal prehistórico que comía los desechos sin mucho gusto; el Cuernófono (Horn-o-phone) era el teléfono de la época, etc.

Pronto los Picapiedras se hicieron populares igualmente entre los niños y grandes, quienes disfrutaban especialmente los pícaros diálogos. Un gran mérito de los doblajistas mexicanos, sin duda, cuyas versiones de Los Picapiedras acompañaron a miles de niños Latinoamericanos.

Los personajes fueron Pedro (Fred, la voz original era de Alan Reed), su esposa Wilma (voz de Jean Vander Pyl), su vecino y mejor amigo Pablo Mármol (Barney Rubble, voz de Mel Blanc) y la esposa de este Betty (que a lo largo de los años fue la voz de Bea Benaderet, Gerry Johnson y Gay Autterson), la mascota de Pedro Dino (voz de Mel Blanc), su hija Pebbles (voz de Jean Vander Pyl) y Bam Bam, el fortachón hijo de los Mármol (voz de Don Messick).

A lo largo de sus primeros años de emisión, Los Picapiedras, que fue el primer dibujo animado emitido en horario central (prime time), iba originalmente los viernes a las 20:30, gozaron de gran popularidad. Tuvieron sus amantes y sus detractores. Al igual que en los modernos Simpsons, los Picapiedras presentaron artistas invitados (Ann-Margrock fue Ann-Margret y Stony Curtis, en realidad Tony Curtis).

A partir de 1962, Los Picapiedras fue el primer dibujo animado en emitirse en colores por la TV. En 1966 se dejaron de emitir episodios originales, pero el material ya terminado totalizaban unos 164 episodios (cantidad solo superada por ya citados Simpsons, serie que sobrepasó esa cantidad recién en 1997). Estos episodios comenzaron a ser emitidos ininterrumpidamente a través de distintos ciclos (en la TV norteamericana los ciclos de dibujos animados tenían preferencia los sábados a la mañana), mezclándose con episodios de otras series (Los Supersónicos, Top Cat, etc.).

Luego de varios años de emitirse sus reposiciones, nuevos episodios centrados en las aventuras de Peebles y Bam Bam adolescentes, personajes alternativos que tuvieron sus propias series (como el Capitán Cavernícola y los Schmoo) hasta que en 1986 Hanna Barbera producieron un especial titulado THE FLINTSTONES 25th ANNIVERSARY CELEBRATION, que presentó a los personajes animados junto a actores de carne y hueso como Harvey Korman, Tim Conway, Vanna White y al propio Joseph Barbera. En 1993, ya con el proyecto futuro de un largometraje cinematográfico, se emitieron dos exitosos especiales más: I YABBA-DABBA DO! con Peebles y Bam Bam y A FLINTSTONE FAMILIY CHRISTMAS (en vísperas de Navidad).

En 1994, con un gran presupuesto mediante, se filmó con moderado suceso de público, THE FLINTSTONES (Los Picapiedra) con John Goodman como Fred, Elizabeth Perkins como Wilma, Rick Moranis como Barney y Rosie O'Donnell como Betty. La película dio lugar a una pequeña Picapiedra-manía, convenientemente aprovechada por los estudios y las productoras de turno. Durante el 2000 apareció una secuela titulada THE FLINTSTONES IN LAS VEGAS, protagonizada por un nuevo reparto, que pasó sin atraer mayor atención.

PERSONAJES PRINCIPALES:

Pedro Picapiedra:
Es obstinado, egoísta y ruidoso, pero tienen un punto débil como cualquier persona y son los huevos de Brontosauros. Pedro es un marido cariñoso y un padre devoto. Pedro tiene esa capacidad de darle un notable giro a una situación inocente en el peor de los desastres. El Yabba Dabba Doo es la expresión que utiliza para demostrar sus más grandes emociones.

Vilma Traca de Picapiedra:
Es la devota esposa de Pedro. Amante, práctica y completamente competente cuando de la cocina se trata. Vilma es el perfecto modelo de una ama de casa, es una mujer enérgica con un buen sentido del humor. Sirve de influencia estabilizante para su exuberante marido. Cuando Pedro se mete en problemas, ella siempre está allí para sacarlo de ellos.

Dino:
Es la devota mascota de los Picapiedras. Es un dinosaurio con buen sentido del humor y un particular apetito. Aunque no puede hablar, tiene una gran facilidad de comunicar sus sentimientos. Es inteligente, activo y sensitivo, al final del día recibe a Pedro con un gran beso. Es una compañía fiel para la familia.

Pablo Mármol:
Es el vecino más cercano y mejor amigo de Pedro. Pablo siempre tiene una sonrisa en su rostro y una palabra de ánimo para cualquiera que la necesite . Se enoja difícilmente pero cuando lo hace, sabes que tiene una buena razón. Tiene un gentil sentido del humor y no es fácil para que se le ocurran buenas ideas.

Betty Marmol:
Es la esposa fiel de Pablo y mejor amiga de Vilma. Es tranquila y goza de una particular risa. Es generalmente relajada y feliz, pero cuando se encuentra disgustada su enojo puede ser bien escandaloso. Ella reaccionará contra Pablo y Pedro cuando se sobrepasan en sus actos, pero siempre tratará de manejarlo lo más calmado posible.

LOS PICAPIEDRAS...definitivamente una serie infantil que me gustaria compartir junto a mis hijos, humor sano y sin violencia...



17 de septiembre de 2010

TRIBUTO A JIMI HENDRIX...40 AÑOS DESPUES...


Sin duda el mejor guitarrista en la historia del rock and roll, Jimi Hendrix es olvidado como el gran compositor que fue. Su música estaba cargada de imágenes en su letra y en la fuerza de la música.

James Marshall Hendrix, nació el 27 de noviembre de 1942 en Seattle, Washington y es quizás el artista de los años sesenta sobre el que más se ha escrito. Libros, películas, revistas y guiones inconclusos retratan la obra de quien en vida sólo produjo 4 álbumes y dejó uno inconcluso después de su muerte el 18 de septiembre de 1970. Lo asombroso, es que desde su primer disco "Are You Experienced?" de 1967 se han producido 25 larga duración que han entrado a las listas.

Aunque zurdo tocando en guitarra de derecho, pasó días enteros aprendiendo de los discos de Robert Johnson y B.B. King. Empezó como guitarrista de bandas Rithm & Blues de Seatle durante la escuela, para luego convertirse en paracaidista de la División 101 Aerotransportada. Fue durante su estancia en el ejército donde conoció a Billy Cox y con quien formó los King Kasuals, una unión que se mantuvo aún después del servicio.

Su historia como artista empieza a inicios de los años sesenta cuando acababa de dejar el ejército. Fue guitarrista de Little Richard, The Isle Brothers y Sam Cooke con quienes grabó y adquirió experiencia. Sin embargo, nunca pudo adaptarse a la disciplina que demandaba estar en una banda.

En 1966 se independiza y forma el grupo Jimmy James & the Blue Flames. Tocaban en un bar en Greenwich Village llamado "Cafe Wha?", cuando fueron vistos por el exbajista de los Animals, Chas Chandler, a quien le habían avisado de la importancia de verlos. Chandler se da cuenta del talento de Hendrix y lo convence de ir a Londres en busca de una audiencia más perceptiva. En octubre, Chandler se convierte en el comanejador del grupo y, junto con el bajista Noel Redding, el baterista Mitch Mitchel, y la formación original de la banda, arman The Jimi Hendrix Experience.

El éxito del grupo, inicialmente, fue en Inglaterra, pero llegaron a Estados Unidos camuflados en la Invasión Británica. En 1967 actúan en el Festival de Monterrey y junto con Otis Redding llaman la atención de todos, incluyendo del director del documental del evento, D.A. Pennabaker. "Purple Haze" y "Foxy Lady" le dieron a Hendrix la notoriedad que merecía, debido a la forma inusual en que sonaba la guitarra.

Su música podría ser llamada estridente, pero no desordenada o desafinada, tenía sentido. De hecho los sonidos agudos producto de los "retornos", los chillidos convertidos en tonos sostenidos y las vibraciones eléctricas que pasaban de parlante a parlante, hacían de su música algo nunca antes escuchado.

El éxito de Hendrix fue más allá de la innovación o de cómo cambió la música. En octubre de 1968 los tres discos que el grupo había grabado hasta la fecha estaban en lista: "Are You Experienced?" había llegado al número 5, "Axis: Bold As Love" era número 3 y el álbum doble "Electric Ladyland" estaba en el primer lugar, donde se quedó durante dos semanas. El último LP llegó tan alto gracias a la versión de Hendrix de la canción de Bob Dylan "All Along The Watchtower", el único sencillo que logró convertir en éxito al colocarlo entre las primeras 20. Bob Dylan siguió usando los arreglos de Hendrix, en vez de su propia versión. Este último disco fue particularmente importante, porque trascendió la formación del grupo e incluyó a músicos como Steve Winwood (Traffic) o Jefferson Airplane.

Hendrix dijo que "sentía que 'Watchover' era algo que yo mismo había escrito pero a lo que nunca pude dar forma" (...) "Siempre me sentí de esa manera con Dylan. No podría escribir las palabras que él escribe, pero me ha ayudado a escribir, porque tengo mil cacniones que nunca serán terminadas. Me siento un rato y escribo dos o tres palabras. Ahora tengo más confianza en mi mismo como para poder terminar una."

Las influencias musicales de Hendrix trascienden a Bob Dylan, siempre fue un entusiasta de la ciencia ficción, lo que se mostró en su trabajo. "Purple Haze" (Neblina Púrpura) estuvo inspirada en una historia del escritor Philip Farmer. Según el guitarrista "se trata de viajar a través de un territorio. (...) Porque eso es lo que me gusta, escribir sobre escenas míticas, como la historia de las guerras en Neptuno.

Sobre cómo eso llegó hasta los dioses griegos y toda esa mitología. Entonces uno puede crear su propia escena mitológica, o escribir ficción, una ficción completa." Canciones como "Third Stone From The Sun," "Up From The Skies," "And The Gods Made Love," y "1983...(A Merman I Should Turn To Be)" encajaban dentro de ese patrón. Adicionalmente, Hendrix usaba los elementos de tierra, agua, aire y fuego dentro de su narrativa, a ellos responden "The Wind Cries Mary," "Castles Made of Sand," "One Rainy Wish," "Burning Of The Midnight Lamp," "Rainy Day, Dream Away," "House Burning Down," y "Fire". No en vano incendió su guitarra en el escenario.

Otras influencias en su trabajo fueron los Beatles, Cream, Chuck Berry y Carl Perkins a quienes interpretó en el escenario con temas legendarios como "Blue Suede Shoes" o "El Club de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta".

De la misma manera, Hendrix fue reinterpretado por artistas como Derek & the Dominos, Stevie Ray Vaughan y Rod Stewart. Sin embargo, existe la necesidad de serle fiel a la persona que cambió todo como los discos tributos de los años noventa en que Thin White Rope, the Shamen, the Mock Turtles, Thee Hypnotics, Eric Clapton, the Cure, Pat Metheny, the Spin Doctors, the Pretenders, P.M. Dawn, y Paul Rodgers interpretaban los temas más recordados del guitarrista que llegó a tocar las cuerdas con los dientes.

A pesar de su creatividad, la vida privada del guitarrista al igual que la profesional se habían vuelto problemáticas. Fue arrestado en Toronto por posesión de heroína y, aunque los cargos fueron luego descartados, este asunto nubló mucho de su trabajo durante 1969. Chas Chandler dejó su sociedad como manejador de Hendrix, quería seguir nuevos proyectos.

El grupo tenía serías diferencias y el 29 de junio de 1969 tocan su último concierto.

Luego formó dos grupos, primero "Gypsies Sons" y luego "Rainbows" en ellos estuvieron Mitchell, Billy Cox (bajo), Larry Lee (en la guitarra de ritmo), Juma Sultan and Jerry Velez (ambos en la percusión). Fue esta formación la que cerró el festival de Woodstock y, aunque frente a poca audiencia, Hendrix tocó el Himno de los Estados Unidos en guitarra, una respuesta a las muchas presiones que recibía en el momento, antes que un asunto político.

Vendría el fracaso de Band Of Gypsies, un grupo integrado por músicos negros que se separó por diferencias en torno a cómo debía montarse el disco. Empexó entonces a trabajar en su próximo doble álbum "First Rays Of The New Rising Sun" que sería publicado hasta 1997. Su relación con el público se volvió frustrante debido a que ambos se movían en dirección diferentes.

Su última presentación fue en Inglaterra en el festival de la Isla de Weight, donde se mostraron sus diferencias con el público, a pesar de que su presentación fue maravillosa.

A su regreso de una gira de conciertos por Europa, el 18 de setiembre de 1970, su novia no puede despertarlo y llama a la ambulancia. Es declarado muerto a la entrada del hospital, la causa fue de ahogo por vómito. No obstante, Eric Burdon de los Animals dijo tener una nota en lal que Hendrix decía que se iba a suicidar, lo que jamás fue confirmado.

Quizás la muestra de que Hendrix aún perdura en la memoria colectiva es el relanzamiento de sus discos en 1997 y que se vendieron como pan caliente entre viejos admiradores y jóvenes que recién lo conocían.


8 de septiembre de 2010

TRIBUTO A LOS RATONES PARANOICOS


Juanse y Pablo Memi tocaban en la banda "La puñalada amistosa" junto a Gabriel Carámbula. Los constantes enfrentamientos entre ellos los condujo a la separación, y fue así como en 1984 convocaron al resto de los Ratones: Sarcófago y Roy.

La estética y el sonido imitando a los Rolling Stones tiene lugar desde el mismo momento en que Juanse decidió dedicarse a la música. Quizás por esa rebeldía (mezcla de su personaje y de su propia personalidad) les constó encontrar una compañía discográfica que estuviera dispuesta a contratarlos. En 1986 logran grabar el primer trabajo , bajo el sello Umbral (que también tenía a Los Violadores y a V8). Este material tuvo una escasísima difusión, aunque incluía temas como "Bailando conmigo" y "Sucia estrella". Luego sería relanzado.

Si bien eran considerados como "ese grupo que imita a los Stones", poco a poco fueron logrando perfilar una personalidad propia. En "Los chicos quieren rock" (1988) se profundiza este "despegar de la copia", para instalarse más en una "herencia musical". Este disco los lanza a la masividad e, incluso a llevarlos al lugar de "Grupo Revelación" en las encuestas.

En un reportaje de Gloria Guerrero (en junio del '88) se le preguntaba a Juanse por qué a ellos se les permitía recrear a los Stones en un país que se caracteriza por criticar las copias. La respuesta fue: Lo que pasa es que nosotros no nos manejamos con las réplicas. No nos metimos en un estilo así porque sí; lo asumimos con mucha responsabilidad. Hay mucha gente que siempre dependió de los Stones, la gente se quedó pegada con ese sonido, estaba buscando esa tendencia y la necesita. Yo vengo escuchando a los Rollings desde que tenía seis o siete años; era lo único a lo que me aferraba. Y lo vemos ahora en la gente que va a vernos, todos con sus remeras con las lenguas, su identificación absoluta con la necesidad de un rocanrol que sea más real

En 1989 tomaron parte de una gira organizada por la UCR en apoyo de su fórmula presidencial Angeloz-De la Rua. Charly García, Spinetta, Los Fabulosos Cadillacs y La Torre fueron otros de los invitados. Pero Juanse marcó bien cuál era el propósito de su banda: "Yo toco rock and roll, sea para Angeloz o para Mussolini".

"Rock del gato" fue el hit de su siguiente álbum, "Furtivos" (1989), que también contenía "Hasta que llegue el dolor" y cuya presentación tuvo lugar en Obras.

En 1990 los cotrata la Sony, con lo que aseguraban su permanencia en el "show business". Sin embargo, Juanse declaraba "Nosotros no tenemos nada que ver con el rock nacional. No me siento parte de él: digamos que hago rock n'roll y que soy argentino, que es otra cosa" (Berti, pág 155). Es así que el título del siguiente LP cobra vigencia: "Tómalo o déjalo" (1990).

Andrew Oldham, ex-productor de los Stones, de Rod Stewart y de Eric Clapton, viajó a Buenos Aires para trabajar en "Fieras Lunáticas" (1991). Juanse y Oldham viajaron a Estados Unidos para la mezcla final del material. Un obsequio del productor al grupo es la inclusión de la melodía de "Satisfaction" en "Wah wah". El hit más importante del disco es "Rock del pedazo".

El 7 de noviembre de 1992 Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones, hacía su presentación en el Coca Cola Rock Festival, junto a su banda, The Expensive Rinos. Como no podía ser de otra manera, el show fue abierto por los Ratones Paranoicos, con Pappo como guitarrista invitado. En diciembre de ese año, los Ratones son convocados para telonear a los Guns N'Roses. En medio del show, Juanse tropieza, cae y se rompe una pierna: es retirado en camilla del escenario, con la multitud de River atónita.

Para "Hecho en Memphis" (1993) se dieron otro gran gusto: grabar con Mick Taylor (guitarrista de los Stones a comienzos de los '70). «Tuve una muy buena primera impresión de la banda - comenta Taylor. Realmente suenan muy compactos. Valió la pena» (Clarín, 09/11/93).

Su momento de mayor popularidad lo consiguieron con la visita de los Rolling Stones, en febrero de 1995, y sus cinco shows como teloneros en el estadio de River. Hacia fin de año se lanzó un CD en festejo de los diez años de la banda ("Raros Ratones"), que contó con versiones nunca antes editadas de "Sucio gas", "Carol" y "Destruida roll", un tema inédito que había quedado al margen del primer disco.

Juanse editó su primer álbum solista llamado "Expreso Bongo" en 1997 y los rumores sobre la separación de los Ratones corrieron por unas cuantas semanas. De hecho, un show en Velez tuvo su punto fuerte de publicidad justamente en el hecho de ser supuestamente "el último".

Sin embargo, en 1998 volvieron a la escena porteña en el microestadio de Obras, con la presencia de Fabián Quintiero en lugar de Memi. Al año siguiente lanzaron "Electroshock". Le siguieron "Vivo Paranoico" (una recopilación en vivo) y "x16".

A mediados del 2003 editaron "Enigma", un EP de cinco tracks, con dos temas nuevos, dos covers y un remix de Enlace, realizado por Diego Ro-K.

"Inyectado de rocanrol vivo" (2006) fue registrado durante los shows en Obras del 2005. Con producción de Pablo Guyot y Alfredo Toth, el material editado en CD y en DVD resume los veinte años de trayectoria de la banda. El corte difusión elegido fue "El vampiro".

En 2008 Pablo Memi regresó a la banda, que recuperó así su formación inicial.

Juanse: voz
Pablo Memi: bajo
Pablo "Sarcófago" Cano: guitarra
Rubén "Roy" Quiroga: baterí­a
Ex integrantes
Fabián Quintiero: bajo y teclados

SERA QUE REVIVO EL BLOG????

Hace muchos años perdí el gusto por escribir post...  Pero esporadicamente escribo experiencias, pero las dejo para mi... Será moment...